WIKIHISTORIA DEL ARTE VENEZOLANO - Contribuciones del usuario [es]

Millán, Víctor

2013-06-15T16:03:55Z

Carlos Eduardo Morillo: /* Créditos */

{{Ficha de artista
|titulo = Víctor Millán
|imagen = [[Imagen:Fotovictor_millan.JPG|250px]]
|nombrecompleto = Víctor Millán
|nacimiento = 15 de agosto de 1919, Punta de Araya, Edo. Sucre - Venezuela
|fallecimiento = 17 de septiembre de 1991, Coro, Edo. Falcón - Venezuela
|nacionalidad = Venezolano
|area = Pintor
|firma =
}}

{{
#display_points:
Araya Sucre Venezuela,Venezuela~Punta de Araya, Edo. Sucre~Lugar de nacimiento;
Caracas Venezuela,Venezuela~Caracas~Lugar de su Obra
}}

==Vida y obra==
Pintor. En 1930 se traslada con su familia a Cumaná y a los 13 años realiza su primer viaje como aprendiz de marinero. Prestó servicio militar en los Andes desde 1937 hasta 1939, cuando regresa a oriente. Entre 1942 y 1943 realizó varios viajes por mar. En 1944 pintó su primer cuadro, La batalla entre Venezuela y Colombia. Este mismo año se instala en La Guaira, donde contrae matrimonio con Carmen Antonia Aranguren. En 1949 conoce a Feliciano Carvallo, quien con el tiempo se convertirá en su amigo y protector. Millán reinterpretó recursos empleados por Carvallo, como el uso del recubrimiento del soporte con un fondo monocromo de pintura industrial, que aplicaba para obtener la calidez o frialdad cromática de su obra. En 1951, Francisco Da Antonio lo incluye en la "Primera muestra de pintura de hoy", organizada por el Taller Libre de Arte. A partir de este momento comenzó a figurar en el grupo de los llamados fundadores del arte ingenuo. En 1952 participó en el VI Salón Planchart con la obra Guanta. En 1954 realizó su primera individual en el Taller Libre de Arte, figuró en el XV Salón Oficial con Carnaval de oriente y en el I Salón D'Empaire con Fiesta en la calle y Matrimonio en el Cordonal. En 1956 participó en la "Primera colectiva de arte ingenuo" en el Bar Sorpresa (Petare, Edo. Miranda), el XVII Salón Oficial y el VIII Salón Planchart. En 1957 participa en el XVIII Salón Oficial y, paralelamente a sus trabajos como pintor, se dedica a la albañilería. Este mismo año, Francisco Da Antonio organiza la muestra "Dos primitivos: Rivas y Millán" y, junto a Feliciano Carvallo y Bárbaro Rivas, se presentó en la IV Bienal Internacional de São Paulo. Participó en el Salón Oficial con Güigüe y La Guaira (ambas de la colección GAN) en 1958, Composición y Calle de Maracaibo en 1959, El llano en 1961 y San Francisco de Yare y La Virgen de Oriente en 1962. En 1961, junto a Pedro Velazco Cova, expone al aire libre en el callejón México, frente a la Escuela Experimental Venezuela (Caracas), en protesta a la falta de espacio para exponer; en 1962, junto a Feliciano Carvallo y Bárbaro Rivas forma parte de "Naive Painters of Latin America", y, entre 1963 y 1964, exhibe en la Galería El Muro y en la Galería G (Caracas). En 1965 organiza "Arte ingenuo de Mare Abajo", que reunió a distintos artistas de los que integraron el Taller de Arte Popular de esa localidad y participa en el XXVI Salón Oficial. En 1966 formó parte de "Cuatro primitivos venezolanos" en la Galería Gamma (Caracas) y, junto a Carmen Millán, expone en la Casa de la Cultura Cecilio Acosta de Los Teques las obras Fiesta de San Juan y Máscara de Diablo. En 1967 participó en la "Primera retrospectiva de la pintura ingenua venezolana del siglo XX" (Galería Caracas, Caracas). En 1968, Luis Roche realizó un cortometraje sobre su trabajo.

En 1972 formó parte de una muestra organizada en la Unión Panamericana de Washington y aparece reseñado en El arte ingenuo en Venezuela de Francisco Da Antonio (Caracas: Shell de Venezuela, 1974). En 1974 muere trágicamente su esposa, y Víctor Millán dirige, en su honor, la fundación de la Casa de la Cultura de Marapa. En 1975, Hercilia Ylareta se convierte en su segunda esposa. Este mismo año expone en la Galería de Arte Fondocomún, Entidad de Ahorro y Préstamo (Caracas) y aparece reseñado en el libro Pintores venezolanos del común, de Juan Calzadilla. En 1977 Francisco Da Antonio organizó la "Tercera edición de los pintores contemporáneos en homenaje a Víctor Millán" (Salón de Arte CANTV). En 1978 es incluido en Los pobladores de la imaginación cotidiana (MACC, GAN y la Sala Cadafe). En 1980 concurre a "Pintores ingenuos" (Alcaldía del Municipio Libertador, Caracas) y "Arte ingenuo venezolano" (Casa Guipuzcoana, La Guaira). En 1980 integra "Indagación de la imagen (la figura, el ámbito, el objeto). Venezuela, 1680-1980. Exposición temática. Primera parte" y, en 1981, "Doce maestros" (ambas en la GAN). En 1982 y 1983 participó en el Salón de Pintura Ingenua organizado por Fundarte. En 1983, con El ministerio, gana el Premio Municipal de Artes Plásticas otorgado por la Gobernación del Distrito Federal (Caracas). Este mismo año, junto con su esposa, presenta la muestra "Dos pintores ingenuos Hercilia Ylareta y Víctor Millán" en la Galería Las Mercedes (Caracas). En 1985, las pinturas de Carmen y Víctor Millán representan a Venezuela en "Selection from the Permanent Colletion" en el Museo de Arte Moderno de América Latina (OEA, Washington). En 1988 participa en el IX Salón de Arte Popular de Fundarte, donde presentó las obras Selva negra (1988) y Fiesta en el pueblo (1986) con la que recibió el Premio BN. En 1989, la Gobernación del Distrito Federal (Caracas) le otorga un reconocimiento por sus cincuenta años de trayectoria y se organiza una colectiva con la participación de Emilita Rondón, Hercilia Ylareta y Elba Meneses. Participó en "La pintura en la colección del Museo de Arte Popular de Petare" donde presentó Miranda en el llano (1979) y Mataron al ave (1981). A finales de este año se muda a La Vela de Coro. En 1990 participó en una colectiva de pintores ingenuos organizada por la Alcaldía del Municipio Libertador. En 1991 muere víctima de un asalto y este mismo año se crea el Premio Víctor Millán en la Bienal Bárbaro Rivas.

Según Francisco Da Antonio, existen en su trabajo rasgos comunes emparentados con la obra de Feliciano Carvallo. No obstante, Millán desarrolló una obra circunscrita a experiencias autobiográficas, como las fiestas populares del oriente venezolano y su pasado como marinero. "Con todo, a él debemos esos bellos paisajes donde las casas semejan proas de grandes buques; animadas escenas donde el pájaro guarandol cae abatido por un fogonazo de confitería. Exquisitas naturalezas muertas y florones donde el azul impone su timbre más profundo. Sus marinas expresan el amor de quien conoce todos los secretos de las balandras pesqueras del Caribe. Sus retratos y figuras, trátense de vírgenes o de reinas o como aquél de su hermana María del Valle, son particularmente notables. Aluden por una parte el trabajo de los fotógrafos a domicilio que de una postal en ruinas devuelven a sus clientes una seductora imagen iluminada" (Da Antonio, 1977). De Víctor Millán, la GAN posee en su colección, entre otras obras, Casa de los diablos (1953), La reina María Lionza (1965) y Procesión del Nazareno (1979), todas ellas óleos sobre tela.

===Obras de Víctor Millán===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:Copia_de_La_reina_maria_lionza.JPG‎ | La Reina María Lionza. 1965. Óleo sobre tela. 108,7 x 70,8 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_procesion_de_nazareno.JPG | Precesión de Nazareno. 1979. Óleo sobre tela. 101 x 170,2 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sabaneta.JPG‎ | Sabaneta. 1980. Óleo sobre tela. 70,5 x 100 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titul23344556665o.JPG‎ | Sin título (Paisaje). 1972. Óleo sobre tela. 150 x 189,5 cm. CONAC.
Imagen:Victor_millan_la_casa_de_los_diablos.JPG‎ | Casa de los diablos. 1953. Óleo sobre tela. 61,3 x 96,5 cm.
Imagen:La_guaira_1936.JPG‎ | La Guaira 1936. 1952. Óleo sobre tela. 64,5 x 87 cm.
</gallery>

==Exposiciones individuales==
*1954 Taller Libre de Arte, Caracas
*1955 Centro Venezolano Francés, Caracas
*1957 Librería Cruz del Sur, Caracas
*1961 Callejón México, Caracas
*1967 Boutique-Galería, Caracas / Galería La Pinacoteca, Caracas
*1970 Galería Framauro, Caracas
*1972 Unión Panamericana, Washington
*1974 Sala Humboldt, Caracas
*1975 Galería de Arte Fondocomún, Entidad de Ahorro y Préstamo, Caracas
*1979 "Muestra pictórica de Víctor Millán", Concejo Municipal del Distrito Federal, Caracas
*1980 Galería Denis, Porlamar, Edo. Nueva Esparta

==Exposiciones póstumas==
*1993 "Mares, vírgenes y territorios azules", Museo Armando Reverón, Macuto, Edo. Vargas
*1998 "El universo de Víctor Millán: aproximaciones a su imaginario urbano", Museo de Petare

==Premios==
*1983 Premio Municipal de Artes Plásticas, Gobernación del Distrito Federal, Caracas

==Colecciones==
Banco Mercantil, Caracas / Colección Cisneros, Caracas / GAN / Mamja / Museo de Arte Moderno de América Latina, OEA, Washington / Museo de Petare

==Fuentes==
*Cinap, M 62.
*Da Antonio, Francisco. El arte ingenuo en Venezuela. Caracas: Shell de Venezuela, 1974.
*Da Antonio, Francisco. Pintores ingenuos contemporáneos de Venezuela (catálogo de exposición). Maracaibo: Centro de Bellas Artes, 1977.
*El universo de Víctor Millán. Aproximaciones a su imaginario urbano (catálogo de exposición). Caracas: Museo de Petare, 1998.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve
*Carlos Eduardo Morillo. Estudiante de la Licenciatura en Historia del Arte en la Universidad de los Andes

==Comentarios==
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[[Category:PUNTA DE ARAYA]]
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[[Category:MASCULINO]]
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Orozco, Trino

2013-06-15T16:03:16Z

Carlos Eduardo Morillo: /* Créditos */

{{Faltan archivos}}

{{Ficha de artista
|titulo = Trino Orozco
|imagen =
|nombrecompleto = Trino [Julián de la Trinidad] Orozco
|nacimiento = 9 de enero de 1915, Humocaro Alto, Edo. Lara - Venezuela
|fallecimiento = 3 de octubre de 1994, Barquisimeto, Edo. Lara - Venezuela
|nacionalidad = Venezolano
|area = Pintor
|firma =
}}

{{
#display_points:
Humocaro Alto Lara Venezuela,Venezuela~Humocaro Alto, Edo. Lara~Lugar de nacimiento y Lugar de su Obra;
Barquisimeto Lara Venezuela,Venezuela~Barquisimeto, Edo. Lara~Lugar de su Obra;
Caracas Venezuela,Venezuela~Caracas~Lugar de su Obra
}}

==Vida y obra==
Pintor. Hijo de Trinidad Orozco y María Antonia Sánchez. En 1926 es enviado a Barquisimeto a estudiar en el Seminario La Divina Pastora, que abandona en 1930 para viajar a Caracas, donde asiste a los cursos nocturnos de la Escuela de Artes Plásticas de Caracas. Fue alumno de Rafael Monasterios en paisaje, de Marcos Castillo en naturalezas muertas y Cruz Álvarez García y Lorenzo González en escultura. De estos años son El bautizo de Jesús (colección Iglesia Parroquial, Humocaro Alto, Edo. Lara) y un boceto de Simón Bolívar (colección Alcaldía de Humocaro Alto, Edo. Lara). En 1932 se traslada a Valencia (Edo. Carabobo) y se dedica a la pintura al aire libre; allí realiza su primera exposición individual. Durante esa época se inicia en el estudio de la acuarela. En 1933 realiza los trabajos de restauración de las obras muralísticas de la Casa-Museo General José Antonio Páez (Valencia, Edo. Carabobo). Poco después abandona la pintura y regresa a su pueblo a desempeñar un cargo público. Posteriormente se traslada a Carora, en donde recibe la influencia de ideas renovadoras difundidas por el periodista y escritor Cecilio Zubillaga Perera; allí funda una escuela de pintura y desarrolla obras orientadas hacia la temática social. Vive un tiempo en Barquisimeto y, entre 1940 y 1953, regresa a Caracas, donde perfecciona un estilo expresionista. En 1954, con ayuda del ME, se traslada a Cuba, Nueva York, París y Madrid. En 1959 se radica definitivamente en Barquisimeto. Orozco ha utilizado diversas temáticas y técnicas, con énfasis en las líneas dibujísticas y en el valor del color, combinando el collage con el chimó sepia y el asfalto. Ha tenido predilección por los temas locales y regionales, sin desdeñar una pintura onírica y hasta religiosa.

===Obras de Trino Orozco===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:Copia_de_mercado_de_san_jacinto.JPG | Mercado de San Jacinto. 1950. Óleo sobre cartón pidra. 54 x 70 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_paisaje-de-trino-orozco.jpg | Paisaje. 1973. Óleo sobre tela. 30x40 cm.
Imagen:Copia_de_sin_titulo-_paisaje.JPG | Paisaje. Sin fecha. Óleo sobre tela. 42,7 x 62,6 cm.CONAC
</gallery>

==Exposiciones individuales==
*1934 Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo
*1935 Centro Social, Barquisimeto
*1936 Club Páez, Acarigua, Edo. Portuguesa
*1956 Palacio Municipal, Cumaná
*1962 Escuela de Artes Plásticas, Barquisimeto
*1964 Hotel Nueva Segovia, Barquisimeto
*1966 Sala Armando Reverón, Caracas
*1970 Sala Armando Reverón, Caracas
*1978 "Retrospectiva", Banco de Lara, Barquisimeto
*1982"Homenaje al Maestro Trino Orozco", Galería Popular Neoespartana, Porlamar, Edo. Nueva Esparta
*1985 "Retrospectiva", Arte Internacional Las Américas, Caracas / "Trino Orozco, hombre y pintor", Museo de Barquisimeto
*1989 "Maestro Trino Orozco, 57 años dedicados a la plástica en Venezuela", Galería de Arte Universitaria Rafael Monasterios, Ucla
*1992 Galería Municipal de Arte, Maracay

==Premios==
*1971 Paleta de oro, VII Salón Anual, Sala Armando Reverón, Caracas

==Colecciones==
Círculo Militar / Círculo Militar, Barquisimeto / Concejo del Municipio Libertador, Caracas / Iglesia Parroquial, Humocaro Alto, Edo. Lara / Residencia Presidencial La Casona, Caracas

==Fuentes==
*Cinap, O 12.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve
*Carlos Eduardo Morillo. Estudiante de la Licenciatura en Historia del Arte en la Universidad de los Andes

==Comentarios==
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Pérez Avilán, Tomás

2013-06-15T16:02:48Z

Carlos Eduardo Morillo: /* Créditos */

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{{Ficha de artista
|titulo = Tomás Pérez Avilán
|imagen =
|nombrecompleto = Tomás Pérez Avilán
|nacimiento = 13 de julio de 1925
|fallecimiento =
|nacionalidad = Venezolano
|area = Pintor
|firma =
}}

{{
#display_points:
Caracas Venezuela,Venezuela~Caracas~Lugar de su Obra
}}

==Vida y obra==
Pintor. Participó en la sección de alumnos del V Salón Oficial (1944) con tres grabados: Paisaje (xilografía), Iglesia (aguafuerte) y Paisaje (linóleo). En 1945 su obra Flores fue reconocida en el VI Salón Oficial, en el cual participó con dos pasteles más, Dalias y Naturaleza muerta, y con ocho cerámicas. Guillermo Meneses elogió su intervención en esa ocasión al incluirlo, junto con Alejandro Otero, Mateo Manaure, Carlos Cruz-Diez y Carlos González Bogen entre los jóvenes que representaban una "magnífica seguridad para el futuro de la pintura venezolana" (El Nacional, 15 de julio de 1944). En 1946 envió al VII Salón Oficial dos óleos de flores y un retrato en acuarela y, en 1947, es premiado en la VIII edición de este mismo salón por los óleos Virgen colonial, Bodegón, Naturaleza muerta y Auyama. Pérez Avilán siguió participando en el Salón Oficial hasta 1958, cuando viaja a Italia. Su evolución pictórica puede seguirse por estos envíos: en 1947 muestra óleos sobre tela, entre ellos Virgen colonial y naturalezas muertas, además de cerámicas; en 1948, cerámicas, entre ellas Madona en relieve, Máscara y Virgen con manto sepia; en 1949, dos óleos, Humanidad (mención honorífica de ese año) y El suicida, obras de carácter rigurosamente surreal, además de cerámicas; en 1953, un guache, Maternidad, y en 1958, dos óleos, Inmigrantes y Maternidad. En 1957 expuso un centenar de máscaras en el MBA. Según Mariano Picón Salas, quien hizo la presentación de la muestra, el artista, "si a veces puede caer en el folclorismo o la imitación de otros estilos demoníacos, pronto lo salva con su inventiva creadora". En 1959 expuso, en Florencia (Italia), 30 pinturas, algunas de ellas con rostros de ojos vacíos como máscaras y un San Sebastián que recuerda las formas de los metafísicos italianos. La GAN posee en su colección los óleos sobre tela Flores (sin fecha) y Bodegón (1946), que fue incluida en la exposición "Naturalezas muertas en la colección Galería de Arte Nacional" (1995). En esa ocasión, Mónica Domínguez señaló sus habilidades pictóricas en la transcripción de las distintas calidades de los materiales y en el manejo de los efectos atmosféricos (1995, s.p.).

===Obras de Tomás Pérez Avilán===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:Copia_de_bodegon.JPG‎ | Bodegón. 1946. Óleo sobre tela. 70 x 80 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_florez-_girasoles.JPG | Flores-Girasoles. Sin fecha. Óleo sobre tela. 70 x 54,8 cm. CONAC.
</gallery>

==Exposiciones individuales==
*1957 "Máscaras", MBA
*1959 Galería Vigna Nuova, Florencia, Italia

==Premios==
*1944 Mención honorífica, V Salón Oficial
*1945 Premio de mérito especial para estudiantes de artes plásticas, VI Salón Oficial
*1947 Segundo premio de pintura, VIII Salón Oficial
*1949 Mención honorífica, X Salón Oficial
*1960 Premio popular, VII Salón D'Empaire

==Colecciones==
GAN

==Fuentes==
*Archivo MBA.
*Domínguez Torres, Mónica. "Vida y trascendencia de lo inanimado". En: Naturalezas muertas en la colección Galería de Arte Nacional (catálogo de exposición). Caracas: GAN, 1995.
*Meneses, Guillermo. El arte, la razón y otras menudencias. Caracas: Monte Ávila, 1982.
*Picón Salas, Mariano. "Máscara y máscaras". En: Máscaras (catálogo de exposición). Caracas: MBA, 1957.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve
*Carlos Eduardo Morillo. Estudiante de la Licenciatura en Historia del Arte en la Universidad de los Andes

==Comentarios==
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Mützner, Samys

2013-06-15T16:02:05Z

Carlos Eduardo Morillo: /* Créditos */

{{Faltan archivos}}

{{Ficha de artista
|titulo = Samys Mützner
|imagen =
|nombrecompleto = Samys Mützner [Samuel]
|nacimiento = 13 de diciembre de 1884, Bucarest - Rumania
|fallecimiento = 1959, Bucarest - Rumania (datos en estudio)
|nacionalidad = Rumano
|area = Pintor viajero
|firma =
}}

{{
#display_points:
Bucarest Rumania,Rumania~Bucarest~Lugar de nacimiento
}}

==Vida y obra==
Pintor viajero. Su hermano mayor, el litógrafo Marc Mützner, lo apoyó a seguir la carrera artística. Hacia 1899 cursaba estudios en la Escuela de Bellas Artes de Bucarest y hacia 1900 se encontraba en Múnich (Alemania), donde estuvo tres años estudiando dibujo en la Academia de Bellas Artes. Entre sus maestros se encontraban Karl Raupp, Anton Azbé y Simon Hollosy. En 1903 se instala en París donde se inscribe en la Academia Julian. Discípulo de Jean-Paul Laurens y de Bouguereau, se consagró a las tendencias clásicas durante diez años. En París participa, en 1904, en el Salón de Otoño y, en 1905, en la XXI Muestra de Artistas Independientes. En esa etapa coincidió con Federico Brandt, de quien fue compañero de estudios. Entre 1909 y 1911 vive en Giverny (Francia) y recibe la influencia directa de Monet y el impresionismo que se registra en las obras que expone en su primera individual realizada en Bucarest, en 1909. Mützner inició un viaje de trabajo alrededor del mundo en 1912, y su obra adquirió un carácter pintoresco que, según la curadora rumana Livia Carp, subrayaba la naturaleza exuberante con una paleta marcadamente rica. Recorrió el Mediterráneo, el norte de África, Italia, Grecia y posteriormente Ceilán, China, Japón, Corea y China. Desde Manchuria se dirigió a Japón, donde vivió por tres años (1912-1915). Esta etapa ha sido llamada el período "diáfano" de Mützner. En marzo de 1916 expuso sus obras simultáneamente en Bucarest y en la Galería de Arte Louis Ralston & Son de Nueva York. En 1916 se encuentra en Puerto Rico, donde participó, al año siguiente, en una exposición en el Casino Español. Allí expuso Capilla del Cristo, Niño de Borinquén y una Geisha peinándose. Ese año también expuso de nuevo en Nueva York.

La prensa nacional reseña su presencia en Caracas desde mayo de 1917 (El Nuevo Diario, 19 de agosto de 1917). Hacia agosto se embarca a las costas orientales, interesado por captar aspectos pintorescos y costumbristas. Estuvo en Margarita hasta mediados de 1918, cuando expuso en el Club Venezuela de Caracas. De 1919 es su Mercado de San Jacinto (colección Gobernación del Distrito Federal, Caracas), de fuerte carácter expresionista. Mützner permaneció en Venezuela hasta 1919, y su pintura influyó directamente en la obra de algunos pintores del Círculo de Bellas Artes, como Federico Brandt, Antonio Edmundo Monsanto y Armando Reverón. Sobre su producción paisajística se ha señalado: "en la exposición suya realizada en el Club Venezuela, en agosto de 1918, Mützner reunió 87 pinturas, la mayoría de ellas ejecutadas en Margarita y Carúpano; de Caracas y La Guaira había tan sólo 14. El éxito, tanto de venta de más de cuarenta telas como de crítica, fue considerable. Es importante retener este hecho, porque el artista rumano utilizaba entonces una materia muy expresiva que era, para aquellos años, completamente revolucionaria en Venezuela y sólo la conocía un reducido grupo de pintores que la había percibido en revistas de arte y en una que otra pintura europea en alguna colección particular. Los cuadros de Mützner estaban hechos a base de un empaste muy rico, de pinceladas fuertes y generosas, buscando más bien la mancha policromada que la precisión de las formas y del dibujo" (Boulton, 1968, p. 275).

Tras partir de Venezuela se residenció en París, donde coincidió en 1920 con Manuel Cabré. En 1922 regresó a Rumania y abrió una exposición en el Ateneul Român (Bucarest) con obras de su etapa viajera. Samys Mützner se dedicó también al género del retrato. En 1923 contrae matrimonio con la pintora Rodica Maniu, viaja a Italia (1923) y Córcega (1929) y realiza trabajos en Balcic (Rumania), en la costa del Mar Negro. En 1936 ilustra el libro de N.N. Condrescu, Peste mari si tari (A través del mundo). Entre 1924 y 1947 expuso con éxito en Bucarest. Representó a Rumania en la Bienal de Venecia (1924), la "Exposición de París" (París, 1925), en el Museo Jeu de Paume (París, 1929) y en la "Exposición internacional" (Barcelona, España, 1929), donde fue premiado. Desde 1948 participó en exposiciones oficiales organizadas en Budapest, Moscú, Sofía, Praga y Varsovia. En 1951 inició carrera académica como profesor asistente en la cátedra de pintura, artes gráficas y composición en el Instituto de Bellas Artes Nicolae Grigorescu (hoy Academia de Bellas Artes de Bucarest). En 1924 recibió la Orden Coroana României y, en 1932, la Orden del Mérito Cultural, en su segundo grado. En 1958 y 1980 se realizaron exposiciones de su obra, en esta última se exhibieron cuatro cuadros pertenecientes a quien fuera médico de cabecera de Mützner, Louis Shattner, pinturas localizadas por Alfredo Boulton en la residencia del médico, en el sur de Francia. Enrique Planchart comentó en un artículo publicado en 1920 acerca de esta otra faceta del artista rumano: "estos fueron de encargo, y, como es natural, han quedado entre nosotros, adornando más de uno de los salones de Caracas. Son casi todos de mujer, trabajados al pastel, generalmente; pero, como Degas, solía Mützner usar en una misma obra, mezclados con el pastel, óleo, acuarela y guache. Hace algunos días, volví a admirar uno de estos retratos —el de una joven artista de lo más distinguido de nuestro mundo social— y en él la materia alcanza tal riqueza y profundidad de tonos y tal variedad de calidades, que semeja un bordado hecho con piedras preciosas. Dos fueron las tendencias principales que guiaron a Mützner en su labor como retratista: la aguda penetración de la psicología de sus modelos y la exaltación lírica de esa psicología, por medio de suntuosas armonías de color" (1956 [1979, pp. 165-166]).

===Obras de Samys Mützner===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:Copia_de_carupano.JPG | Carúpano. 1918. Óleo sobre Madera. 26,5 x 31,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_crisantemos.JPG | Crisantemos. 1930. Óleo sobre tela. 90 x 100,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_marina_con_barco.JPG | Marina con Barco. Sin fecha. Óleo sobre carón y madera. 21,4 x 26,4 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_mercado.JPG | Mercado. 1918. Óleo sobre cartón. 21,2 x 26,2 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_paisaje_de_margarita.JPG | Paisaje de Margarita. 1918. Óleo sobre Madera. 33,7 x 37,7 cm. CONAC
Imagen:Copia_de_paisaje_marina_con_uveros_cirta.JPG | Paisaje Marina con Uveros. 1914. Óleo sobre Madera. 19,8 x 25,2 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo._niña_con_abanico.JPG | Niña con Abanico. 1916. Sanguina y creyón sobre papel. 29,4 x 21,8 cm. CONAC.
</gallery>

==Exposiciones individuales==
*1909 Bucarest
*1916 Galería de Arte Louis Ralston & Son, Nueva York / Bucarest
*1917 Galería de Arte Louis Ralston & Son, Nueva York
*1918 Club Venezuela, Caracas
*1922 Ateneul Român, Bucarest
*1958 Sala Mendoza

==Exposiciones póstumas==
*1980 Galería Estudio Actual, Caracas

==Premios==
*1929 Premio, "Exposición internacional", Barcelona, España

==Colecciones==
GAN / Gobernación del Distrito Federal, Caracas

==Fuentes==
*Barceló, Simón. "El arte errante". En: El Nuevo Diario. Caracas, 19 de agosto de 1917.
*Boulton, Alfredo. Historia de la pintura en Venezuela, II. Caracas: Editorial Arte, 1968. Segunda edición en Caracas: Armitano, 1975.
*Boulton, Alfredo. La obra de Armando Reverón. Caracas: Fundación Neumann, 1966.
*Carp, Livia. "Samuel Mützner" (texto inédito). Museo Nacional de Arte, Bucarest, 1997.
*Cinap, M 81.
*Dictionar enciclopedi român, III. Bucarest: Editura Politica, 1966.
*Planchart, Enrique. La pintura en Venezuela. Buenos Aires: Imprenta López, 1956. Segunda edición en Caracas: Editorial Equinoccio, 1979.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve
*Carlos Eduardo Morillo. Estudiante de la Licenciatura en Historia del Arte en la Universidad de los Andes

==Comentarios==
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[[Category:ARTISTAS]]
[[Category:BUCAREST]]
[[Category:RUMANIA]]
[[Category:SIGLO XVIII]]
[[Category:SIGLO XIX]]
[[Category:PINTURA]]
[[Category:MASCULINO]]
[[Category:Completar imágenes]]
[[Category:Completar texto]]

Núñez, Rubén

2013-06-15T16:01:26Z

Carlos Eduardo Morillo: /* Créditos */

{{Ficha de artista
|titulo = Rubén Núñez
|imagen = [[Imagen:Rubennunez.jpg‎|250px]]
|nombrecompleto = Rubén [Darío] Núñez
|nacimiento = 27 de abril de 1930, Valencia, Carabobo - Venezuela
|fallecimiento =
|nacionalidad = Venezolano
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==Vida y obra==
Pintor, diseñador industrial y artista de medios mixtos. A partir de 1945 cursa estudios de dibujo y grabado en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas. En 1948 forma parte del Taller Libre de Arte de Caracas y de la Barraca de Guaicaipuro (1948-1949). En 1949 viaja a París, donde estudia historia y tecnología del cine con los maestros Paul Langlois y Phillipe Condroyer en la Cinemateca Francesa. En 1952 realiza, junto al mismo Condroyer y con música de Edgar Varèse, el film Espacio-luz. En esos años forma parte del grupo vanguardista Los Disidentes que buscó romper con el academicismo venezolano e integrarse a las nuevas corrientes del arte. En 1952 estudia historia del arte con Jean Cassou en el Museo de Louvre. Durante esa etapa trabaja escultura y pintura. En un principio dirige su atención hacia las técnicas del cinetismo y expone, en la muestra "Espacio-luz" (Galería Suzanne Michel, París), obras de efectos vibratorios con alambres y esferas giratorias, junto a Jesús Soto, Alejandro Otero, Narciso Debourg y el argentino Carmelo Arden Quin (1951). Entre 1955 y 1959 estudia tecnología del vidrio en el IVR Mazzega (Murano, Italia). En estos años se dedica a cultivar las técnicas del cristal y el vidrio y se hace acreedor del Premio Nacional de Artes Plásticas de 1959 por Familia de formas. Suyo es también el célebre diseño de la botella del Ron Añejo Pampero Especial, la "caneca", que se exhibe en varios museos de Estados Unidos y Europa.

En 1969 visita distintas universidades y museos de ciencias y tecnología con el fin de apreciar y conocer de cerca la holografía, técnica con la cual se obtienen imágenes tridimensionales al utilizar rayos láser sobre una superficie sensible para crear figuras tridimensionales. Entre 1972 y 1974 realiza estudios de historia de la ciencia y la tecnología en la Universidad de Londres y en el Museo de Ciencias de la misma ciudad. En 1974 toma el camino de la holografía como medio de expresión artística al cursar estudios sobre esta disciplina en el Instituto de Óptica de París. Entre 1976 y 1980 realiza estudios avanzados en la Escuela de Holografía de Nueva York; además experimenta con rayos láser de potencia en el Laboratorio de la Alianza de la misma ciudad, con Jody Burns, Tung Jeong y Steven Benton (1977-1983). Núñez es una de los pocos artistas dentro del campo de la holografía que utiliza esta técnica como medio de expresión, lo que le ha permitido transmitir su propio concepto holográfico llamado holocinética, donde resume sus conocimientos sobre cristales, vidrios y cinetismo. Ha participado en numerosas exposiciones como el Festival de Arte Electrónico (Linz, Austria, 1983), "Un nuevo medio para la técnica y el arte" (Münster, Alemania, 1985), Festival de Viena (1986) y "Visiones holográficas" (Colonia, Alemania, 1991). En 1991 se crea la Escuela de Holografía Espacio-Luz en Valencia (Edo. Carabobo). Catalogado como uno de los grandes artistas en el mundo holográfico, Núñez ha dedicado gran parte de su vida a cultivar y llevar a otros, por medio de sus exposiciones, publicaciones y conferencias los secretos de la alquimia que encierra la holografía. Una conocedora de esta técnica, Rosemary Jackson, escribió sobre Núñez: "tal como aparece en sus trabajos, resulta el registro dimensional del movimiento de la luz en el espacio y en el tiempo, combinando los elementos más creativos de la holografía (intenso color espectral, plena dimensión y la habilidad de englobar el tiempo y el espacio). Esta necesidad imperiosa de lograr hacer arte a través de luz y movimiento, ha producido como resultado una visión mercurial de un cosmos individual lleno de color" (1979). La GAN posee en su colección obras tempranas de Núñez como Composición (laca sobre masonite, 1951), hologramas como Anillos de energía (1974) y Cristal del planeta arco iris (1978) y hologramas estampados como Cosmic circus (Cyguns x 3) (1985)

===Obras de Rubén Núñez===
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Imagen:Copia_de_anillos_de_energia.JPG‎ | Anillo de Energía. 1978 . Holograma Holocinético transmitido y grabado con rayo láser sobre acetato fotosensible. Holograma: 20,3x 25,3 cm Instalación: 227 x 25,3 x 60 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_collage_nº3.JPG | Collage Nº 3. 1950. Collage de papel sobre papel. 28,7 x 25,2 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_composicion.JPG‎ | Composición. 1952. Laca sobre cartón piedra. 92,5 x 128 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_cosmic_circus_cignus.JPG | Cosmic-Circus-Cignus x 3. 1985. Holograma estampado y creyón sobre cartón. 40,6x 30,3 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_cristal_del_planeta_arcoiris.JPG | Cristal del Planeta Arco Iris. 1974. Holograma holocinético transmitido y emulsión sobre soporte de vidrio iluminado con lámpara de mercurio. 20,5 x 25,4 x 0,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_Hotel_de_la_paix.JPG | Hotel de la Paix (Hotel de la Paz). 1952. Serigrafía y acuarela sobre papel. 39,4 x 48,5 cm. CONAC.
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==Exposiciones individuales==
**1959 "Vidrios", MBA
1964 "Sortarios", MBA
*1970 Galería Banap, Caracas
*1971 "Pericantares: ludiones de Rubén Núñez", Sala de Exposiciones Cinema Dos, Caracas
*1976 "Hologramas y show láser", Club de Ingenieros, Valencia, Edo. Carabobo
*1977 "Arte láser: holografía-holocinéticos", GAN
*1978 "Holokinetics", Museo de Holografía, Nueva York
*1979 "Fotónicos; arte láser", Biblioteca Luis Ángel Arango, Bogotá
*1980 "Holokinetics", Museo de Holografía y Nuevos Medios Visuales, Pulheim, Alemania / "Holocinéticos", Museo de Holografía, París
*1981 "Fotónicos", Museo de Holografía y Nuevos Medios Visuales, Pulheim, Alemania
*1998 "Fotónicos. Esculturas", Galería Heller, Nueva York

==Premios==
*1959 Premio Nacional de Artes Plásticas, XX Salón Oficial / Premio de la revista Look, Museo Corning del Vidrio, Nueva York
*1986 Premio Fundación Neumann, XLIV Salón Arturo Michelena
*1987 Premio Fundación Shearwater, Nueva York
*1988 Premio Conac, XLVI Salón Arturo Michelena
*1989 Premio UC, XVI Salón Nacional de las Artes del Fuego, UC
1*999 Premio a la excelencia de su obra, Salón Nacional de las Artes del Fuego

==Colecciones==
Banco Mercantil, Caracas / BN / Colección Cisneros, Caracas / Fundación Shearwater, Nueva York / GAN / Gobernación del Distrito Federal, Caracas / MBA / Media Museum ZKM: Center for Art and Media, Karlsruhe, Alemania / MOMA / Museo de Holografía y Nuevos Medios Visuales, Pulheim, Alemania / Museo de Holografía, Nueva York / Museo de Holografía, París
Museo de la Estampa, Ginebra, Suiza / Museo del Vidrio de Corning, Nueva York

==Fuentes==
*Cinap, N 12.
*Jackson, Rosemary. Rubén Núñez. Fotónicos: arte láser (catálogo de exposición). Bogotá: Biblioteca Luis Ángel Arango, 1979.
*Rodríguez, Bélgica. La pintura abstracta en Venezuela 1945-1965. Caracas: Maraven, 1980.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve
*Carlos Eduardo Morillo. Estudiante de la Licenciatura en Historia del Arte en la Universidad de los Andes

==Comentarios==
<comments voting="Plus" />

[[Category:ARTISTAS]]
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Monasterios, Rafael

2013-06-15T16:00:47Z

Carlos Eduardo Morillo: /* Créditos */

{{Ficha de artista
|titulo = Rafael Monasterios
|imagen = [[Imagen:13_figura.jpg|250px]]
|nombrecompleto = Rafael Monasterios
|nacimiento = 22 de noviembre de 1884, Barquisimeto, Edo. Lara
|fallecimiento = 2 de noviembre de 1961, Barquisimeto, Edo. Lara
|nacionalidad = Venezolano
|area = Pintor
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Barquisimeto Lara Venezuela,Venezuela~Barquisimeto, Edo. Lara~Lugar de nacimiento y Lugar de su Obra;
Caracas Venezuela,Venezuela~Caracas~Lugar de su Obra
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==Vida y obra==
Pintor. Hijo de Pedro Monasterios Herice, dibujante y calígrafo, y Amalia Ramos. Huérfano de padre, Juan Pablo Wohnsiedler se encarga de su educación y lo inscribe en las primeras clases de pintura de Eliécer Ugel en 1891 sin embargo, en 1901 se unió a las fuerzas de la revolución Libertadora, que se levantaron en contra del gobierno de Cipriano Castro, bajo las órdenes del coronel Eleazar Segovia. Derrotado el movimiento insurreccionista, Monasterios regresa a Barquisimeto. En 1906 participó en la "Exposición regional de Lara", donde recibió una mención honorífica por una copia de un paisaje. Dos años después, en 1908, se traslada a Caracas con una pensión del gobierno del estado y se inscribe en la Academia de Bellas Artes. Entre sus condiscípulos se encuentra Manuel Cabré, quien lo retrata en 1909 (colección GAN). A fines de 1910 llega a España para estudiar en la Escuela de Artes y Oficios de La Lonja de Barcelona. Entre 1911 y 1912 estudia dibujo del natural y perspectiva con Vicente Climent y José Calvo, y al año siguiente colorido, composición y dibujo del natural con Vicente Borrás Abello y Vicente Climent. Desde Europa envía una obra al I Salón Anual del Círculo de Bellas Artes, celebrado en 1913, que fue considerada por Leoncio Martínez como "una mancha de paisaje, ligera, confusa" (El Universal, 10 de septiembre de 1913). Se residencia en Madrid una temporada y decide viajar a París, pero los acontecimientos de la Primera Guerra Mundial lo hacen regresar a Venezuela en 1914. De Europa extrajo las imágenes y la técnica de las nuevas tendencias y el recuerdo de Zuloaga, Sorolla y Regoyos, que se traslucen en su etapa de mediados de la década de 1918.

Tras su regreso, Monasterios se residencia en Barquisimieto, donde realiza, para subsistir, decoración de interiores, adornando con estampas los muros de residencias privadas. De esta etapa es su decoración de la cúpula del templo de San Juan de Cabudare, donde representó a los cuatro evangelistas en el techo, hoy desaparecido. También realizó un mural de tema urbano en la casa de Pío Tamayo en El Tocuyo, y decoró la casa del general Jacinto Fabricio Lara en Barquisimeto. En Caracas decorará la residencia de la familia Otengo y en Capaya la capilla de la hacienda Pacheco. Para 1917 se encuentra en Caracas, donde coincide con los integrantes del desfalleciente Círculo de Bellas Artes, algunos de ellos antiguos condiscípulos de la Academia de Bellas Artes. Monasterios trabaja en el Cajón de Monos, el taller del Círculo ubicado en el barrio de Pagüita, y realizó pinturas al aire libre. En 1918 exhibió por primera vez un cuadro, Corral detrás del Teatro Caracas (colección Museo Caracas, Palacio Municipal, Caracas), en el salón de la Fotografía Manrique. La obra es adquirida por Nicolás Ferdinandov, con quien establece una fecunda amistad: viajan juntos a Margarita, donde se dedicaron a pintar paisajes margariteños, preocupándose primero por la luz y luego por el factor del tiempo. El 16 de enero de 1920 se realiza una "anticipación de vernissage" en el que se abre una singular exposición organizada por Ferdinandov con obras propias, de Reverón, Monsanto y Monasterios en el gran salón de la UCV (Actualidades, 19 de enero de 1920). Monasterios presentó en esa ocasión unas 30 telas realizadas tras un corto viaje a Margarita, donde realizó paisajes que fueron celebrados por la prensa (Actualidades, 15 de febrero de 1920). El pintor se mudó a la pensión de los Linares Carvajal, donde conoció a Isabel Teresa Linares, con quien se casa en 1920. Una hija de ambos, Violeta Monasterios Linares, llegará a ser subdirectora de la Escuela Cristóbal Rojas. Su pintura en aquella época era considerada decorativa (E.M., 1920). Por entonces Monasterios colabora en diversas publicaciones, ilustrando artículos; también pintó afiches y carteles de cine. Practicó el dibujo humorístico libre y el dibujo publicitario. En 1921 publicaba dibujos en Billiken (3 de diciembre) y en marzo de 1922 excelentes escenas taurinas en la revista Actualidades (números 12 y 13). De esta época es Paisaje de Los Caobos (1924, colección GAN). Para 1925 envía algunos cuadros a una exposición de pintura española en Suiza.

En 1927 conoce la colección de arte de John Boulton, en la cual estudió a los impresionistas y a los pintores de la escuela de París. A partir de ellos concibió un nuevo concepto de composición: el blanco en el centro del cuadro se convertiría en adelante en el punto de equilibrio entre ambos lados. Este esquema compositivo permanecerá por muchos años en la obra del artista. También en 1927 realiza su primera exposición individual con cuarenta telas de tema local. En 1928 trabaja para la Caribbean Petroleum Corporation, que le encomendó la realización de algunas maquetas de campos petroleros que iban a ser enviadas al Pabellón de Venezuela en la Gran Feria Internacional de Sevilla (España). Estando en Maracaibo, trabajando en ese proyecto, recibe la noticia de la muerte de su esposa. Monasterios se traslada a España y permanece en ese país un año. En 1930 inicia su etapa de bodegones, en la cual se deja ver la influencia de Federico Brandt. Ese año es nombrado profesor de pintura y paisaje de la Academia de Bellas Artes, cátedra que ocupará hasta 1936. En 1932 pintó tres murales en la Capilla del Santísimo Sacramento del templo de San José en Cagua (Edo. Aragua). Los motivos fueron tres escenas del Nuevo Testamento: el lateral derecho, el tema de las Bienaventuranzas; el lateral izquierdo, la entrada de Jesús en Jerusalén, y el tercer mural, el tema del Calvario. Roldán Esteva-Grillet, al comentar esta faceta del artista ha señalado: "es de advertir que resulta del todo inútil tratar de reconocer en estas imágenes algún indicio particular de la pintura monasteriana más conocida y significativa, la de caballete. Rafael Monasterios y Rafael Ramón González [partícipe también en la decoración de la iglesia] más que una obra de sello personal pusieron sus buenos oficios académicos al servicio de una decoración" (1988, p. 72). En 1938 fue designado director de la Escuela de Artes Plásticas de Barquisimeto, que hoy lleva su nombre.

En 1940 regresa a Caracas y retoma el oficio de realizador de carátulas de revistas y avisos. Al año siguiente vuelve a las actividades pedagógicas, ejerciendo el papel de director de la Escuela de Artes Plásticas del Zulia. También en 1941 recibe el Premio Oficial de Pintura en el II Salón Oficial con su obra El torreón de Caricuao, fechado en 1930 (colección GAN). En 1942 se encuentra en Caracas dictando la cátedra de dibujo aplicado en la Escuela Superior de Artes y Oficios para Mujeres (Caracas). Ocho obras suyas fueron expuestas en la "Exposición del paisaje venezolano" de 1942 en el MBA, entre ellos su Silla de Caracas de 1917. Al año siguiente viaja a los Andes y en 1948 a Valencia y Maracay. Alfredo Boulton organiza en 1945 una exposición de su obra en el MBA en la cual reunió 35 obras, la mitad de ellas paisajes andinos. Para los años cincuenta, Monasterios había expuesto en Bogotá y Nueva York, participando activamente en los salones nacionales y en muestras en el exterior. En 1954 forma parte del envío venezolano a la Bienal de Venecia; ese mismo año figura en la II Bienal de Arte Hispanoamericano en La Habana y, en 1955, en la "Exposición internacional de pintura" organizada por el Ateneo de Valencia (Edo. Carabobo). En 1956 es incluido nuevamente a la Bienal de Venecia, esta vez entre obras de artistas jóvenes que incursionaban en el abstraccionismo (Alejandro Otero, Mateo Manaure). Monasterios es jubilado por el ME en 1957 y organiza su primera retrospectiva en la cual estaba presente su amplia temática: desnudos, bodegones, paisajes, retratos y escenas costumbristas. Boulton vuelve a organizar una nueva muestra del artista con su producción paisajística. En 1960 regresa a Barquisimeto, donde realiza sus últimas obras antes de fallecer al año siguiente. Su vida como pintor tuvo grandes altibajos; sus obras comenzaron a ser valoradas a partir de los años veinte en la cual realizó retratos y cuadros de tema criollista (como La fiesta de San Juan, 1924, colección Margot de Alfonso Ravard), que esporádicamente siguieron apareciendo en su producción, además de sus primeros paisajes. Su preocupación por aquel entonces era el color, sus pinceladas buscaban una textura entre la materia pictórica y los granos del lienzo. En la etapa de los bodegones y las naturalezas muertas (1930), la pincelada se hace más liviana y comienza a trabajar tonos más claros. Al volver a su ciudad natal, sus paisajes cambian, se hacen más planos, la composición más abierta y exenta de detalles. Al final de su producción paisajísitica, el artista logró conseguir una composición sintetizada que capturaba la esencia de la luz. De su obra él expresó: "mi principal preocupación es lograr el equilibro en la luz y el color del paisaje, y estos detalles los he estudiado a fondo" (Pineda, 1950). Alfredo Planchart se refirió a Monasterios en los años treinta en los siguientes términos: "si generalmente interpreta el color descomponiéndolo, no por eso llega a un divisionismo típico; su afán de luminosidad y su modo de resolverlo lo declaran influido por la estética impresionista; en algunos de sus últimos trabajos se presenta más claramente bajo otra faz, apuntada ya en obras anteriores, tratando la composición por grandes planos de color y estudiando a fondo esos planos, para colocarlos en su propio ambiente y lugar. Como la pincelada de Monasterios es siempre breve, cuando quiere llenar espacios donde la luz tiene cambios súbitos e imprecisos, recurre al empleo de varios toques repetidos de colores cambiantes" (1979, p. 230).

===Obras de Rafael Monasterios===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:Mesetadetovar.jpg‎ | Meseta de Tovar. 1945. Óleo sobre tela. 59 x 75 cm.
Imagen:Quebradaguarico.jpg | Desde la quebrada Guárico. 1939. Óleo sobre tela. 77 x 99,5 cm.
</gallery>

==Exposiciones individuales==
*1927 Club Venezuela, Caracas
*1945 "Cuadros de Rafael Monasterios", MBA
*1948 Escuela de Artes Plásticas, Barquisimeto
*1956 Galería Lauro, Caracas / Centro Teatral de Maracay
*1958 Sala Mendoza
*1961 Escuela de Artes Plásticas Rafael Monasterios, Maracay

==Exposiciones póstumas==
*1968 "Cuarenta obras maestras de Rafael Monasterios", MBA
*1970 "Vida y obra", BN
*1971 "Homenaje al maestro Rafael Monasterios", Galería Durban, Caracas
*1981 "Obras maestras de Rafael Monasterios", MACC / "Exposición homenaje al vigésimo aniversario de la muerte de Rafael Monasterios", Galería de Arte Universitaria Rafael Monasterios, Ucla
*1984 "Regiones para la imagen", GAN
*1985 "Tres hombres; un tiempo; una ciudad", Museo de Barquisimeto

==Premios==
*1906 Mención honorífica, "Exposición regional del estado Lara", Barquisimeto
*1937 Diploma y medalla de plata, "Exposición internacional", París
*1941 Premio Oficial de Pintura, II Salón Oficial
*1948 Premio Cristóbal Rojas, II Salón Anual de Artes Plásticas, Instituto Cultural Venezolano Soviético, Caracas
*1949 Premio Arístides Rojas, X Salón Oficial / Segundo premio, Salón Planchart
*1950 Primer premio, Salón Planchart
*1951 Premio Antonio Edmundo Monsanto, IX Salón Arturo Michelena
*1955 Premio José Gil Fortoul, XVI Salón Oficial
*1956 Tercer premio, II Salón Julio T. Arze
*1957 Premio Federico Brandt, XVIII Salón Oficial / Premio Julio T. Arze, XVIII Salón Oficial
*1958 Premio Armando Reverón, XIX Salón Oficial
*1960 Premio Rotary Club, Caracas
*1961 Primer premio, VII Salón Julio T. Arze

==Colecciones==
Banco Mercantil, Caracas / BCV / BN / Centro de Historia Larense, Barquisimeto / Colección Cisneros, Caracas / Escuela de Bellas Artes, Barquisimeto / Fundación Boulton / GAN / INH / Instituto de Cultura, UCV / MBA / Museo Caracas, Palacio Municipal, Caracas / Residencia Presidencial La Casona, Caracas

==Fuentes==
*Boulton, Alfredo. Historia de la pintura en Venezuela, II. Caracas: Editorial Arte, 1968. Segunda edición en Caracas: Armitano, 1975.
*Boulton, Alfredo. La obra de Rafael Monasterios. Caracas: Gráficas Edición de Arte, 1969.
*Calzadilla, Juan. Pintores venezolanos. Caracas: ME, 1963.
*Calzadilla, Juan. Pintura venezolana de los siglos XIX y XX. Caracas: Litografía Tecnocolor, 1975.
*Calzadilla, Juan. Rafael Monasterios. Caracas: ME-Sociedad de Amigos del MBA, 1962.
*E.M. "El pintor Monasterios". Citado en: Planchart, Alfredo. La pintura en Venezuela. Buenos Aires: Imprenta López, 1956. Segunda edición en Caracas: Editorial Equinoccio, 1979. Publicado originalmente en: Actualidades. Caracas, febrero de 1920.
*Erminy, Perán y Juan Calzadilla. El paisaje como tema en la pintura venezolana. Caracas: Shell de Venezuela, 1975.
*Esteva-Grillet, Roldán. Rafael Monasterios. Un artista de su tiempo. Caracas: Tropykos, 1988.
*Palenzuela, Juan Carlos (compilador). Leoncio Martínez, crítico de arte 1912-1918. Caracas: Academia Nacional de la Historia, 1983.
*Paz Castillo, Fernando. Entre pintores y escritores. Caracas: Editorial Arte, 1970.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve
*Carlos Eduardo Morillo. Estudiante de la Licenciatura en Historia del Arte en la Universidad de los Andes

==Comentarios==
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[[Category:BARQUISIMETO]]
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Navarro, Pascual

2013-06-15T16:00:11Z

Carlos Eduardo Morillo: /* Créditos */

{{Ficha de artista
|titulo = Pascual Navarro
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|nombrecompleto = Pascual Navarro
|nacimiento = 17 de mayo de 1923, Caracas, Distrito Capital - Venezuela
|fallecimiento = 15 de marzo de 1985, Caracas, Distrito Capital - Venezuela
|nacionalidad = Venezolano
|area = Pintor
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Caracas Venezuela,Venezuela~Caracas~Lugar de nacimiento
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==Vida y obra==
Pintor. Hijo de Enrique Navarro y Cruz Velásquez. Estudia en la escuela familiar de las hermanas Ollarves y en la Escuela J.M. Echandía. En 1934 figura inscrito en la Academia de Bellas Artes, la cual dirige el escultor Lorenzo González. En 1939 conoce a Armando Reverón, quien tendrá gran influencia en su vida y obra. Navarro recibe una beca de la reformada Academia, ahora Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas (1940), bajo la dirección de Antonio Edmundo Monsanto. Para 1941 envía sus primeras obras al II Salón Oficial, en donde se ha creado una sección especial para los alumnos de la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas, y, en el salón siguiente, expone cinco pinturas y dos grabados en la sección de alumnos. Navarro recibe su primer reconocimiento en el V Salón Oficial (1944) por sus obras Quebrada, Árboles y Boceto (este último, reproducido en la Revista Nacional de Cultura, 42). En 1945, después de concluir sus estudios académicos, vive en Macuto junto con Reverón, donde realiza una serie de dibujos y pasteles e inicia su serie de Nocturnos. Ese año trascendió en la prensa una crisis nerviosa del pintor que fue reseñada por Guillermo Meneses en dos artículos (El Nacional, 4 de abril y 18 de abril de 1945). De 1946 es su célebre Muchacha con abanico (guache sobre papel, colección GAN). Ha comentado Francisco Da Antonio que "en sus obras enviadas al Salón Oficial de 1946 se confirmaba la presencia de un pintor excepcionalmente lúcido, para quien el tema significaba tan sólo el pretexto para ordenar el espacio. Su pintura abordaba, fundamentalmente, la ordenación del color como estructura básica más allá de la forma a la cual, no obstante, se sometía" (1982, p. 265). En 1947 expone con Mateo Manaure en el MBA; por su Muchacha con abanico recibe el Premio Federico Brandt y una beca para estudiar en París, a donde llega en compañía de Manaure el 18 de junio.

En 1948 conoce al pintor Hans Hartung, quien influirá notablemente en su obra, y participa por primera vez en el Salón de Mayo. Al año siguiente envía obras a la "Primera exposición de artistas latinoamericanos en París" (Casa de América Latina, París); recibe el premio Antonio Esteban Frías del X Salón Oficial, con su obra Desnudo, y publica una carpeta con siete litografías en una edición de 15 ejemplares. Algunas de estas piezas tienen una naturaleza serial que Navarro explorará más adelante, como en Imagen serial de 1955 (colección Paulina Villanueva). Cruz Barceló Cedeño ha comentado que la influencia de Hartung, Soulages y Schneider en el período 1948-1949 "se evidencia en la pincelada amplia y ágil, sin esquema previo y sin degradación de tonalidades; en la carga expresiva del trazo, donde se nota, sin embargo, cierta disciplina" (1994, p. 11). Una obra representativa de ese período es Figura masculina (100 x 80 cm, colección Residencia Presidencial La Casona), firmada en París en 1949. En 1950 recibe el segundo premio de pintura en el XI Salón Oficial con una obra figurativa; este año también participa en el Salón de Otoño (París) y, junto con Alejandro Otero y Mateo Manaure, promueve la creación del grupo Los Disidentes, de cuya revista es uno de los principales colaboradores. En 1951 asiste al Taller de Arte Abstracto de Jean Dewasne y Édgar Pillet, rompe con preceptos de Los Disidentes. A partir de este año y hasta 1954 participa en el Salon des Réalités Nouvelles (París). En esa época, Navarro "buscaba la armonía con una gama restringida de colores y con formas dinámicas planas y de contornos regulares e irregulares, intercalando unas a otras y yuxtaponiéndolas para lograr efectos de acción y vivacidad", sin explorar el campo de la línea en sí (Barceló Cedeño, op. cit., p. 7). En 1952 es incluido en la I Muestra Internacional de Arte Abstracto (Galería Cuatro Muros, Caracas) y concurre al Salón de Mayo en París. En 1953 realiza tres murales abstracto-geométricos para la plaza cubierta de la Ciudad Universitaria de Caracas. Ese año, tras exponer en colectivas en las galerías Denise René, Suzanne Michel y Cimaise (París), abandona el abstraccionismo y regresa a la figuración. En 1955 participa en la "Exposición internacional de pintura" en el Ateneo de Valencia (Edo. Carabobo), con dos obras: Composición y Otoño (1955, colección Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo), que marcaban un cambio de estilo que fue censurado por Otero. En 1957 es incluido por Michel Seuphor en el Dictionnaire de la peinture abstraite (París: Fernand Hazan). Entre 1958 y 1961 trabaja con experiencias de orientación artística, dirigiendo cursos para estudiantes y obreros en España y Francia.

En 1963 es nombrado consejero artístico de la Fundación Fina Gómez y, en 1968, tras una severa crisis nerviosa en Madrid, regresa definitivamente a Venezuela, dedicándose a la enseñanza del dibujo y la pintura en la Torre de la Prensa (Caracas, 1969-1976). Navarro fue un crítico de arte destacado, inició sus colaboraciones en El Nacional, donde publicó el 26 de enero de 1947 un brillante artículo sobre Reverón bajo preceptos plásticos. Gran parte de la obra de este artista fue realizada con guache sobre papel, como la mencionada Muchacha del abanico o Macuto (1946, colección GAN), donde el artista dejaba zonas sin pintar para aprovechar el color del soporte; en los años cincuenta realiza algunas obras abstractas de pincelada libre, como Composición abstracta sobre perpendicular (1950, colección Museo Arturo Michelena); posteriormente utilizó el óleo en superficies impecablemente acabadas y delineadas (Negro, blanco y amarillo, 1952, colección Paulina Villanueva). La GAN posee de Navarro tres pasteles de su primera etapa, un autorretrato sin fecha, una niña de 1946 y un desnudo de 1948. Alfredo Boulton ha señalado sobre Navarro: "en toda relación que se haga de la pintura en Venezuela durante los años cuarenta a cincuenta, es imprescindible tener en cuenta la obra de juventud de Pascual Navarro. Su producción, limitada en cantidad, se destacó, dentro de su grupo generacional, por una personalidad muy definida […]. Dentro de la generación de los primeros estudiantes del Cuño fue posiblemente Navarro uno de los que sintió y asimiló de manera más profunda el llamado de las nuevas tendencias. Su fogosidad de carácter, su viva comprensión, su agudizada y fina percepción de los problemas, habían hecho de él una de nuestras mayores esperanzas pictóricas […]. Cuando se llevó a cabo la 'Exposición retrospectiva' de Reverón, en el CVA, en 1943, Navarro conoció entonces dos importantes lienzos sobre temas nocturnos, Procesión de la Virgen en el Valle y Patio con luna. En estas obras estaba planteado, con una tremenda fuerza de sugestión, el sentido misterioso de la imagen que Reverón se empeñó siempre en transmitir y que tuvo uno de sus más claros exponentes en La cueva. Acaso el primero entre los muchachos del Cuño en comprender esa actitud de Reverón fue Navarro, quien a partir de ese momento quedó subyugado por la obra del gran artista. El muy fino concepto analítico que poseía le permitió entonces ejecutar en 1945 una serie de Nocturnos, que son la mejor prueba de la alta sensibilidad de su espíritu […]. En 1948, Navarro vivía ya en París, donde entró en contacto con un nuevo horizonte cultural y descubrió el mensaje abstractogeométrico de los que estaban a la vanguardia de aquel movimiento. Cayó bajo la influencia de Dewasne, Herbin y Pillet y fue de los más apasionados defensores de aquella nueva modalidad. De su inicial formación guardaba algunos conceptos figurativos y le fue inevitable, a él también, probar ciertas estructuras picassianas de las que paso a paso, se fue liberando más y más hasta lograr una expresión, en cuanto al carácter, a la concepción del tema y al mensaje, que era propia a cabalidad. En los años subsiguientes, Navarro emprendió otros caminos que le apartaron de la práctica de las artes plásticas. Se volvió un estudioso de las teorías cromáticas, que habrían de llevarlo por otros rumbos, razón por la cual abandonó aquel ejercicio que había comenzado tan esperanzadamente" (1972, p. 154).

===Obras de Pascual Navarro===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:Dama_en_azul.jpg‎ | Dama de Azul. 1948. Guache sobre papel . 63x48 cm.
Imagen:Paisaje.jpg | Paisaje. 1943. Óleo sobre coleto. 54,5 x 69,8 cm.
Imagen:Copia_de_arboleda.JPG | Arboleda. 1945. Óleo sobre Cartón Piedra. 61 x 49,8 cm.CONAC.
Imagen:Copia_de_autoretrato.JPG | Autorretrato. 1949. Guache sobre papel. 64,7 x 49,3 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_composicion_de_verde_y_azul.JPG | Composición verde y azul. 1949. Óleo sobre tela. 34,1 x 42 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_composicion233445.JPG | Composición. 1949. Litografía sobre papel 3/15. 24,8 x 34,8 cm. CONAC:
Imagen:Copia_de_cuatro_rostros.JPG‎ | Cuatro Rostros. 1957. Carboncillo sobre papel. 54x 44,1 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_desnudo2.JPG | Desnudo. 1948. Carboncillo sobre papel. 51,5 x 39 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_desnudo_3.JPG‎ | Desnudo. 1953. Sanguina sobre papel. 52 x 39 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_el_viejo.JPG | El Viejo. 1949. Litografía sobre Papel. 33 x 25 cm. CONAC
Imagen:Copia_de_estructura_vertical.JPG | Estructura Vertical. 1950. Óleo sobre tela. 47,5 x 56 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_figura_sentada_1949.JPG | Figura sentada. 1949. Guache sobre papel. 74,5 x 55,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_la_muchacha_del_abanico.JPG |La Muchacha de Abanico. 1947. Guache sobre papel encolado en cartón. 160 x 115,5 cm.CONAC
Imagen:Copia_de_Naturaleza_muerta.JPG | Naturaleza muerta. 1945. Grafito sobre papel. 21,3 x 23, 5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_pacientes_del_sanatorio.JPG | Paciente del sanatorio. 1945. Pastel sobre papel. 31,7 x 21,6 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_primavera.JPG‎ | Primavera. 1954. Óleo sobre cartón piedra. 24 x 19 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_rostro_azul.JPG | Rostro Azul. 1949. Litografía sobre papel. 40,2 x 32 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_rostro_negro.JPG‎ | Rostro Negro. 1949. Litografía sobre papel. 41,7 x 32,2 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1955.JPG | Sin titulo. 1955. Guache sobre cartulina. 50,2 x 33 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1957.JPG | Sin titulo. 1957. Guache sobre papel. 20,9 x 26,9 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo-_concurso_para_mural_en_lozas_primera_parte,_lille,_francia_1952.JPG | Sin titulo- concurso para mural en lozas primera parte, Lille, Francia. 1952. Guache sobre papel. 25 x 38,8 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo-_concurso_para_mural_en_lozas_segunda_parte_,_lille,_francia_1952.JPG | Sin titulo- concurso para mural en lozas segunda parte , lille, Francia. 1952. Guache sobre papel. 24,9 x 37,9 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo-niña.JPG | Sin titulo (Niña). 1946. Pastel sobre cartulina. 66,4 x 49,8 cm. CONAC.
Imagen:Caboblanco.jpg | Cabo Blanco. 1946. Gauche sobre carton. 56,5 x 82,5 cm.

</gallery>

==Exposiciones individuales==
*1946 Librería La France, Caracas
*1952 Galería Arnaud, París
*1956 Galería Clan, Madrid
*1968 "Dibujos y pasteles", Galería XX2, Caracas
*1970 "Rostros de mujer a la sombra de muchachas en flor", Galería Banap, Caracas
*1973 Sala de Exposiciones, Plaza Bolívar, Caracas / Galería Michelena, Caracas
*1978 Galería André, Caracas

==Exposiciones póstumas==
*1994 "Pascual Navarro: imágenes y percepciones de un tiempo", Museo Arturo Michelena, Caracas
*1998 "Entre galas neoclásicas", Teatro Municipal, Valencia, Edo. Carabobo

==Premios==
*1944 Premio para trabajos de mérito especial, V Salón Oficial
*1946 Premio Andrés Pérez Mujica, IV Salón Arturo Michelena
*1947 Premio Federico Brandt, VIII Salón Oficial
*1949 Premio Antonio Esteban Frías, X Salón Oficial
*1950 Segundo premio de pintura, XI Salón Oficial
*1953 Premio Emilio Boggio, XI Salón Arturo Michelena
*1955 Gran premio para pintores venezolanos, "Exposición internacional de pintura", Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo
*1957 Segundo premio, IX Salón Planchart
*1984 Premio Armando Reverón, AVAP

==Colecciones==
Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo / Banco Mercantil, Caracas / Colección Cisneros, Caracas / GAN / Mamja / MBA / Museo Arturo Michelena, Caracas / Museo de Anzoátegui, Barcelona, Edo. Anzoátegui / Museo Soto / Residencia Presidencial La Casona, Caracas / UCV

==Fuentes==
*Barceló Cedeño, Cruz. "Pascual Navarro: de la figuración a la abstracción". En: Pascual Navarro, imágenes y percepciones de un tiempo (catálogo de exposición). Caracas: Museo Arturo Michelena, 1994.
*Boulton, Alfredo. Historia de la pintura en Venezuela, III. Caracas: Armitano, 1972. Segunda edición en Caracas: Armitano, 1975.
*Cinap, N 5.
*Da Antonio, Francisco. Textos sobre arte (Venezuela 1682-1982). Caracas: Monte Ávila-GAN, 1982.
*Granados Valdés, A. Guía de obras de arte de la Ciudad Universitaria de Caracas. Caracas: Comisión de Conservación de las Obras de Arte de la Ciudad Universitaria de Caracas, 1974.
*Pascual Navarro, imágenes y percepciones de un tiempo (catálogo de exposición). Caracas: Museo Arturo Michelena, 1994.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve
*Carlos Eduardo Morillo. Estudiante de la Licenciatura en Historia del Arte en la Universidad de los Andes

==Comentarios==
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Niño, Carmelo

2013-06-15T15:59:31Z

Carlos Eduardo Morillo: /* Créditos */

{{Ficha de artista
|titulo = Carmelo Niño
|imagen = [[Imagen:Copia_de_Carmelo-Niño-Horizontal_670x375.jpg‎|250px]]
|nombrecompleto = Carmelo Niño
|nacimiento = 30 de agosto de 1951, Maracaibo, Zulia - Venezuela
|fallecimiento =
|nacionalidad = Venezolano
|area = Pintor
|firma =
}}

{{
#display_points:
Maracaibo Venezuela,Venezuela~Maracaibo~Lugar de nacimiento
}}

==Vida y obra==
Pintor. Hijo del músico José Niño. A los 15 años inició sus estudios en la Escuela de Artes Plásticas Neptalí Rincón de Maracaibo, los cuales continuó tres años después con una beca estatal en la Academia San Fernando. Durante ese tiempo participó en talleres libres y entró en contacto con obras clásicas que han marcado su producción. Hasta el momento ha sido uno de los más singulares exponentes de la pintura figurativa venezolana. "Comencé dibujando, con plumilla después, por necesidad fui agregando el color. Al principio, pinté con tinta china hasta que pasé por los acrílicos" (Niño, 1999). En 1970 realizó su primera exposición individual en el Centro de Bellas Artes de Maracaibo. En 1971 obtuvo un premio beca en el I Salón Nacional de Jóvenes Artistas (Maracay). Al año siguiente recibió el segundo premio en el I Salón Regional del Zulia (Maracaibo) y en 1973 participó en el XXXI Salón Arturo Michelena. En 1975 obtuvo tres premios: el primer premio en el Salón Nacional de Jóvenes Artistas Zulianos (Maracaibo), el Premio Marco Aurelio Rodríguez en el III Salón Ernesto Avellán (Caracas) y el primer premio del Salón de Jóvenes Artistas Zulianos (Maracaibo). En 1975 fue reseñado en la "Historia de la pintura en Venezuela", exposición realizada en la Casa de las Américas (La Habana). En 1977 expuso individualmente en la GAN. Al año siguiente representó a Venezuela en la Trienal Internacional de Dibujo (Wroclaw, Polonia) y, en 1979, participó en la colectiva "El nuevo dibujo en Venezuela", organizada por Fundarte. Un año después obtuvo el primer premio de pintura en la I Bienal Nacional de Jóvenes Artistas (Caracas). Ha participado en diferentes colectivas, entre ellas el Salón de Otoño (París, 1978), la XXVI Bienal de São Paulo (1981), la XII Bienal de París (1982), XLII Bienal de Venecia (1986) y la VI Bienal de México (Ciudad de México, 1988). En 1991 formó parte de la exposición itinerante "Artistas venezolanos de la región del lago de Maracaibo" (Francia, Italia, Checoslovaquia, Polonia, Hungría, Portugal, Mónaco, Estados Unidos y Venezuela). En este mismo año y por tres consecutivos estuvo en "Art Miami" (Miami Beach Convention Center, Miami, Florida, Estados Unidos). En 1998 y 1999 presentó dos individuales en la Galería Freites (Caracas). Con respecto a su obra, Juan Calzadilla acotó que su "composición está sometida a las leyes de la arquitectura interior, cuya presencia enmarca como un escenario a los personajes, descargando sobre éstos el peso de las relaciones espaciales, no sólo para enfatizar la autonomía de esa arquitectura que gobierna a los seres, sino para integrar esas relaciones de espacio al juego de las tensiones psicológicas de un drama invisible. Se hace elocuente así, de la interacción entre personaje y arquitectura, una composición permanente entre lo grávido y lo volátil, entre lo arraigado en las estructuras y la levitación" (1990). De Niño, la GAN posee en su colección La mesa está servida (acrílico sobre tela, 1977) y El pájaro azul (óleo sobre tela, 1977).

===Obras de Carmelo Niño===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:La_mesa_esta_servida.JPG‎ | La mesa está servida. 1977. Acrílico sobre tela. 60 x 80 cm.
Imagen:Copia_de_dama_con_chirimoya.JPG | Dama con Chirimoya. 1986. Litografía 10/100. 90 x 79 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_el_pajaro_azul.JPG | El pájaro azul. 1977. Óleo sobre tela. 80,1 x 59,9 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_las_doncellas.JPG | Las doncellas. 1983. Óleo sobre tela. 139,5 x 109 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_2_1993.JPG | Sin título. 1993. Grafito. 60 x 50 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1993.JPG | Sin título. 1993. Grafito. 60 x 50 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_4_1993.JPG | Sin título. 1993. Grafito sobre papel. 71,5 x 55,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_5_1993.JPG | Sin título. 1993. Grafito sobre papel. 56 x 40,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_6_b1993.JPG‎ | Sin título. 1993. Grafito sobre papel. 56 x 41 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_7.JPG‎ |Sin título. 1993. Grafito. 56 x 40,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_8_1993.JPG | Sin título. 1993. Grafito.56 x 40,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_9_1993.JPG | Sin título. 1993. Grafito. 56 x 40,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1975.JPG | Sin título. 1975. Acrílico sobre tela. 203 x 133 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1987.JPG | Sin título. 1987. Litografía sobre papel. 76,9 x 57,4 cm. Instituto Nacional de Hipódromos, en comodato. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1990.JPG‎ | Sin título. 1990. Litografía sobre papel. 49,9 x 37,8 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo23445566.JPG‎ | Sin título. sin fecha. Grafito. 45,5 x 35,5 cm. CONAC.
</gallery>

==Videos==
{{#ev:youtube|RBq4E6wyC5E|500}}

==Exposiciones individuales==
*1970 Centro de Bellas Artes, Maracaibo
*1972 Galería Gaudí, Maracaibo
*1973 Galería Zeta, Maracaibo / Sala de Exposiciones, Plaza Bolívar, Caracas
*1976 Galería Toulouse-Lautrec, Maracaibo / Galería Gaudí, Maracaibo
*1977 GAN
*1979 Galería Toulouse-Lautrec, Maracaibo
*1980 Galería L'Indicatore, Roma / Centro de Arte Euroamericano, Caracas
*1981 Centro Venezolano de Cultura, Embajada de Venezuela, Bogotá / Centro de Bellas Artes, Maracaibo / Centro de Arte Euroamericano, Caracas
*1982 Centro de Arte Euroamericano, Caracas
*1985 Centro de Arte Euroamericano, Caracas
*1987 Centro de Arte Euroamericano, Caracas
*1989 Galería El Taller, Lima
*1990 Museo Francisco Narváez / Museo de Barquisimeto
*1991 Centro de Arte Euroamericano, Caracas
*1992 Galería Ambrosino, Coral Gables, Florida, Estados Unidos
*1998 Galería Freites, Caracas
*2000 "Atmósferas", Galería de Arte Ascaso, Valencia, Edo. Carabobo
*2004 "Allegories", Espace Meyer Zafra, París

==Premios==
*1971 Bolsa de trabajo, I Salón Nacional de Jóvenes Artistas, Maracay
*1972 Segundo premio, I Salón Regional del Zulia, Maracaibo
*1975 Primer premio, IV Salón Nacional de Jóvenes Artistas Zulianos, Maracaibo / Premio Marco Aurelio Rodríguez, III Salón Ernesto Avellán, Caracas / Primer premio, Salón de Jóvenes Artistas Zulianos, Maracaibo
*1981 Primer premio de pintura, I Bienal Nacional de Jóvenes Artistas, Caracas

==Colecciones==
Casa de las Américas, La Habana / Fundación Noa Noa, Caracas / GAN / MACCSI / MRE / Museo de Arte Contemporáneo Fundación Ralli, Punta del Este, Uruguay / Museo de Arte Latinoamericano, Washington / Palacio de Gobierno, Bogotá / Palacio de Gobierno, Santo Domingo

==Fuentes==
*Archivo del artista.
*Calzadilla, Juan. "Carmelo Niño". En: El Universal. Caracas, 17 de junio de 1990.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve
*Carlos Eduardo Morillo. Estudiante de la Licenciatura en Historia del Arte en la Universidad de los Andes

==Comentarios==
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[[Category:PINTURA]]
[[Category:MASCULINO]]
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Pardo, Mercedes

2013-06-15T15:58:49Z

Carlos Eduardo Morillo: /* Créditos */

{{Faltan archivos}}

{{Ficha de artista
|titulo = Mercedes Pardo
|imagen =
|nombrecompleto = Mercedes [Clementina Marta del Carmen] Pardo
|nacimiento = 29 de julio de 1921, Caracas - Venezuela
|fallecimiento = 24 de marzo de 2005, San Antonio de los Altos, Edo. Miranda - Venezuela
|nacionalidad = Venezolana
|area = Pintora
|firma =
}}

{{
#display_points:
Caracas Venezuela,Venezuela~Caracas~Lugar de nacimiento;
Caracas Venezuela,Venezuela~Caracas~Lugar de su Obra
}}

==Vida y obra==
Pintora. Hija de Rafael Pardo Becerra e Inés Mercedes Ponte Machado. Es una de las representantes más importantes del arte abstracto en Venezuela. Ha desarrollado su trabajo principalmente en la pintura, extendiéndose a las áreas del vitral, el esmalte sobre metal y la gráfica. Ha realizado igualmente obras de integración arquitectónica, escenografías y vestuarios para piezas de teatro. Además ha ejercido la pedagogía y figurado como fundadora de talleres de creatividad. En su infancia recibió clases de pintura con la profesora danesa Ingeborg Fostberg y a los 13 años comienza a realizar cursos libres en la Academia de Bellas Artes, que continúa en 1941 y completa en 1944. De este período académico destaca Maternidad (1942), obra que enfatizaba los elementos plásticos expresivos sobre la ejecución del tema. En 1945 contrae matrimonio con el chileno Marco Bontá, profesor de vitrales y pintura mural, de quien se divorcia al poco tiempo; viaja a Chile para asistir a la Academia de Bellas Artes de Santiago (1947) y realiza su primera exposición individual. En 1949 obtiene una beca de estudios del ME, se traslada a París y se inscribe en la Escuela del Louvre; estudia historia del arte con Cohe de la Fertie y Jean Cassou; también tomó lecciones de pintura con André Lhote, pero al poco tiempo se retira. Será en este momento cuando comienza sus collages y realiza su primera obra abstracta. En 1951 contrae matrimonio con Alejandro Otero en Londres. En 1952 exhibe sus trabajos abstractos en el Espacio Lumière de la Galería Suzanne Michel (París), junto a Otero, Jesús Soto, Luis Guevara Moreno, Carmelo Arden Quin, Rubén Núñez, Jack Youngerman y Kosnit-Kloss.

Este año regresa a Venezuela y participa en la "Exposición internacional de arte abstracto" (Galería Cuatro Muros, Caracas). En la década del cincuenta el abstraccionismo es aceptado en el país, y la puesta en marcha del proyecto de integración de las artes de la Ciudad Universitaria de Caracas y el regreso de una generación de artistas formados en Francia, afianzaron un clima de renovación tanto en la ejecución como en la educación artística. Hacia 1956 comienza a realizar obras que pueden catalogarse como preinformalistas por la utilización de una abundante capa pictórica, aunque su trabajo se decidirá hacia una búsqueda formal de efectos cromáticos. En 1956 comienza sus escenografías teatrales con la obra Intervalo de Elizabeth Schön, presentada en el Teatro Nacional (Caracas); también en este año participa en las exposiciones "Collages" (Galería-librería Sardio), "Exposición Fundación Cristóbal Rojas" (MBA) y en el I Salón de Arte Abstracto (Galería Don Hatch, Caracas). En 1959 funda la sección pedagógica del MBA y participa en la V Bienal de São Paulo. En 1960 expone en el II Salón Interamericano de Pintura (Barranquilla, Colombia), "Arte hoy" (La Habana) y "Espacios vivientes" (Palacio Municipal, Maracaibo), y se radica en París, donde pinta acuarelas abstractas caracterizadas por el trazo lírico, goteos y manchas que crean un gran dinamismo en el espacio plástico.

En 1962 participa en la XXXI Bienal de Venecia y realiza una serie de monotipos frotando objetos como tuercas, clavos y clips, que titula Huellas. Ese mismo año, es miembro fundador de la Escuela Cooperativa de San Antonio de los Altos (Edo. Miranda), hoy Escuela Comunitaria, creando allí los talleres artesanales en donde imparte clases. Asimismo, junto con J.M. Cruxent expone, en las salas del MBA, 36 cuadros en los cuales el predominio de tintas y colores transparentes introducirán en su obra un tono suave que contrastará con su anterior época. En 1964 recibe el Premio Nacional de Artes Aplicadas conjuntamente con Alejandro Otero. Participa en la "Exposición internacional del libro ilustrado" en Baden-Baden (Alemania) y en la Sala Mendoza exhibe "Signos", serie de 12 monotipos realizados en frottage a partir de los signos zodiacales (colección GAN). En 1966 diseña el vestuario para Fuenteovejuna de Lope de Vega e ilustra el libro Boom!!! de Ludovico Silva; expone en la "Muestra internacional de artesanía artística" en Stuttgart (Alemania). Realiza una serie de collages que se mantienen "en ese difícil vértice entre lo estético y lo emotivo" (Palacios, 1995, p. 42). En 1967 participa en el I Salón Marcos Castillo, realizado en el Hipódromo La Rinconada (Caracas) y en la exposición "Grabados", en la Sala Mendoza; también forma parte en el proyecto de integración de las artes en la Zona Feérica de El Conde con su Estructura cromática. En integraciones a la arquitectura ha realizado varios trabajos como el vitral de la Estación La Hoyada del Metro de Caracas (1983), el mural en mosaico del Hospital de Niños J.M. de los Ríos (Caracas) y el techo del Centro Comercial La Viña en Valencia (Edo. Carabobo). También trabajó junto a Ligia Olivieri en el Banco Obrero, en donde realizó policromías para varios conjuntos residenciales. En 1969 realiza la exposición "1 x 9 color de la serigrafía", en la cual la serigrafía le permitió colocar el color en capas nítidas, delimitando con precisión las superficies y descubrir las propiedades del acrílico y abandonar el óleo (ibídem, p. 45). En ésta época realiza la obra Tú (1969, colección GAN), con la que obtiene una claridad de estilo con colores planos que otorgan a la composición un aspecto blando.

En 1971 participa en "34 estampadores latinoamericanos" (MBA). En 1972 funda y dirige el taller de expresión artística infantil en la Fundación Mendoza; también en 1974 trabaja en los talleres de arte y expresión infantil, fomentados por el Banco del Libro en barrios populares de Caracas. Ese mismo año figura como asesora en la Fundación del Niño. En 1975 expone en "Panorama de la pintura venezolana" (La Habana). En 1976 expone en "Los artistas y Olivetti" (MACC); en 1978 es galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas y se presenta en la muestra "L'œil en question" (Noroit, Arras, Francia). En 1979, la GAN organiza una retrospectiva con obras realizadas entre 1952 y 1978, y participa en la exposición "Arte constructivo venezolano 1945-1965: génesis y desarrollo", realizada en la GAN; este año diseña para el Teatro Municipal de Caracas un telón de boca de trescientos metros cuadrados, del cual Fundarte realiza una edición serigráfica. En 1983 es invitada a la II Bienal Nacional de Artes Visuales (MACC). En 1984 expone en la I Bienal de La Habana y comienza la serie de obras titulada Suite cubista. En 1987 concurre a "50 años de pintura en Venezuela a través de los Premios Nacionales" (Museo de Arte La Rinconada, Caracas) y al Salón Nacional de Artes Plásticas en la sección artistas invitados (MACC). En 1991 realiza su exposición antológica más importante, "Moradas del color" (GAN). Mercedes Pardo también ha participado en las ediciones III, XVIII, XX, XXI, XXII, XXIII, XXV y XXVI del Salón Oficial (1942, 1957, 1959-1962, 1964 y 1965). En sus últimos años vivió y trabajó en San Antonio de los Altos (Edo. Miranda).

===Obras Mercedes Pardo===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:Copia_de_aube.JPG‎ | Aube. 1961. Óleo sobre tela. 59,8 x 73 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_corcodances_6.JPG‎ | Concordances/6. 1963. Tinta de imprenta sobre papel encolado a madera monotipo. 50 x 65 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_cromatica_8.JPG‎ | Cromática 8. 1974. Serigrafía sobre papel. 76,1 x 57,2 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_cromatica.JPG | Cromática 6. 1974. Serigrafía sobre papel. 76,5 x 57,2 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_encrucijada.JPG‎ | Encrucijada. 1978. Óleo sobre tela. 150 x 150,3 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_escritura_cantabile.JPG‎ | Escritura Cantábile. 1998. Serigrafía sobre papel. 63,6 x 91,2 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_helios.JPG‎ | Helios. 1972. Serigrafía sobre papel. 76 x 56,2 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_homenaje_a_fra_angelico.JPG | Homenaje a Fra Angelico. 1984. Acrílico sobre tela. 122 x 122 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_la_pesquisa_entrañable.JPG‎ | La pesquisa entrañable. 1970. Acrílico sobre tela. 130 x 130 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_naturaleza_muerta.JPG‎ | Naturaleza Muerta. 1999-2000. Acrílico sobre tela. 129 x 130 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_noche_en_la_delta.JPG | Noche en la delta. 1978. Acrílico sobre tela. 150,5 x 150,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_resumi_muchas_memorias.JPG‎ | Resumí muchas memorias. 1978. Acrílico sobre tela. 151 x 150,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_signes.JPG‎ | Signes. 1963. Libro con 12 monotipos impresos en frottage y creyón de cera. 37,2 x 37,2 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_siin_titulo_serie_formas_elementales.JPG | Sin título ( Serie formas elementales). 1969. Serigrafía sobre papel. 72,6 x 57,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1964.JPG‎ | Sin título. 1964. Serigrafía sobre papel. 21,5 x 20 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1977.JPG | Sin título. 1977. Serigrafía 58/100. 51 x 48 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1983.JPG‎ | Sin título. 1983. Serigrafía sobre papel. 75,4 x 56,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1985.JPG‎ | Sin título. 1985. Serigrafía sobre papel. 99,8 x 71 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1986.JPG | Sin título. 1986. Serigrafía sobre papel. 99,7 x 70,2 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1991.JPG‎ | Sin título. 1991. Mosaico. 215 x 143 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1992.JPG‎ | Sin título. 1992. Serigrafía. 47,3 x 42,1 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1997.JPG‎ | Sin título. 1997. Serigrafía. 76,6 x 57,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1998.JPG | Sin título. 1998. Serigrafía sobre papel. 76,9 x 57,2 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_(serie_huellas).JPG‎ | Sin título (Serie Huellas). 1963. Monotipo sobre papel. 20,8 x 22 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_circa.JPG‎ | Sin título. 1951. Collage sobre cartulina. 39 x 49,8 cm. CONAC
Imagen:Copia_de_sin_titulo_de_la_serie_las_formas_del_tiempo.JPG‎ | Sin título ( Serie formas del tiempo). 1986. Serigrafía sobre papel. 75,7 x 56,7 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_serie_formas_elementales.JPG‎ | Sin título (Serie formas elementales. 1969. Serigrafía sobre papel. 72,6 x 57,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo-_serie_huellas.JPG‎ | Sin título (Serie huellas). 1962-1963. Monotipo sobre papel adherido a masonite. 52,7 x 73,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_serie_las_formas_del_tiempo.JPG‎ | Sin título (Serie las formas del tiempo). 1986. Serigrafía sobre papel. 75,5 x 56,2 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo45678.JPG‎ | Sin título. Sin fecha. Serigrafía estampada sobre seda. 94 x 91 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_tituloo_19801234.JPG‎ | Sin título. 1980. Serigrafía. 77 x 57 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_tituloo_199134567.JPG | Sin título. 1991. Serigrafía sobre papel. 70 x 49,8 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_TU.JPG‎ | Tú. 1969. Acrílico sobre tela. 170 x 170 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_umbra_y_penumbra.JPG‎ | Umbra y Penumbra. 1976. Acrílico sobre tela. 200 x 120 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_un_espejo_miro.JPG | Un espejo Miró. 1998. Serigrafía. 76,7 x 57,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_viva_diana.JPG‎ | Viva Diana. 1989. Serigrafía sobre papel. 76,8 x 57,4 cm. CONAC.
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==Videos==
{{#ev:youtube|yhqYANl8zHc|500}}

==Exposiciones individuales==
*1947 Sala del Pacífico, Santiago de Chile
*1962 MBA
*1964 "Signos", Sala Mendoza
*1967 "Signos", Librería Cruz del Sur, Caracas
*1969 "1 x 9 color de la serigrafía", MBA
*1970 "Obras recientes de Mercedes Pardo", Sala Mendoza
*1971 Centro de Bellas Artes, Maracaibo
*1974 Galería Aele, Madrid
*1977 Galería Adler/Castillo, Caracas / Centro de Arte El Parque, Valencia, Edo. Carabobo / Galería Pecanins, Ciudad de México
*1978 "Del taller de Mercedes Pardo hoy, Galería de Arte Nacional", Caracas / Museo de Arte Moderno, Ciudad de México
*1979 "Color, piel, presencia meditada: exposición antológica de Mercedes Pardo", GAN / Galería Adler/Castillo, Caracas
*1980 "Mercedes Pardo en Margarita: pinturas/serigrafías", Museo Francisco Narváez
*1983 "Inesauribile Venezia", Galería Sagitario, Caracas
*1991 "Moradas del color", GAN
*1993 "Obra gráfica de Mercedes Pardo", Consulado de Venezuela, Nueva York
*1994 "Obra gráfica de Mercedes Pardo", Los Espacios Cálidos
*1995 "Obra gráfica de Mercedes Pardo", MRE
*1996 Museo Sacro, Caracas
*2000 "Mercedes Pardo. 1951-2000", MAO / "Color y forma", GAN
*2005 Casa de la Cultura Pueblo de la Mar, Porlamar, Edo. Nueva Esparta / Unimet

==Premios==
*1942 Mención honorífica en pintura, III Salón Oficial
*1944 Premio José Loreto Arismendi, V Salón Oficial
*1960 Premio Puebla de Bolívar, XXI Salón Oficial
*1961 Premio de la Fundación Fina Gómez, XXII Salón Oficial
*1964 Premio Nacional de Artes Aplicadas (compartido con Alejandro Otero), XXV Salón Oficial
*1966 Premio de esmalte, Muestra Internacional de Artesanía Artística, Stuttgart, Alemania
*1978 Premio Nacional de Artes Plásticas, Caracas
*1980 Special Edition Purchase Award, World Print III, San Francisco, California, Estados Unidos
*1991 Premio Armando Reverón, AVAP

==Colecciones==
Banco Mercantil, Caracas / Colección Cisneros, Caracas / GAN / MBA / Museo Cruz-Diez

==Fuentes==
*Palacios, María Fernanda. "Mercedes Pardo: la música del color". En: Venezuela 95, 9. Caracas: MRE, 1995, pp. 34-47.
*Palacios, María Fernanda. Mercedes Pardo. Moradas del color (catálogo de exposición). Caracas: GAN, 1991.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve
*Carlos Eduardo Morillo. Estudiante de la Licenciatura en Historia del Arte en la Universidad de los Andes

==Comentarios==
<comments voting="Plus" />

[[Category:ARTISTAS]]
[[Category:CARACAS]]
[[Category:SIGLO XX]]
[[Category:PINTURA]]
[[Category:FEMENINO]]
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[[Category:Completar texto]]

Morera, Gabriel

2013-06-15T15:58:07Z

Carlos Eduardo Morillo: /* Créditos */

{{Ficha de artista
|titulo = Gabriel Morera
|imagen = [[Imagen:Foto_gabriel_morera.JPG|250px]]
|nombrecompleto = Gabriel Morera
|nacimiento = 26 de enero de 1933, Madrid, España
|fallecimiento =
|nacionalidad = Español
|area = Pintor, escultor, fotógrafo y ceramista
|firma =
}}

{{
#display_points:
Madrid España,España~Madrid~Lugar de nacimiento
}}

==Vida y obra==
Pintor, escultor, fotógrafo y ceramista. Hijo del abogado español Gabriel Alberto Morera y la venezolana Josefina Morales. Entre 1951 y 1954 realiza cursos libres de dibujo y pintura en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. El 29 de enero de 1955 llega a Venezuela y conoce a Alberto Brandt y, con quien experimenta utilizando materiales texturales. En 1956 viaja a París, donde conoce a la cineasta danesa Lene Rosenkilde; juntos recorren diferentes países, mientras ella realiza un documental sobre los tranvías en extinción en toda Europa. Morera decora la tienda por departamentos Crome & Goldschmidt de Copenhague y realiza sus primeras muestras individuales en la Galería La Roue de París y en la Galería Laurine de Copenhague. Hacia 1957 regresa a Venezuela y contrae matrimonio con Lene Rosenkilde (de quien se divorciará en 1964). Participa en las exposiciones informalistas "Espacios vivientes" (Palacio Municipal, Maracaibo, 1960) y el Salón Experimental (Sala Mendoza, 1960). En 1960 expone "Cabezas filosóficas" en la Galería Arne Juel en Copenhague.

En 1961 se incorpora al grupo vanguardista El Techo de la Ballena. Una segunda exposición de "Cabezas filosóficas" fue presentada en septiembre de 1961 en la Galería-librería Ulises (Caracas) y al año siguiente en la Galería 40 Grados a la Sombra (Maracaibo), 20 obras que combinaban texturas, grafismos y telas adheridas. Rodolfo Izaguirre escribió en el catálogo: "con una sutil disposición para la ironía y dueño de una singular capacidad poética que revela su personal concepción del mundo y los fundamentos mismos de su propia pintura, Gabriel Morera reanuda en estas Cabezas filosóficas […] el espíritu anticonformista e insurgente de El Techo de la Ballena, más allá, en efecto, de una realidad pictórica no siempre dada de manera exclusiva por la materia y convertida ésta en una posibilidad expresiva para alcanzar la formulación ya elaborada de las vivencias y plena intimidad de los sentimientos personales de su creador" (1961).

Según Juan Calzadilla entre los artistas que integraron la vanguardia informalista de los años sesenta, Morera era uno de los que ofrecía en su obra una imagen más poética. En esta época estaba interesado en crear un tipo de obra dotada de intimismo en la que pudiera encontrar expresión en los sueños. En 1962 participa en el XXIII Salón Oficial con tres pinturas al óleo sobre tela y en junio de este mismo año el MBA organizó "Pinturas blancas", realizadas sobre tablas de madera desgastada pintadas de blanco con gruesas texturas. Hacia esta época decae el aspecto figurativo y gestual de su obra para dar paso a los texturales y matéricos, con formas plásticas formalmente organizadas. En 1963 forma parte de las colectivas "Sujetos plásticos de la Ballena", en la Galería-librería Ulises (Caracas); "Adquisiciones y donaciones", organizada por la Sociedad de Amigos del MBA; el Boston Arts Festival (Galería Swetzoff, Boston, Massachusetts, Estados Unidos), además de presentar sus individuales "Relieves-pintura" (Galería G, Caracas) y "Gabriel Morera Paintings" (Galería Swetzoff, Boston, Massachusetts, Estados Unidos).

Este mismo año gana una beca de trabajo otorgada por la McDowell Foundation y se establece en una colonia de artistas en New Hampshire por cuatro meses. En este momento comienza sus ensamblajes en cajas, entre ellas Life Is Better than Death, Familia americana y Pequeña bandera de Venezuela (colección GAN). Realizados mediante la recolección de fotos, emblemas y objetos comerciales, sus cajas tienen una clara influencia de las cajas filosóficas de Duchamp y las cajas poéticas de Joseph Cornell. Asimismo, aparece por primera vez el elemento sideral en su creación, al elaborar algunas pruebas con fuertes manchas circulares de pintura, ordenadas perfectamente en un espacio encapsulado. Estos trabajos, en los que el color cobra primacía como materia, fueron mostrados en la exposición "The Eclipses", realizada en diciembre de 1963 en la Galería Bianchini en Nueva York; la serie usaba el color casi como materia y como objeto. En 1964 viaja a México, donde permanece por seis meses. Participa en una colectiva en la Galería Swetzoff (Boston, Massachusetts, Estados Unidos) y en la exposición "Donación Miguel Otero Silva" en el MBA. En 1965 obtiene una nueva beca de trabajo en la McDowell Colony (Boston, Massachusetts, Estados Unidos). Se muda a Nueva York y trabaja como profesor asistente de arte en la Escuela Hispana Montessori (Lower East Side, hasta 1973). Viaja a Caracas y participa en la III Bienal Armando Reverón. En 1966 contrae matrimonio con la bailarina venezolana Norah Parisi. En 1968 instala "Orthos" en la Galería Estudio Actual de Caracas. "Orthos", etimológicamente 'orden', 'organización', estaba conformada por piezas visuales que apelaban a los juegos de ilusión óptica y de trompe-l'oeil. Para el artista es la sistematización de uno o varios elementos sin relación entre sí, que comienzan a tener sentido a partir del elemento organizado. La muestra consistía en diez "cajas ilusión", a través de las cuales creaba imágenes ópticas. Los Orthos consisten en cajas de madera con un espejo interior y el "ortho" que contiene la imagen, con una serie de lentes y prismas. Las imágenes que se producen son la visión de un instante, como una imagen congelada. En una caja se da el caso de producir como cinco diferentes imágenes, dependiendo del ángulo de observación. Para su realización empleó acrílico, acero inoxidable, aluminio, vidrios, espejos cóncavos, fotografías y elementos cinematográficos. "Orthos" se expuso por primera vez en la Galería Kips Bay de Nueva York en 1967. El entonces director del MBA, Miguel Arroyo, vio su obra y le pidió dos cajas para exhibirlas en Venezuela, una de ellas, Mother Always Told Me, ganó el Premio Armando Reverón en el XXIX Salón Oficial (1968). Morera ganó el primer premio y el Premio Arterama en el Certamen Latinoamericano de Pintura, Premio Codex en Buenos Aires. En 1969 participó en el XXX Salón Oficial, en el Festival Internacional de Arte de Cali (Colombia) con tres Orthos, y junto a Gego, Juan Downey y Agustín Fernández en el "Latin America: New Paintings and Sculpture" en el Centro de Relaciones Interamericanas de Nueva York. En 1970 expone en la II Bienal de Arte Coltejer en Medellín (Colombia) y en el Instituto de Arte Contemporáneo de Lima. En 1973 inicia su serie de "pinturas negras". En julio de este año viaja a Caracas e instala, en la Galería Estudio Actual, Mitad carne, mitad sueño. Roberto Guevara señaló: "un reinicio sorprendente, pues significa la vuelta a la pintura bidimensional y a problemas de la especialidad únicamente pictórica o gráfica. Son obras que se inscriben en dos secciones definidas con claridad. En una encontramos los óleos, grandes bloques subdivididos, que contienen la misma materia pictórica: una densidad variable de trazos aglomerados con una libertad donde la forma no tiene ya nada que decir, a no ser su flujo y renuencia. Se podría hablar de espacio que se hunde que se nos muestra como evaluación […]. La otra sección está dominada por el dibujo y lo gráfico: perfiles de cosas, sugerencias de naturaleza, una dimensión todavía más literaria" (1973).

En 1975, invitado por el Consulado de Venezuela en Nueva York, exhibe "Paisajes, pájaros y símbolos", realiza un mural para la entrada de la residencia del embajador de Venezuela ante la ONU (entonces Simón Alberto Consalvi) y a mediados de año regresa a Venezuela. En 1976, con "Saltos de agua", se presenta en la Galería Sótano de Arte en Caracas. En 1977 comienza a trabajar con espejos intervenidos y con trozos de madera envejecida de playa; una obra representativa de esta tendencia es Neptune Av. (1979, colección GAN). Entre 1977 y 1980 dicta clases en la Escuela Cristóbal Rojas. En 1980, en la Galería G, exhibe "Espejismos", serie de obras que inició en 1976 y entre las cuales estaba Neptune Av., retablo poblado de imágenes, no sólo las integradas por el artista sino las reflejadas por el espejo. En esta obra, la imagen femenina se reproduce, desde las procedentes de la historia de la pintura hasta las de la historia del cine y de la literatura: un grueso tablón gastado por las olas y sostenido en dos ramas de árbol sirven de soporte a este imponente retablo. A partir de 1981 entra en contacto con un grupo de artistas de performances (Pedro Terán, Alfred Wenemoser, Diego Barboza y Yeni y Nan) y hace una compilación fotográfica de sus eventos. Expone "Cultivo de cera" en la Galería El Arca de Noé (Mérida, 1981), conformada por siete pinturas de la serie Astralia y 30 objetos de la serie Espejismos, piezas de desecho y cristalería que forman sus ensamblajes. Participa en IV Bienal Internacional de Arte en Medellín (Colombia) con un tríptico de Cultivo de cera, y, en la I Bienal Nacional de Artes Visuales en el MBA instaló Torre de corazones (colección MBA).

En 1983, en Los Espacios Cálidos inaugura "Zapatos celestes / Cultivo de cera", 40 obras dispuestas por series: la serie de la Puerta hermética, inspirada en la puerta hermética de Roma, donde estaba escrita la fórmula alquímica para convertir el plomo en oro; la serie de los Pájaros amazónicos, con lenguaje de los petroglifos y la magia de las nubes de Guayana; la serie de los Zapatos celestes, ensamblajes de zapatos recogidos todos en la playa; la serie de las Heroínas literarias, como Teresa de la Parra, Sylvia Plath y Virginia Woolf; la serie de Cajas cósmicas, y los Retratos. Elementos tales como cajas, espejos, transparencias, fotos, maderas, gemas de fantasía, se entremezclan constantemente en función de lo que el artista quiere comunicar. En una de las piezas el caballete del pintor, pierde su función de sostener la tela para convertirse en un altar sobre el que está crucificado un libro de historia de magia, alumbrado por dos velones blancos; los guantes de Virginia Woolf y su efigie fotográfica, impresa y fotocopiada. Como evento de clausura, Morera presentó junto a Ana Isabel Villanueva el performance Luna express, título que en 1985 usará para su segunda individual presentada en la misma galería. En 1984 integra las muestras "Jóvenes creadores" (Los Espacios Cálidos) y "Mundo de madera" (Galería Arte Hoy). En 1985 obtiene el primer premio, compartido con Julio Vengoechea, en el I Concurso de Fotografía Estée Lauder "El eterno arte del maquillaje" (Los Espacios Cálidos). En 1986, influenciado por su actual esposa Renate Pozo, comienza a trabajar el vidrio fundido. Participa en "De la talla al ensamblaje" (MBA) y en "Materia" (GAN). En 1987 expone por primera vez sus trabajos en vidrio en el XV Salón Artes del Fuego en la Sala Mendoza y presenta su serie Enigma (tarjetas postales intervenidas) en la Galería Vía (Caracas). Para Morera, la carta postal se hace un medio ideal para acceder a una gran cantidad de público; por medio de la técnica del fotomontaje recicla viejas imágenes dándole una nueva vida, envolviéndolas en sutiles connotaciones. Durante 1988 formó parte de las colectivas "Arte de América. Selección de obras de la colección" (MBA), "Mundo de Pandora" (Galería Arte Hoy, Caracas), "La imaginación de la transparencia" (MBA) y "Lo mágico y lo religioso" (GAN; itinerante por Argentina, Uruguay y Brasil). La Galería Agora en Caracas inauguró en 1988 la individual "Copas celestiales, unos vidrios…". En láminas de vidrio que parecen trozos de cielo transparente inserta copas de vidrios que se alzan como una ofrenda. En este trabajo el aliado de Morera es el horno, que con su calor le permite transformar al vidrio y convertirlo en una pieza artística con una nueva textura y forma. En 1989 participa en "La seducción de la transparencia" y "Artefactos", ambas en la Galería Vía (Caracas).

En 1990 su obra es incluida en "Los 80. Panorama de las artes visuales en Venezuela" (GAN), en "Ensamblajes" (Galería Propuesta Tres, Caracas) e instala la individual "Los desiertos de cristal: vidrios de Gabriel Morera" (Galería Felix, Caracas), con los que busca concretar con transparencia y luz la esencia de todos sus universos previos a partir del uso del vidrio. Durante los noventa ha participado en diferentes muestras expositivas, entre ellas "De Venezuela: treinta años de arte contemporáneo 1960-1990" (Pabellón de las Artes, Sevilla, España, 1992), "Confluencias" (Museo de Petare y Galería Tito Salas, 1993), FIA 94 (1994), "De espejos y espejismos" (Espacios Unión, Caracas, 1994), "El azul del cielo. Pintura y objetos atmosféricos" (Galería D'Museo, Caracas, 1994), "Una visión del arte contemporáneo. Colección Ignacio y Valentina Oberto" (MACCSI, 1995) y "La década prodigiosa. El arte venezolano de los sesenta" (MBA, 1995). Además del uso del vidrio, Morera continúa produciendo cajas, ahora de metal y con dimensión de armario, un mueble confesional en el que se atesora una arqueología personal. En 1996, Iris Peruga organiza "Contenidos imposibles de Gabriel Morera. Breve antología 1960-1996" (MBA), que compila un significativo número de obras con las que Morera ha desarrollado su lenguaje. Para Morera, la creación plástica es un acto poético renovado que se refleja en una gran variedad de soportes: los espejos cóncavos, la pintura de caballete, los desechos marinos y urbanos, la inclusión de la fotografía, el collage y el vidrio.

===Obras de Gabriel Morera===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:Copia_de_cabeza_azul.JPG | Cabeza Azul. 1968. Guache y tinta sobre papel. 36,7 x 25,7 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_caja_unthya.JPG | Caja Unthya. 1968. Acero Inoxidable y espejo cóncavo con base de plástico. 25,2 x 25 x 24,7 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_familia_americana.JPG | Familia Americana. 1963. Ensamblaje de madera, fotografía, resina y pintura. 24,5 x 18,5 x 5,5 cm. CONAC
Imagen:Copia_de_gran_caja_chamanica_con_palimpsesto.JPG | Caja Chamánica con Palimpsesto. 1983. Ensamblaje de Plexiglás, figura de madera tallada, caja de madera, espejo, plumas, tacos de madera con relieve, pabilo, fibra vegeta, mimbre y papel sobre cartón piedra . 78,5 x 60 x 14 cm.CONAC
Imagen:Copia_de_la_vida_es_mejor_que_la_muerte.JPG‎ | La vida es mejor que la muerte. 1963. Ensamblaje litografía, madera, vidrio y pintura. 18 x 18 x 9,4 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_material_con_impresion_negra.JPG‎ | Materia con imprimación negra. 1962. Vinavil y caseína sobre madera. 27 x 29 x 2 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_mother_always_told_me.JPG | Mother always told me. 1967. Emsamblaje con Plexiglás, espejo y metal . 19,9 x 20,4 x 20,4 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_neptuno_AV.JPG‎ | Neptuno AV. 1979. Ensamblaje de madera, espejo, metal y pintura litografía. 178 x 176 x 38 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_pequeña_bandera_de_venezuela.JPG | Pequeña bandera de Venezuela. 1963. Ensamblaje en témpera, vinyl, metal, madera y ferrotipo . 28,3 x 31 x 3 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_relieve_en_negro.JPG | Relieve negro. 1962. Base de vinyl, óleo y caseína sobre conglomerado de madera. 100 x 100 cm. CONAC
Imagen:Copia_de_sin_titulo.JPG | Sin titulo. 1962. Óleo sobre madera. 31,5 x 28,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_torre_de_corazones.JPG | Ensamblaje con diversos materiales. 1981. Ensamblaje con diversos materiales. 194 x 175 x 20 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_YO.JPG | YO. 1967. Tinta y guache sobre papel. 30,3 x 45,5 cm. CONAC.
Imagen:To_N.Y_1967.JPG | To N.Y. 1967. Tinta marcado sobre papel. 62.1 x 44.5 cm.
Imagen:Copia_de_789_words.JPG | 789 Words. 1967. Tinta y guache sobre papel. 45,7 x 30,5 cm. CONAC.
</gallery>

==Exposiciones individuales==
*1956 Galería La Roue, París / Galería Laurine, Copenhague
*1957 Librería Española, París
*1960 "Pinturas", Galería Silo, Madrid / "Cabezas filosóficas" ("Filosofiske hoveder"), Galería Arne Juel, Copenhague
*1961 "Cabezas filosóficas", Galería-librería Ulises, Caracas
*1962 "Pinturas blancas", MBA / "Cabezas filosóficas", Galería 40 Grados a la Sombra, Maracaibo
*1963 "Relieves-pinturas", Galería G, Caracas / "Paintings", Galería Swetzoff, Boston, Massachusetts, Estados Unidos / "The Eclipses", Galería Bianchini, Nueva York
*1968 "Orthos", Galería Estudio Actual, Caracas
*1973 "Pinturas negras", Galería Estudio Actual, Caracas
*1975 "Paisajes, pájaros y símbolos", Consulado de Venezuela, Nueva York
*1976 "Saltos de agua", Galería Sótano de Arte, Caracas
*1980 "Espejismos", Galería G, Caracas
*1981 "Cultivo de cera", Galería El Arca de Noé, Mérida
*1983 "Zapatos celestes / Cultivos de cera", Los Espacios Cálidos
*1985 "Luna express II", Los Espacios Cálidos
*1987 "Enigmas", Galería Vía, Caracas
*1988 "Copas celestiales, unos vidrios…", Galería Ágora, Caracas
*1990 "Los desiertos de cristal. Vidrios de Gabriel Morera", Galería Félix, Caracas
*1994 "El azul del cielo. Pinturas y objetos atmosféricos", Galería D'Museo, Caracas
*1996 "Contenidos imposibles de Gabriel Morera. Breve antología 1960-1996", MBA
*1998 "Diosas arcaicas y puntos de fuga", Galería D'Museo, Caracas

==Premios==
*1968 Premio Armando Reverón, XXIX Salón Oficial / Primer premio y Premio Arterama, Certamen Latinoamericano de Pintura, Premio Codex, Buenos Aires
*1983 Mención de honor, III Bienal Nacional de Artes Visuales, MACC
*1985 Primer premio, I Concurso de Fotografía Estée Lauder "El eterno arte del maquillaje", Los Espacios Cálidos

==Colecciones==
Banco Mercantil, Caracas / Fundación Noa Noa, Caracas / Fundación Polar, Caracas / GAN / MACCSI / MBA

==Fuentes==
*Guevara, Roberto. "Gabriel Morera: el difícil retorno". En: El Nacional. Caracas, 31 de julio de 1973.
*Izaguirre, Rodolfo. "Presentación". En: Cabezas filosóficas (catálogo de exposición). Caracas: El Techo de la Ballena, 1961.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve
*Carlos Eduardo Morillo. Estudiante de la Licenciatura en Historia del Arte en la Universidad de los Andes

==Comentarios==
<comments voting="Plus" />

[[Category:ARTISTAS]]
[[Category:ESPAÑA]]
[[Category:SIGLO XX]]
[[Category:ESCULTURA]]
[[Category:PINTURA]]
[[Category:FOTOGRAFÍA]]
[[Category:CERÁMICA]]
[[Category:MASCULINO]]
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[[Category:Completar texto]]

Narváez, Francisco

2013-06-15T15:57:22Z

Carlos Eduardo Morillo: /* Créditos */

{{Ficha de artista
|titulo = Francisco Narváez
|imagen = [[Imagen:FFN_F_Narvaez.jpg‎|250px]]
|nombrecompleto = [José] Francisco Narváez
|nacimiento = 4 de octubre de 1905, Porlamar, Nueva Esparta - Venezuela
|fallecimiento = 7 de julio de 1982, Caracas, Distrito Capital - Venezuela
|nacionalidad = Venezolano
|area = Escultor y pintor
|firma =
}}

{{
#display_points:
Porlamar Venezuela,Venezuela~Porlamar~Lugar de nacimiento
}}

==Vida y obra==
Escultor y pintor. Hijo del ebanista y alarife José Lorenzo Narváez y Vicenta Emilia Rivera. Su padre era conocido por sus tallas decorativas realizadas en la Iglesia del Valle del Espíritu Santo de La Asunción y por la construcción del faro de navegación de Porlamar (Edo. Nueva Esparta). Narváez asiste a la escuela de Carúpano, donde su familia se residencia hacia 1908, tras la caída de Cipriano Castro, y empieza a realizar tallas de muebles en miniatura con materiales como tiza o madera y una navaja como herramienta. Cuarto en una familia de 11 hijos, su aprendizaje inicial se basó en las prácticas del taller de su padre (1912-1921). Se interesó por la figura humana y copió en tiza los santos restaurados por su padre, realizó retratos de sus familiares y probó materiales como la greda para modelar figuras. Ayudó a su padre en los trabajos de reconstrucción y restauración de la Iglesia de San José de Orocual (Edo. Monagas), para la cual repintó las figuras y talló las partes faltantes de algunas imágenes religiosas. En 1916 participó en una exposición de artesanía en Cumaná con una talla de muebles en miniatura y recibió un diploma de reconocimiento. Posteriormente se le encargó un San Rafael para la Iglesia de Carúpano, a partir de un solo bloque de cedro; esta figura, según el artista, se conservaba en la iglesia aún en 1968. En 1918, la familia vuelve a Porlamar (Edo. Nueva Esparta), donde Narváez es atraído por escenas del mercado de Punta de Arenas, con sus pescadores, vendedoras y cargadoras de bultos, figuras recurrentes en su obra posterior; en el mercado observó al pintor rumano Samys Mützner pintando motivos locales. Narváez inicia clases de teoría y solfeo, que no puede continuar al enfermar de escrófula y permanecer un año en cama. Al recuperarse se dedica a tallar figuras de nacimientos y, hacia 1920, talla en madera una imagen del Niño Jesús para las hermanas carmelitas del hospital, que llama la atención de monseñor Sixto Sosa, obispo de Guayana, quien le sugiere que estudie en Caracas, le consigue el permiso de su padre, le paga el pasaje y gestiona una beca para que estudie en la Academia de Bellas Artes.

Narváez viaja a la capital y se instala en casa de los capuchinos de las Mercedes, donde permanece interno hasta iniciar los estudios de sexto grado en la Escuela Normal Villa Zoila y en la Academia hacia 1922. La talla del Niño Jesús de las hermanas carmelitas del hospital de Porlamar (Edo. Nueva Esparta) fue expuesta en 1922 en la Fotografía Manrique, junto con una pintura suya del mismo tema; la prensa señaló que la figura había sido tallada a navaja sin la intervención de maestro alguno. En la Academia recibió clases de dibujo, pintura, escultura, paisajes, anatomía y composición; sus profesores de escultura fueron Ángel Cabré i Magrinyà, Cruz Álvarez García y Pedro Basalo, y entre sus condiscípulos estaban Gregorio García, Eduardo Francis, Rafael Rosales y Tomás Golding, entre otros. Por entonces, los estudios artísticos seguían los patrones clásicos. Las clases de escultura se limitaban al modelado en arcilla y al trabajo en yeso, aunque el artista se interesó en la talla directa: le regalan un cincel y un bloque de mármol de Carrara, con el que talló un rostro que creó controversias entre los profesores, debido a sus "formas redondas", según Basalo, alejadas de los criterios clásicos propugnados por la Academia. Para esa época tiene la oportunidad de observar pinturas de Sorolla expuestas en la Academia. En 1924 obtiene diplomas de honor en la Academia en pintura y escultura. Para esa fecha conoce a Arturo Uslar Pietri, Alfredo Boulton y Andrés Eloy Blanco, quien le dedicó versos de Poda cuando el artista realizaba la maqueta para la tumba de su padre, que no se llevó a cabo. En septiembre de 1925, las esculturas del artista aparecen en un reportaje gráfico en la prensa. Narváez finaliza sus estudios en 1928, viaja a Margarita para pintar motivos marinos y obtiene algunas lajas de piedra, de las usadas para pavimentar patios, en las que esculpe relieves. Realiza su primera muestra individual ese año en el Club Venezuela (Caracas), en donde expone 60 pinturas y 12 relieves.

Viaja a París en 1928 con la ayuda de monseñor Sixto Sosa, quien gestiona el costo del pasaje ante los ministros de exterior y de fomento. Años después realiza dos retratos al óleo de monseñor Sosa, uno para la Iglesia del Valle y otro para las carmelitas de Caracas. En París se inscribe en la Academia Julian, donde fue discípulo de Pierre Landowsky y Bernard; y asiste al taller del escultor François Pompon. Estudia los trabajos de Jean Arp, Pablo Gargallo y la obra de Arístides Maillol, que ejerció influencia en sus trabajos posteriores. Algunos autores señalan la importancia del grupo Pont-Aven en su producción pictórica aunque, para Alfredo Boulton, la única asociación del artista con este grupo fue una temática común (paisajes marinos, mujeres nativas o vegetación tropical). Su producción coincidió con el interés por parte del arte europeo por las formas primitivas; de esta manera realizó algunos retratos al óleo de amigos venezolanos, en los que se aprecia una gran síntesis y un tratamiento plano del color. Instala un taller en las afueras de París y, entre otros trabajos, esculpe Vendedora de pescado (Pescadora, según Boulton, 1981) en piedra de París, con la que participa en 1930 en el Salón del Grand Palais en los Campos Elíseos; la pieza fue comentada por el periódico L'Art Vivent. Inicia un período en el que las figuras indígenas, las frutas tropicales, los colores intensos y los temas exóticos predominan de manera notoria. Envía algunas obras a Caracas que son exhibidas en el Club Venezuela (Caracas, 1930), que la prensa calificó de "nativistas". Al año siguiente participa en el Salón de los Independientes en París. Los motivos criollos de su época parisina, cultivada y enriquecida después en Venezuela en 1931, permitieron al artista experimentar con los volúmenes así como con materiales locales como la piedra o la madera.

A su regreso instaló su taller en el Barrio Obrero de Catia, que funcionó hasta 1943, y que con el tiempo se transformó en centro de reunión de artistas e intelectuales. En 1934 expuso esculturas, óleos y acuarelas en el Ateneo de Caracas. Sobre la producción pictórica del artista en este período comenta Juan Carlos Palenzuela: "la pintura de Narváez de estos años, digamos por ejemplo, sus paisajes de Ocumare, recuerdan ciertos paisajes y bodegones de su amigo Marcos Castillo y la de éste, algunas piezas de Elisa Elvira Zuloaga. Quizás el hilo conductor entre los tres artistas haya sido el notable maestro francés André Lhote". Hacia 1932 y 1933 realiza el grupo escultórico de la fuente del Parque Carabobo (fechado por Boulton y Rafael Pineda en 1934), antigua Plaza La Misericordia; este grupo, vaciado en piedra artificial, fue su primera obra integrada al urbanismo y, para Boulton, es la máxima expresión del trabajo nativista del artista, además de ser un hito pues marca una nueva forma de tratar el desnudo en la escultura venezolana. Señala Bélgica Rodríguez que, ya en la fuente del Parque Carabobo, se aprecia la estructuración casi geométrica de la figura como forma única que caracteriza la obra de este artista. En 1934, Arturo Uslar Pietri lo insta a realizar cuatro trípticos murales de temas populares para el haras de los hermanos Gómez; estos frescos se perdieron luego de la muerte del general Juan Vicente Gómez (1935), y reaparecieron en 1987, cuando fueron restaurados y exhibidos en el MACC en una exposición en homenaje a Boulton. En 1936 ingresa como profesor de escultura y modelado a la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas; ese año realiza relieves para las tumbas del poeta Luis Castro y de la familia Guruceaga, en el Cementerio General del Sur (Caracas). Entre 1935 y 1938, Carlos Raúl Villanueva le encarga relieves en piedra artificial para las fachadas del MBA y el Museo de Ciencias; en el primero, inaugurado en 1936, realiza tres relieves en los que representa figuras femeninas alegóricas a la pintura, la escultura y la arquitectura; y para el segundo, inaugurado en 1938, realiza motivos ornamentales y tres relieves, uno en la fachada principal, que representa un grupo de mujeres con frutos de la tierra, y dos en las fachadas laterales (llamados por Boulton El hombre y La mujer). En 1939 realiza un grupo escultórico en piedra artificial para el CIV (fechado por Pineda entre 1936 y 1937). Ese año participa en la Feria Mundial de Nueva York, con cinco esculturas en caoba africana, junto a pinturas de Luis Alfredo López Méndez; cinco piezas de las que sólo se conservan cuatro, Cacao, Perlas, Frutas y Café. Cacao y Perlas fueron ubicadas posteriormente en el Liceo Fermín Toro y Frutas y Café en el Liceo Andrés Bello. En 1940 participa en una exposición colectiva de artistas latinoamericanos en el Museo Riverside de Nueva York y recibe el Premio Oficial de Escultura en el I Salón Oficial por su obra Figura decorativa (colección GAN). En 1941 realiza La educación, relieve en piedra artificial para la Escuela Francisco Pimentel y, en 1942, un relieve alegórico para la fachada del antiguo Museo Bolivariano, ubicado en la esquina de Pajaritos (fechado por Pineda entre 1936 y 1937). Ese año obtiene el Premio John Boulton en el III Salón Oficial con Negra (Barlovento) (colección GAN). Entre 1943 y 1944 realiza La patria, elaborada en piedra artificial para el patio de la Escuela Militar de Venezuela y un altorrelieve para el auditorio. En La patria, con una muy personal resolución del motivo, consiguió que la valoración de formas y volúmenes imperara sobre el tema.

En 1943, Villanueva, encargado de la remodelación de la Urbanización El Silencio, lo comisiona a realizar dos grupos escultóricos para adornar la plaza principal; Narváez se basa en una antigua leyenda margariteña y realiza Las toninas, dos fuentes en piedra artificial ubicadas en la Plaza O'Leary (entonces Plaza Urdaneta). Años después, Villanueva lo llama a colaborar nuevamente en el proyecto de la integración de las artes de la Ciudad Universitaria, para la cual realiza cartones para varios murales en cerámica, entre otras obras: Retrato de María Luisa Tovar (Instituto de Medicina Experimental e Instituto Anatómico José Izquierdo, 1949-1950), La ciencia (piedra de Cumarebo, Instituto Anatómico José Izquierdo, 1950), La educación (piedra de Cumarebo, Instituto de Medicina Experimental, 1950), Ascención (pintura mural, capilla del Hospital Universitario, 1950), la fachada en cerámica esmaltada y el techo del comedor universitario (1951; mutilada la primera y cubierto el segundo en los trabajos de remodelación de 1982), el Retrato de José Gregorio Hernández (bronce, Instituto de Medicina Experimental, 1953), un mural en madera para la biblioteca Henry Pittier del Instituto Botánico (1956), Torso (madera, Facultad de Arquitectura y Urbanismo, 1956), Forma (madera, Hospital Universitario) y El atleta (piedra de Cumarebo, Estadio Olímpico, 1951). El atleta marca un punto culminante en su proceso de depuración; la figura, muy estilizada, está resuelta con grandes planos geometrizados y esquematizados, y se aleja del realismo figurativo de sus piezas anteriores. En 1948 obtiene el Premio Oficial de Pintura del IX Salón Oficial.

En 1953 viaja a Italia, se residencia durante seis meses en Pistoia, donde funde la estatua ecuestre del general Rafael Urdaneta, originalmente destinada a la Plaza de El Silencio, hoy en la Plaza Candelaria. El diario La Nazione de Florencia, Italia (2 de febrero de 1952) comentó que el monumento tenía "solidez de formas, redondez y plenitud de caracteres". Regresa al país también con otra obra, la Estatua en bronce, inicialmente ubicada en la terraza de la Biblioteca de la UCV, actualmente en la Plaza del Rectorado. Esta pieza es un ejemplo de las llamadas "formas nuevas" que empieza a trabajar ese año, en las que la figura humana estilizada, lograda con economía, se modificaba debido a tensiones internas de la masa, de manera que la anatomía se transformaba en referencia visual; Calzadilla insiste que estas formas no son abstractas y que toda la obra del escultor se asocia a una concepción humanística de la forma. En 1953 asumió la dirección de la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas (cargo que desempeñó hasta 1956). En 1954 realiza una exposición en la Sala Mendoza, donde presenta las llamadas "formas nuevas"; representa a Venezuela en la XVII y XVIII Bienal de Venecia (1954 y 1956), en la primera con 14 esculturas y en la segunda con tres. En 1955 participa en la Bienal de São Paulo y, en 1958, en la Feria Internacional de Bruselas junto a Jesús Soto. En 1962 participa en la exposición itinerante "Venezuela y su paisaje", organizada por la Fundación Fina Gómez en El Havre (Francia), Ginebra (Suiza), Barcelona (España), Madrid y París. Los trabajos de los años sesenta adquieren la rigidez, textura y oquedades del material, elementos que pasan a ser primordiales en sus trabajos posteriores; es notoria la investigación de las concavidades que ofrece el material trabajado, que destaca en la exposición de 1966 en la Sala Mendoza, año en que participa en el XXVII Salón Oficial, en el cual es reconocida su obra pictórica; asimismo talla Figura acéfala en samán blanco, destinada al BCV, cuya versión en bronce de 1981 forma parte de la colección GAN. Ejemplo de la investigación de los cóncavos es La ronda (1967), fuente realizada para la Avenida Santiago Mariño de Porlamar (Edo. Nueva Esparta), llevada luego al estacionamiento del Hotel Bellavista de esa ciudad, y posteriormente a la Plaza Bolívar. En 1969 talla una Virgen de Coromoto que el gobierno venezolano regaló al Estado de Israel, hoy en la Basílica de Nazaret, en Jerusalén.

En 1970 empieza a trabajar los Ochavados, en los que se aprecian las marcas y señales premeditadas de la acción del tallar (ochavar); estas piezas son, para Ariel Jiménez, un momento de ruptura poco comprendido, debido a lo tosco y abigarrado de las piezas, y representan una batalla entre el artista y la forma: "en la acumulación de planos, cortes, de fragmentos toscamente reunidos unos con otros, surgen las figuras grotescas que parecen dibujarlo, más bien desdibujarse, pues de eso se trata, de romper definitivamente en lo más íntimo de la obra con todo posible recuerdo de la figura humana" (1988, p. 1). En 1972 fue invitado de honor de la I Exposición Nacional de Artes Plásticas en el MBA y, en 1973, participó en la II Bienal Internacional de Pequeña Escultura en Budapest con 20 piezas. Para 1976 realiza serigrafías, técnica que le permitió obtener colores planos. El artista se encontraba entonces en una transición en su producción bidimensional. Ese año fueron restauradas Café y Frutas para la exposición antológica "Trayectoria de Francisco Narváez", realizada en el MACC. En 1978 representa a Venezuela en la "Exposición internacional" en el Grand Palais de París, junto a Héctor Poleo y Armando Reverón. En 1980 Roger Morffe dirige un cortometraje documental de tres minutos sobre la obra de este artista, titulado Narváez. Ese año dona 35 esculturas, 11 pinturas y 4 serigrafías al Museo Francisco Narváez, inaugurado el año anterior. En 1981 fueron restauradas Cacao y Perlas; su deterioro y mal estado de conservación produjo una polémica en la prensa en la que se cuestionó el valor que las instituciones educativas daban al arte. Ese año instala una pieza de dimensiones monumentales en Amuay (Judibana, Edo. Falcón), llamada Energía — El gran volumen por Alfredo Boulton—, hoy El gran volumen/energía (400 x 390 x 90 cm), obra concebida como un volumen dinámico, en el que se buscaba crear la sensación de giro de unas aspas de piedra con el contraste de la línea inclinada frente a la recta. En 1982 realizó otra escultura de grandes dimensiones para la Estación La Hoyada del Metro de Caracas, llamada Armonía de volúmenes y espacio. Luego del fallecimiento del artista en 1982, sus familiares crearon la Fundación Francisco Narváez.

En 1988, Juan Carlos Palenzuela y Axel Stein publicaron artículos de prensa en los que se cuestionaba la labor de la Fundación Narváez, debido a la producción de piezas en bronce, sacadas al mercado como ediciones y pruebas de artista no legitimadas. Ambos comentaron que sólo debía considerarse como auténtico aquello que el artista produjo en vida; también censuraron la producción de hasta dos series de una misma pieza. Ante los artículos, la Fundación contestó que Narváez siempre había deseado pasar muchas de sus piezas a materiales más duraderos y también señaló que, en el caso de las dos series, unas eran pruebas de artista proyectadas y no fundidas en vida del artista, y las otras, versiones definitivas de la misma obra. En 1995 fueron restauradas Las toninas por la Fundación, pero se deterioraron y debieron ser intervenidas nuevamente en 1998. Narváez aparece reseñado en el Diccionario de la escultura moderna (París: Hazan, 1960), en donde se señala que es un "inventor de formas líricas, teniendo el sentido de la plenitud y el equilibrio". Boulton insiste en que el trabajo pictórico y escultórico de este artista no se puede dividir en entidades separadas, aunque en diferentes períodos se haya dedicado más a una actividad que a otra, agregando que entre ambas disciplinas se estableció una simbiosis de elementos plásticos, que permitieron un enriquecimiento tanto en el tratamiento del contenido como en el de la materia. Sin embargo, es notoria la prevalencia que la actividad escultórica cobra sobre la pictórica. Como escultor, utilizó una amplia gama de técnicas y materiales que abarcaron el tallado en madera (caoba, vera, apamate, pardillo, ébano, carao, guayacán, cartán, samán, cují, amaranto, roble, cedro y vera), piedra (de Araya y de Cumarebo), mármol de Puerto Cabello, piedra artificial y el vaciado en bronce. En la talla directa y, en casos excepcionales como la figura-torso del BCV, utilizó añadidos para obtener una policromía de tonos distintos de los diversos bloques de material. Boulton realizó una periodización para el estudio de la obra del artista que se basa en las variaciones de su producción: un período inicial, criollista, denominado "primeras formas" (1928-1951); un segundo período en el cual priva la estilización de la esencia figurativa, el de las "formas nuevas" (1951-1966), y un último período de volúmenes geometrizados, llamado "volúmenes" (1970-1981). Pedro Briceño la divide en dos etapas: el período americano de los años treinta y la experiencia semiabstracta de los cincuenta. Sobre su obra, comenta Juan Calzadilla: "Narváez es un escultor de volúmenes rotundos y sólidos. Pocas veces se ha interesado por la espacialidad interna de la obra y por vaciar la forma, a la cual presenta siempre en piezas extensas formando bloques macizos de una o dos secciones, generalmente de apariencia monumental. La monumentalidad es una de sus características, por cuanto los volúmenes llenos y compactos requieren a menudo ser vistos a gran distancia, incorporados casi siempre al paisaje" (1981). Para este crítico, la importancia de la obra de Narváez va más allá de su trabajo escultórico, pues señala que fue precursor de nuevos lenguajes en la pintura, que desempeñó una actividad docente renovadora y que, además, se perfiló como el primer escultor que integró su obra al urbanismo. De Narváez, la GAN posee en su colección esculturas, pinturas y una maqueta escultórica.

===Obras de Francisco Narvaéz===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:Copia_de_boceto_para_la_fuente_de_las_tonitas_circa.JPG‎ | Boceto para la "Fuente de las toninas". Circa. 1944. Arcilla roja modelada inciso. 15,5 x 19,3 x 7,8 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_cabeza_de_muchacha.JPG‎ | Cabeza de muchacha. 1955. Mixta sobre masonite. 49,5 x 40,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_cabeza.JPG‎ | Cabeza. 1962. Talla en piedra de araya. 18 x 26 x 18,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_composi34345353534cion.JPG | Composición. Sin fecha. Relieve en madera de caoba laqueada. 111,7 x 152 x 4,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_criolla.JPG | Criolla. 1936. Talla en madera laqueada. 170 x 39 x 40 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_dos_volumenes_verticales_y_uno_horizontal.JPG‎ | Dos volúmenes verticales y uno horizontal. Década de los 70. Vaciado en bronce. 125 x 273 x 125 cm. Alcaldía mayor, en comodato. CONAC.
Imagen:Copia_de_dos_volumenes.JPG | Dos Volúmenes. 1976. Tallado en piedra. 105 x 130 x 88 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_eduardo_salomon_lahoud.JPG | Eduardo Salomón Lahoud. 1931. Óleo sobre tela. 41,5 x 33 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_figura_acefala.JPG‎ | Figura Acéfala. 1981. Fundición de bronce patinado. 190 x 88 x 50 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_figura_de_mujer_acefala.JPG‎ | Figura de mujer acéfala. 1966. Bronce patinado.180 x 84 x 45 cm. Instituto nacional de Hipódromos. CONAC.
Imagen:Copia_de_figura_decorativa.JPG‎ | Figura decorativa. Sin fecha. Talla en madera laqueada. 80 x 40 x 30 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_formas_sin_fecha.JPG | Forma. Sin fecha. Talla en madera. 100 x 145 x 99 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_girasoles,_circa.JPG‎ | Girasoles. 1930. Óleo sobre tela. 71 x 56 cm. Instituto Nacional de Hipódromos. CONAC.
Imagen:Copia_de_india.JPG‎ | India. 1937. Óleo sobre tela. 53,4 43,7 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_negra_de_barlovento_circa.JPG‎ | Negra de Barlovento. 1942. Óleo sobre tela. 63,1 x 54,3 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_serie_formar_horizontales_y_verticales.JPG | Serie Formas Horizontales y verticales. 1974. Serigrafía. 102 x 81,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_serie_formas_horizontales_y_verticales.JPG‎ | Serie Formas Horizontales y verticales. 1974. Serigrafía. 102 x 81,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_serie_formas_horizone4554545tales_y_verticaless.JPG‎ | Serie Formas Horizontales y verticales. 1974. Serigrafía. 79 x 90 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1945.JPG | Sin título. 1945. Grafito sobre papel encolado en cartón. 33 x 21,7 cm. CONAC.
Imagen:Copi3434343434a_de_sin_titulo.JPG | Sin título. Sin fecha. Serigrafía P/A 1/7. 79 x 90 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_torso.JPG | Torso. 1959. Fundición en bronce patinado. 51 x 38 x 35 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_tres_volumenes.JPG | Tres Volúmenes. 1981. Bronce dorado. 135 x 81 x 72 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_volumen.JPG | Volumen. Sin fecha. Bronce pulido sobre base de mármol. 38,5 x 20,5 x 16 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_volumenes.JPG‎ | Volúmenes. 1972. Fundición en bronce pulido y patinado. 92 x 45 x 38 cm. CONAC.
Imagen:Paisaje54353453.jpg | Paisaje. 1962. Óleo sobre tela. 90 x 85 cm. CONAC.
Imagen:Formas.jpg | Formas. 1966. Talla en Madera. 180 x 107 x 55 cm. CONAC.
</gallery>

==Exposiciones individuales==
*1928 Club Venezuela, Caracas
*1930 Club Venezuela, Caracas
*1934 Ateneo de Caracas
*1953 MBA
*1956 "Formas nuevas", Sala Mendoza
*1957 "Raíces", Sala Mendoza / "Formas nuevas", Centro de Bellas Artes, Maracaibo
*1959 Sala Mendoza
*1961 Sala Mendoza
*1964 Sala Mendoza
*1966 "Esculturas, pinturas", Sala Mendoza
*1968 Inciba, Porlamar, Edo. Nueva Esparta / Galería de Arte Moderno, Caracas
*1970 "Maderas y piedras ochavadas de Francisco Narváez", Sala Mendoza
*1971 Galería Framauro, Caracas
*1972 "Bronce cromado", Galería Antañona, Caracas / Galería Framauro, Caracas / Galería Gaudí, Maracaibo
*1973 "Gráficas", Galería Arte/Contacto, Caracas
*1974 "La trilogía", Galería Arte/Contacto, Caracas
*1976 "Trayectoria de Francisco Narváez", MACC / "Esculturas en bronce", Galería Marlborough, Nueva York / "Bronces bruñidos", Galería Arte/Contacto, Caracas / Galería Gaudí, Maracaibo
*1977 Capilla de San Ponziano, Palacio Comunal, Spoleto, Italia / Instituto de Cultura Italo Latinoamericano, Roma
*1978 Galería Sen, Madrid / Galería Arte/Contacto, Caracas / CIV, Puerto Ordaz
*1979 Dade Public Library System, Miami, Florida, Estados Unidos / Instituto Zuliano de la Cultura, Maracaibo / Galería Rafael Monasterios, Maracay
*1980 "La colección Narváez", Sala Cadafe / "El volumen y su huella", Museo Francisco Narváez / "Esculturas, pinturas, dibujos", Galería Alirio Rodríguez, Caracas / "Francisco Narváez en la colección GAN", GAN
*1981 "Varias etapas", Galería Siete Siete, Caracas / "Visión de Narváez", Casa del Rectorado, USB

==Exposiciones póstumas==
*1982 "Homenaje a Francisco Narváez", GAN
*1988 Galería Freites, Caracas / "Todos los tiempos de Narváez", Galería Municipal de Arte, Maracay
*1992 "Figuras, formas y volúmenes", Galería de Arte Ascaso, Valencia, Edo. Carabobo
*1993 "Hitos de una trayectoria", MAVAO / "Hitos de una trayectoria", Museo Francisco Narváez / "Hitos de una trayectoria", Sala Sidor
*1995 "Narváez o la aventura de las formas", MRE
*1997 "Gabinete Narváez", Fundación Francisco Narváez, Caracas
*1998 "Narváez, una colección", Fundación Daniela Chappard, Caracas
*2000 "Narváez", Los Espacios Cálidos

==Premios==
*1940 Premio Oficial de Escultura, I Salón Oficial
*1942 Premio John Boulton, III Salón Oficial
*1948 Premio Oficial de Pintura, IX Salón Oficial
*1963 Primer premio, IX Salón Julio T. Arze
*1964 Premio de escultura, X Salón Julio T. Arze

==Monumentos públicos==
Armonía de volúmenes y espacio, Estación La Hoyada, Metro de Caracas / Cristo, Seminario San José, El Hatillo, Edo. Miranda / El atleta, Estadio Olímpico, UCV / Escultura en piedra de Cumarebo, Bulevar La Asunción, La Asunción / Estatua de Fermín Toro, Liceo Fermín Toro, Caracas / Estatua ecuestre del general Rafael Urdaneta, Plaza La Candelaria, Caracas / Estatua en bronce, Plaza del Rectorado, UCV / Gran volumen/energía, Judibana, Edo. Falcón / Homenaje a Raúl Leoni, Bulevar Raúl Leoni, El Cafetal, Caracas / La ciencia, Instituto de Medicina Experimental, UCV / La educación, Instituto Anatómico José Izquierdo, UCV / La patria, EFOFAC / La ronda, Plaza Bolívar, Porlamar, Edo. Nueva Esparta / Las toninas, Plaza O'Leary, Caracas / Virgen de Coromoto, Basílica de Nazaret, Jerusalén

==Colecciones==
Banco Mercantil, Caracas / Colección Cisneros, Caracas / Fundación Francisco Narváez, Caracas / GAN / Liceo Andrés Bello, Caracas / Liceo Fermín Toro, Caracas / MACCSI / MACMMA / Mujabo / Museo Francisco Narváez / Museo Soto / Residencia Presidencial La Casona, Caracas / UCV

==Fuentes==
*Archivo Proyecto de Postulación de la Ciudad Universitaria ante la UNESCO, Caracas.
*Boulton, Alfredo. Narváez. Caracas: Ediciones Macanao, 1981.
*Calzadilla, Juan y Pedro Briceño. Escultura/escultores. Un libro sobre escultura en Venezuela. Caracas: Maraven, 1977.
*Calzadilla, Juan. "Narváez en la USB". En: El Nacional. Caracas, 13 de abril de 1981, p. C/16.
*Cinap, N 2.
*Gasparini, Marina y otros. Obras de arte de la Ciudad Universitaria de Caracas. Caracas: Conac, 1981.
*Jiménez, Ariel. "Piedra sobre piedra". En: El Universal. Caracas, 11 de diciembre de 1988, p. 4/1.
*Pineda, Rafael. Escultura y pintura de Francisco Narváez. Caracas: Inciba, 1968.
*Pineda, Rafael. Francisco Narváez, el maestrazo. Caracas: Tamayo y Cía., 1976.
*Pineda, Rafael. La escultura hasta Narváez. Caracas: Armitano, 1980.
*Rodríguez, Bélgica. Breve historia de la escultura contemporánea en Venezuela. Caracas: Fundarte, 1979.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve
*Carlos Eduardo Morillo. Estudiante de la Licenciatura en Historia del Arte en la Universidad de los Andes

==Comentarios==
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Otero, Carlos

2013-06-15T15:55:56Z

Carlos Eduardo Morillo: /* Créditos */

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{{Ficha de artista
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|nombrecompleto = Carlos Otero
|nacimiento = 25 de marzo de 1886, Caracas - Venezuela
|fallecimiento = 7 de febrero de 1977, Caracas - Venezuela
|nacionalidad = Venezolano
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==Vida y obra==
Pintor. Hijo de Emilio Otero Vigas y Carmen Vizcarrondo de Otero. Realizó sus primeros estudios en el Colegio San Agustín (Caracas), donde Rafael Cruz Guitián, hijo de Manuel Cruz, lo orientó hacia la pintura. En 1897 su padre lo inscribió en la Academia de Bellas Artes, donde fue alumno de Emilio J. Mauri en dibujo, y de Victoriano de Vicente Gil, en paisaje. En 1904 presenta su primer cuadro, Negrita cocinera, en el concurso de la Academia. Un año más tarde, en el mismo concurso, expone El hijo enfermo, que evidencia influencias del realismo social de Cristóbal Rojas. En esta ocasión, el primer premio fue declarado desierto, y, sin embargo, Otero obtiene el accésit al premio de pintura. En 1906 se hace acreedor del premio de pintura de la Academia con Del mercado, pintada al aire libre, lo cual rompía con los preceptos academicistas venezolanos (entre ellos, pintar en estudio); a pesar de esto, fue reproducida y alabada en El Cojo Ilustrado (15 de agosto de 1906). En 1909 encabezó los documentos de protesta del grupo de estudiantes que protagonizó una rebelión contra la orientación de la Academia, dirigida entonces por Antonio Herrera Toro. Este grupo estaba integrado, entre otros, por Próspero Martínez, Francisco Sánchez, Pablo W. Hernández, Salustio González Rincones, Alfonso Sucre B., Julián Alonzo, Manuel Cabré, Antonio Edmundo Monsanto y Rafael Blanco Vera. Buscando nuevas oportunidades para continuar sus estudios, viaja a Argentina en 1911, donde se inscribe en la Academia de Bellas Artes de Buenos Aires. En este país trabaja como caricaturista e ilustrador para periódicos y revistas como Caras y Caretas, Cóndor y Mate Amargo.

Descontento con su carrera artística en Buenos Aires, viaja a Europa en 1912 y se radica en París para perfeccionar sus estudios. Al año siguiente, su cuadro Baile en el Barrio Latino (colección GAN) fue admitido en el Salón de Artistas Franceses, el cual es reseñado favorablemente en varias publicaciones parisinas. A raíz de este reconocimiento obtiene en 1913 una beca del gobierno venezolano, la cual recibió sólo durante 11 meses, ya que le fue eliminada por Juan Vicente Gómez por considerarla como un gasto extraordinario. Aunque no fue miembro fundador del Círculo de Bellas Artes, Otero participó en el II Salón Anual del Círculo de Bellas Artes (Teatro Calcaño, Caracas, 1914) con un dibujo: una cabeza de mujer "expresiva y sintética" (El Nuevo Diario, 5 de septiembre de 1914). Al año siguiente, Leoncio Martínez, comentaba que su pintura "es alegre; luminosa y fresca en el paisaje; móvil y audaz en los cuadros de composición" (La Revista, 15 de agosto de 1915) y, en septiembre, participa en el III Salón Anual del Círculo de Bellas Artes (Teatro Calcaño, Caracas) con ilustraciones y croquis (El Nuevo Diario, 13 de septiembre de 1915). A pesar de no contar con la beca del gobierno venezolano, Otero continúa sus estudios en París e ingresa en 1915 a la Escuela Superior de Bellas Artes, teniendo como profesores a conocidos artistas como Colin y Flamant, además de trabajar en el taller de Cormon. Otero realiza La chanson de mode, que no entra al Salón de 1914 y decide pintar sobre ella La sopa de los refugiados de Reims (firmada en 1923, colección GAN). Ratto-Ciarlo cita su presencia en el Salón de las Tullerías (París, 1916). Durante este período enviaba continuamente a Caracas sus caricaturas antibélicas y antialemanas, que El Cojo Ilustrado publica en tres ediciones de 1915 (1 y 15 de enero y 1 de marzo). En esta época, Otero entabló amistad con Amedeo Modigliani y ambos asistían a la academia de La Grande Chaumière a practicar el boceto al creyón. Influenciado por el impresionismo, pinta escenas al aire libre de paisajes europeos, y sobre todo del río Sena, dos de los cuales fueron exhibidos en la Fotografía Manrique. Entre 1919 y 1921 participó en el Salón de los Independientes de París y ese último año viajó a Italia en 1921 para participar en la "Exposición nacional", en la Escuela Benci (Livorno, Italia), donde recibe un diploma de honor. Reside varios meses en Florencia (Italia). Regresa a Venezuela en 1922 y expone, en el Club Venezuela (Caracas), 51 obras, la mayoría cuadros paisajistas producidos en París, Florencia y Caracas. No satisfecho con su formación artística, regresa a París en 1923, y participa en el Salón de Artistas Independientes, con su Retrato de Carmen Flores y dos paisajes, los cuales reciben buena crítica. Hacia 1923-1924, es elegido como integrante del Comité Directivo de la sección de pintura en la Casa de América Latina (París). En 1923, en París, fue invitado a formar parte de la Union International des Beaux Arts et des Lettres (integrada por Gabriele D'Annunzio, Antoine Bourdelle, Anatole France, Claude Monet y Jean Renoir, entre otros) y participó en el Salón de las Tullerías. En 1924 participó con cinco óleos (cuatro paisajes y una escena intimista) en la "Exposición de arte latinoamericano" montada por la Casa de América Latina en el Museo Galliera (Génova, Italia). Durante su segunda estadía en Europa, Otero enviaba regularmente dibujos, cuadros y caricaturas a Caracas, que serían publicadas por revistas de la ciudad.

En 1925 retorna a Caracas y poco después inaugura una exposición individual en la Academia de Bellas Artes, con 59 paisajes al óleo realizados en Europa y Venezuela (El Universal, 13 de julio de 1925). Es nombrado director de la Academia de Bellas Artes en 1927. Por sugerencias de su amigo Leoncio Martínez, Otero convoca a los ex alumnos de la Academia para organizar una exposición anual. En 1928 se celebró la primera muestra, en la cual participó el mismo Otero. En 1930 forma parte de la "Exposición internacional" de Lieja (Bélgica) y obtiene medalla de oro. Al año siguiente forma parte del grupo de fundadores del Ateneo de Caracas, en donde expone individualmente ese mismo año. También en 1931 funda la Academia de Pintura y Dibujo Carlos Otero en el Pasaje Benzo (Élite, 17 de octubre de 1931). En enero de 1936 el nuevo gobierno del general Eleazar López Contreras lo nombra nuevamente director de la Academia de Bellas Artes y, en abril, comisionado de Bellas Artes en Europa, para estudiar lo relativo a la organización de museos, academias de arte y escuelas de artes aplicadas, cargo que ocupó por un año. En 1937, el ministro de Educación Nacional, Alberto Smith, designa a Otero como director del MBA, el cual se venía construyendo según planos del arquitecto Carlos Raúl Villanueva. En 1938 realiza una exposición en la Casa-Museo General José Antonio Páez de Valencia (Edo. Carabobo), con 27 cuadros. En 1940 forma parte de una colectiva en el Museo Riverside de Nueva York. Por iniciativa de Otero se crea, a partir de 1940, lo que será durante 30 años una fecunda confrontación de arte nacional: el Salón Oficial; ese mismo año participa en su primera edición. Expone individualmente en 1948 en la sede de la Unión Panamericana en Washington y luego, ese mismo año, participa en el Salón de Artistas Independientes de Caracas. En 1948 realiza el retrato de José Félix Sosa para el Concejo Municipal caraqueño (hoy Museo Caracas, Palacio Municipal, Caracas) y es nombrado nuevamente director del MBA, cargo que desempeñará ininterrumpidamente hasta 1956, cuando obtiene su jubilación. En 1954 participa en el XV Salón Oficial, aunque sin opción a premio por ser miembro del jurado. Expone individualmente en 1961 en el Instituto de Cultura Hispánica de Madrid, auspiciado por la Embajada de Venezuela, y, en 1962, se presenta en la Galería Acquavella de Caracas. Entre 1966 y 1968 vive en Europa, exponiendo en 1967 en el Instituto de Cultura Hispánica de Madrid, igualmente patrocinado por la Embajada venezolana. A su regreso a Venezuela expone en la Sala Mendoza y es nombrado presidente de la Asociación de Escultores y Pintores de Venezuela. Expone individualmente en la Galería Li (Caracas) en 1970. Vuelve a España ese mismo año y exhibe su obra en el Club Internacional de Prensa de Madrid en 1971, y poco después retorna a Venezuela. En dos oportunidades (1972 y 1973) se presenta nuevamente de manera individual en la Galería Li (Caracas), y, en 1974, muestra 88 dibujos en una colectiva en la misma galería. En 1975 la Gobernación del Distrito Federal (Caracas) organiza una retrospectiva de Carlos Otero y es galardonado en Miraflores por el presidente Carlos Andrés Pérez con el Premio Nacional de las Artes Plásticas 1974. La GAN, además de sus obras mayores, posee Paisaje de Catia (1908) y Paisaje (1910), representativos de su primera etapa. Sobre su obra ha escrito Juan Calzadilla: "se pueden considerar a Carlos Otero y a Tito Salas, como pintores formados en el espíritu del siglo XIX, cuyos trazos ellos tratarán de hacer perdurar, evidentemente con menos éxito que los pintores de la Academia de Bellas Artes, Mauri y Herrera Toro. Será siempre en su producción contemporánea donde habremos de buscar su aporte a la historia de nuestra pintura" (1967, p. 225).

===Obras de Carlos Otero===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:Copia_de_barrio_latino.JPG | Barrio Latino. 1913. Óleo sobre tela. 170,4 x 217,3 cm. CONAC
Imagen:Copia_de_la_sopa_de_los_refujiados_de_reims_1923.JPG | La Sopa de los refugiados de Reims. 1923. Óleo sobre tela. 20x 280 cm. CONAC
Imagen:Copia_de_paisaje_1910.JPG‎ | Paisaje. 1910. Óleo sobre tela. 41,4 x 36,6 cm. CONAC
Imagen:Copia_de_paisaje_de_catia.JPG‎ | Paisaje de Catia. 1908. Óleo sobre tela. 37,3 x 26,7 cm. CONAC
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==Exposiciones individuales==
*1922 Club Venezuela, Caracas
*1925 Academia de Bellas Artes
*1931 Ateneo de Caracas
*1938 Casa-Museo General José Antonio Páez, Valencia, Edo. Carabobo
*1948 Unión Panamericana, Washington
*1949 Club del Comercio, Maracaibo
*1961 Instituto de Cultura Hispánica, Madrid
*1962 Galería Acquavella, Caracas
*1967 Instituto de Cultura Hispánica, Madrid
*1968 Sala Mendoza
*1970 "Retrospectiva", Galería Li, Caracas
*1971 Club Internacional de Prensa, Madrid
*1972 Galería Li, Caracas
*1973 Galería Li, Caracas
*1974 Galería Li, Caracas
*1975 "Exposición homenaje", Gobernación del Distrito Federal, Caracas

==Premios==
*1905 Accésit al premio de pintura, Academia de Bellas Artes
*1906 Premio de pintura, Academia de Bellas Artes
*1921 Diploma de honor, "Exposición nacional", Escuela Benci, Livorno, Italia
*1930 Medalla de oro, "Exposición internacional", Lieja, Bélgica
*1974 Premio Nacional de Artes Plásticas, Caracas

==Colecciones==
Banco Mercantil, Caracas / BCV / BIV / Círculo Militar / Congreso Nacional, Caracas / GAN / MAO / MRE / Museo Caracas, Palacio Municipal, Caracas / Museo de Anzoátegui, Barcelona, Edo. Anzoátegui / Residencia Presidencial La Casona, Caracas

==Fuentes==
*Calzadilla, Juan. El arte en Venezuela. Caracas: Ediciones del Círculo Musical, 1967.
*Cinap, O 17.
*Páez, Rafael. Carlos Otero. Caracas: Edime, 1969.
*Palenzuela, Juan Carlos (compilador). Leoncio Martínez, crítico de arte 1912-1918. Caracas: Academia Nacional de la Historia, 1983.
*Ratto-Ciarlo, José. Carlos Otero. Caracas: Armitano, 1978.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve
*Carlos Eduardo Morillo. Estudiante de la Licenciatura en Historia del Arte en la Universidad de los Andes

==Comentarios==
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Michelena, Arturo

2013-06-15T15:55:18Z

Carlos Eduardo Morillo: /* Créditos */

{{Ficha de artista
|titulo = Arturo Michelena
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|nombrecompleto = Arturo Michelena
|nacimiento = 16 de junio de 1863, Valencia, Edo. Carabobo - Venezuela
|fallecimiento = 29 de junio de 1898, Caracas - Venezuela
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==Vida y obra==
Pintor. Hijo del pintor Juan Antonio Michelena y Socorro Michelena, hija del también pintor Pedro Castillo. Fue bautizado con el nombre de Francisco Arturo en la Iglesia Parroquial de Nuestra Señora de La Candelaria. En 1869 inicia su aprendizaje con su institutriz Edelmira Michelena. En 1870 entra al colegio de Lisandro Ramírez y al año siguiente al Colegio Cajigal, dirigido por Alejo Zuloaga. De su época de infancia se ha recuperado una treintena de dibujos, realizados entre 1872 y 1874, en los que trató, sobre todo, el tema religioso, escenas de costumbres, paisajes y su primer autorretrato en grafito (colección Museo Arturo Michelena, Caracas). En 1874, su padre, al reconocer su vocación por el dibujo, determina su enseñanza artística con reglas académicas ejercitándolo en retratos al lápiz, retratos al esfumino, miniaturas y luego al óleo. Ese año conoce a Francisco de Sales Pérez, quien desde entonces será su protector. En 1875 pinta el escudo de armas para el Cuartel Anzoátegui y al año siguiente el retrato de Pedro Bermúdez Cousin. En 1877 aparece el libro de Sales Pérez, Costumbres venezolanas (Nueva York: Imprenta y Librería de N. Ponce de León), con un segundo autorretrato y 10 ilustraciones que ya presagiaban las notables disposiciones de Michelena como dibujante de escenas y grupos. Hacia 1878 realiza al temple retratos de locos y personajes populares de su ciudad natal. Según Enrique Planchart algunos de estos fueron utilizados por Melchor Monteverde como propagandas de su fábrica de cigarrillos (1948, p. 6). A 1879 se remontan sus primeros trabajos en óleo. Ese año funda con su padre una escuela en la residencia familiar en Valencia (Edo. Carabobo) y recibe uno de sus primeros encargos, El bautizo de Jesús para el baptisterio de la Iglesia de La Candelaria, además de concluir un retrato de su padre.

A inicios de la década de 1880 realiza una serie de óleos con temas de niños, como Niña con maraquita (1881, colección GAN) y Retrato de niña (sin fecha, colección GAN) que recuerdan las obras de los primitivos americanos. Al año siguiente le son encomendados ocho medallones para el comedor del Hotel Normandía de Valencia (Edo. Carabobo). En una de sus obras más llenas de lirismo, Cardenal (colección GAN), donde apeló a su interés naturalista, se observa su maestría de observación y su enorme capacidad de adherirse a las corrientes tradicionales propias de la historia de la pintura. En 1882 concluye su retrato de Alejandro Tarbes que evidencia la perfección técnica que había alcanzado para esa época. Al año siguiente realiza acuarelas de paisajes (La cascada de Bárbula y Laguna de Valencia) y participa con dos obras en la "Exposición nacional de Venezuela" (Palacio de la Exposición, Caracas) con motivo del centenario del nacimiento del Libertador: La alegoría de la República regenerada y La presentación de la bandera invencible de Numancia, llamado también Entrega de la bandera vencedora de Numancia al Batallón sin Nombre (223 x 175 cm, colección Museo Bolivariano, Caracas), con el que obtiene medalla de plata, su primer reconocimiento oficial. Ramón de la Plaza observó entonces "un talento en que campea sin artificios, la ingenuidad del instinto abriéndose paso sin el apoyo de la educación que le falta" (La Opinión Nacional, 21 de agosto de 1883). En 1885 pinta Judith y Holofernes (a partir de Vernet) y El general Joaquín Crespo en la batalla de La Victoria (colección GAN).

Gracias a la intercesión de Sales Pérez, Joaquín Crespo le concede una beca de estudios con la que parte a París el 6 de mayo. Michelena se inscribe en la Academia Julian, donde será alumno de Jean-Paul Laurens. El pintor francés influenciará a Michelena tanto en la precisión del dibujo como en el interés por la temática histórica. Entre sus condiscípulos se encontrará Cristóbal Rojas, con quien comparte taller en la rue Delambre. En 1886 participa en el Salón de Artistas Franceses con un dibujo a pluma y el retrato de cuerpo entero de Henri D[aguerre] en atuendo de torero. En adelante, la carrera artística de Michelena estará signada por las convenciones brillantes pero desfallecientes del academicismo francés. Ese año realiza ilustraciones para Le Monde Illustré y los primeros bocetos para El niño enfermo. A finales de marzo de 1886 se reúne con Antonio Guzmán Blanco, entonces ministro plenipotenciario de Venezuela en París, quien le sugiere continuar estudios en Roma. La negativa de Michelena le hace perder el apoyo oficial. Su regreso se tramita por Cancillería el 20 de enero de 1887, a pesar de lo cual decide permanecer en la capital francesa. En 1887 participa con dos obras en el Salón de Artistas Franceses, Una visita electoral y El niño enfermo (realizado en 1886), que recibe medalla en segunda clase, la más alta distinción concedida a los artistas extranjeros, lo cual le permite participar en adelante hors-concours. Del original del El niño enfermo se desconoce el paradero, mientras que en Venezuela se conoce una copia (o boceto definitivo) realizada por el pintor mismo en un formato menor (colección GAN). Ese año realiza el retrato de su maestro Laurens y Leda y el cisne (colección GAN), a manera de esquisse, y que "anticipa de cuanto mejor dará de sí el artista" (Planchart, 1948, p. 10). En 1888 expone La caridad (colección GAN) —tema caro a Cristóbal Rojas—, en el Salón de Artistas Franceses, y el Retrato ecuestre de Bolívar (colección Palacio de Gobierno, Valencia, Edo. Carabobo). De ese año es su Autorretrato con gorguera (colección Museo Arturo Michelena, Caracas). Por esta época inicia una singular serie de cuadros orientales, actualmente en la colección del BIV: Joven árabe (1889), Fantasía árabe (1889) y Soldados árabes (1890), estos dos últimos de gran temperamento plástico. Por entonces, Michelena, ya separado de Rojas, tiene su taller en el Boulevard Raspail, 221. En 1889 expone La joven madre (colección GAN) y El granizo de Reims (colección BIV) en el Salón de Artistas Franceses, y concluye Carlota Corday camino al cadalso (colección GAN), obra que exhibe en la "Exposición universal internacional" de París y por la cual recibe la medalla de oro en primera clase. Ese año también concluye El paso de los Andes (colección GAN) y parte de Francia el 9 de octubre rumbo a Venezuela.

En Valencia y luego en Caracas, el 3 de enero de 1890, es recibido con honores. Pinta los retratos del presidente Andueza Palacio, del general José Ramón Tello y concluye Vuelvan caras, una de sus obras más célebres, obsequiada a la Municipalidad de Nueva York y actualmente en la colección Círculo Militar. El 17 de julio contrae matrimonio con Lastenia Tello. Uno de los testigos de la boda es el entonces presidente Andueza. Durante su estadía en Caracas realiza paisajes locales como el Paisaje de El Paraíso (colección Fundación Boulton). El 8 de agosto de 1890 regresa a París, instala su taller en la Avenida Wagram; recibe la comisión para ilustrar Hernani de Víctor Hugo, que aparecerá con cinco ilustraciones a toda página y 10 viñetas grabadas al aguafuerte por Léon Boisson e impresas por Chardon (París: Librería L. Conquet, 1890). Es posible que trabajara el tema desde antes ya que existen bocetos del primer acto de Hernani fechados en 1888. De este mismo período son sus bocetos para Lucrecia Borgia, también de Víctor Hugo, proyecto editorial que no llegó a concretarse. En 1891 concluye Escena de circo (colección GAN) y El campo de Marte, a manera de esquisses, e inicia numerosos estudios preparatorios para Pentesilea, su obra de dimensiones más monumentales (435 x 650 cm, colección MRE, hoy en la colección Círculo Militar) que envía al Salón de Artistas Franceses de 1891. Algunos de estos bocetos al óleo han perdurado en las colecciones del BIV y del Museo Arturo Michelena (Caracas). Su Retrato de una joven (1891, colección Ana Teresa Torres), que recuerda a Manet, deja ver su interés por la temática y composición impresionista aunque no así por sus procedimientos técnicos. Al año siguiente concluye La vara rota, de tema taurino, y de la cual existe una interesante serie de estudios preparatorios. Los médicos le diagnostican tuberculosis y le prescriben temperar: Michelena viaja a Normandía donde realiza obras como Paisaje de playa (Villiers-sur-Mer) y Pareja en la playa de Etretat, las dos en la colección BIV.

Ese año regresa a Venezuela en busca de un clima más propicio para sobrellevar la enfermedad, y durante ese tiempo pinta Paisaje de Los Teques (colección Museo Arturo Michelena, Caracas) y Flores de Mayo (colección BIV). En 1893 participa por última vez en el Salón de Artistas Franceses con Los morochos Aguerrevere. El gobierno venezolano le comisiona la Alegoría de Colón para la "Exposición mundial colombina" de Chicago de ese año. Junto a Pentesilea y otras obras, su envío le merece una medalla de honor. Ese año realiza su célebre retrato de Arístides Rojas en su gabinete, llamado El desván del anticuario (colección Fundación Boulton) así como un pequeño paisaje de San Bernardino, que "podría citarse, quizás junto con alguno de los de Tovar en sus últimos años, como punto inicial de la tradición paisajística venezolana" (Planchart, 1956, p. 34). Con anterioridad se había interesado en vistas como Cascada de Bárbula (1883) o Prados de La Vega (1890). Michelena divide su tiempo entre Caracas, Antímano y Los Teques, pero en 1894 se muda a la esquina de Urapal en La Pastora y divide sus encargos entre retratos, cuadros oficiales y pinturas de género.

A comienzos de 1895 concluye un retrato de tamaño natural de Bolívar en traje de campaña para el Edo. Bermúdez, cuya capital era Barcelona (El Tiempo, 16 de enero de 1895) y, para la Apoteosis de Sucre, en celebración del centenario del natalicio del Gran Mariscal de Ayacucho, realiza su obra La muerte de Sucre en Berruecos (1895, colección GAN), que expone junto a Los gemelos, "de colorido delicioso y singular relieve", El comedor, "de bello efecto y delicada ejecución" y otras obras en los salones del Palacio Federal (El Cojo Ilustrado, 15 de febrero de 1895). En ocasión de la Apoteosis de Miranda, con motivo de los 80 años del fallecimiento del Precursor, concluye una de sus obras más resaltantes, Miranda en La Carraca (1896, colección GAN), en la que unió de manera excepcional el acabado clásico con la técnica de boceto; la obra fue especialmente exhibida en la Casa Amarilla (Caracas). A finales de marzo abre sus clases de dibujo y pintura en su taller de La Pastora (El Tiempo, 25 de marzo de 1896). Un decreto presidencial del 17 de julio adquiere la obra y le concede al pintor una medalla de oro. Poco después, en la velada del 18 de julio en el Teatro Municipal (Caracas), Miranda en La Carraca fue presentado ante la sociedad caraqueña, y el artista es coronado con laureles y recibe una medalla de oro por parte del gobierno. Aficionado a las carreras de caballos, realiza a mediados de esa década una serie de escenas hípicas, entre ellas Hipódromo de Sabana Grande (colección GAN). Ese año, se corrió el Premio de Arte para caballos criollos cuyo premio era un cuadro sport entregado por el artista (El Tiempo, 5 de mayo de 1896). (Años después, el hipódromo de Sabana Grande le organizó un homenaje póstumo en el cual se otorgaron cuatro premios, cada uno denominado como una obra del pintor, consistentes en cuadros de Mauri, Rivero Sanavria, Tovar, Herrera Toro y Vicente Gil; El Tiempo, 29 de abril de 1899.) En 1896 realiza el retrato José Manuel de los Ríos y colabora en las decoraciones del Palacio de Miraflores que construía a sus expensas Joaquín Crespo, con obras de tema simbolista: Diana cazadora (1896, hoy en la colección Residencia Presidencial La Casona, Caracas), La Primavera y El Otoño (en el comedor de Miraflores) y Flora y Pomona. De ese período es su retrato ecuestre de Crespo (1897). Paralelamente realiza obras de temática religiosa comisionadas para la Santa Capilla de Caracas por 3.000 pesos: La multiplicación de los panes y de los peces (1897) y Las bodas de Caná (sin concluir). Inicia su obra El panteón de los héroes (sin concluir, colección Pedro Benavides), fechado en junio de 1898. En 1897 trabaja en el retrato del arzobispo de Caracas, Críspulo Uzcátegui. Otra obra de temática religiosa, La última cena (1898, colección Catedral de Caracas), encomendada por el arzobispo Uzcátegui, también quedará inconclusa. En julio de 1898 fallece a los 35 años.

La GAN, el BIV y el Museo Arturo Michelena (Caracas) poseen importantes colecciones en papel y tela de Michelena. En 1922, Lastenia Tello organizó una muestra de las obras de Michelena en el taller de la esquina de Urapal. La colección del taller del artista pasó al Estado por voluntad de la viuda tras su muerte en 1958; la casa fue adquirida en 1961 y convertida en el Museo Arturo Michelena. Dibujante excepcional, los bocetos dejados por Michelena no sólo son registros minuciosos de los procesos creativos de sus grandes obras, que incluso como en el caso de Miranda en La Carraca, fueron cuidadas al detalle a pesar de sus elementos espontáneos, sino también paradigmas de la línea siempre exacta y del lirismo de la precisión. Seis paisajes suyos fueron incluidos en la "Exposición del paisaje venezolano", realizada en el MBA en 1942. De uno de ellos, Un trozo del Ávila, escribió Planchart que tenía "aquella finura de dibujo y colorido tan mansa y equilibrada, que es una de las condiciones más agradables en todas sus obras" (op. cit., p. 194). En 1948, Planchart publica un importante catálogo de la obra conocida de Michelena hasta ese momento con un estudio preliminar y, en 1998, la GAN realiza una exposición en la que reunió las grandes obras del artista, publicando en esa ocasión un catálogo razonado y una nueva cronología. Mariano Picón Salas comentó sobre el proceso creativo de Michelena: "si el gran artista valenciano no tuvo tiempo de dar todo el salto que conducía del realismo y del parnasianismo a la entera visión impresionista, se sigue a través de su obra todo un logrado repertorio de problemas técnicos. Estudia el ritmo y dinámico enlace de los grupos, logra con clásica maestría los agitados ropajes sueltos y los escorzos casi escultóricos de las figuras de Pentesilea o contrasta de modo maravilloso las zonas de color con la nocturnidad de la muralla en un tan bien compuesto cuadro como Carlota Corday […]. Aplicó también algo de las conquistas de la nueva visión impresionista a la luminosidad de las carnes, los cabellos, las sedas y encajes de sus varias figuras femeninas" (1985, p. 108). René-Pierre Famelart, por su parte, no desecha las virtudes de la formación académica del artista y agudamente acepta sus procedimientos sin criticar la apatía de Michelena a los movimientos vanguardistas: "ecléctico en la elección de sus temas, aun cuando el arte oficial es su principal fuente de inspiración, Michelena es también extremadamente flexible en su forma de tratarlos. Eclecticismo y soltura caracterizan su obra, pero no constituyen lo esencial. La verdadera originalidad de su pintura reside, a nuestro parecer, más en el vigor que obtiene de su origen latinoamericano que de una sensibilidad muy abierta a las influencias europeas del momento. Vigor del trazo, del color con menos frecuencia, vigor del movimiento en Fantasía, vigor de la puesta en escena en La vara rota y en El panteón de los héroes, rasgos principales que, completados con los nuevos aportes del arte europeo, volvemos a él, permiten comprender por qué Michelena desempeña un papel tan importante en la historia de la pintura venezolana de finales del siglo pasado" ([1989], p. 165).

===Obras de Arturo Michelena===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:Copia_de_Aureliano_otañez.JPG‎ | Aureliano Ótáñez. 1890. Óleo sobre tela. 240 x 139,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_boceto_para_dante_y_beatriz.JPG‎ | Boceto de Dante y Beatriz. 1889. Óleo sobre tela. 76,3 x 57 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_boceto_para_el_gran_premio_miranda.JPG | Gran Premio Miranda. Hipódromo de Sabana Grande. 1896. Óleo sobre tela. 51,7 x 86 cm. CONAC.
Imagen:Boceto_para_un_retrato_del_General_Joaquín_5_.jpg | Boceto para un retrato del General Joaquín Crespo. 1895. Óleo sobre tela. 37,2 x 30,5 cm.
Imagen:Boceto_de_la_Vara_Rota.jpg | Boceto Para La vara rota. 1892. Óleo sobre tela. 31,1 x 48,2 cm. Banco Industrial de Venezuela.
Imagen:Copia_de_carlota_corday_camino_al_cadalso.JPG | Carlota Corday camino al cadalso. 1889. Óleo sobre tela. 235 x 315 cm. CONAC.
Imagen:Bolívar_en_Carabobo.jpg‎ | Bolívar en Carabobo. 1898. Óleo sobre tela.
Imagen:Copia_de_boriquen.JPG‎ | Boriquén. 1896. Óleo sobre tela. 44 x 51 cm. Instituto Nacional de Hipódromos. CONAC.
Imagen:Cascada_de_Catuche_%281898%29_Arturo_Michelena.jpg | Cascada de Catuche. 1898. Óleo sobre tela. 101x61 cm.
Imagen:Copia_de_el_niño_enfermo.JPG‎ | El Niño enfermo. 1886. Óleo sobre tela. 80,4 x 85 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_escena_de_circo.JPG‎ | Escena de circo. 1891. Óleo sobre madera. 38 x 46,2 cm. CONAC.
Imagen:El_Panteon_de_los_Heroes.jpg | El panteón de los Héroes. 1898. Óleo sobre tela. 135 x 168 cm.
Imagen:Estudio_de_personaje_y_toro_de_La_Vara_Rota.jpg | Estudio de personaje y toro de la vara rota. Óleo sobre tela.
Imagen:Estudio_del_Monosabio_de_La_Vara_Rota.jpg | Estudio del Monosabio de la vara rota. Óleo sobre tela.
Imagen:Joaquín_Crespo_en_la_Batalla_de_Los_Colorados_1893.jpg | Joaquín Crespo en la Batalla de Los Colorados. 1893. Óleo sobre tela.
Imagen:Copia_de_joven_madre.JPG‎ | La joven madre. 1889. Óleo sobre tela. 172 x 141,8 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_la_muerte_de_sucre_en_berruecos.JPG | La Muerte de Sucre en Berruecos. 1895. Óleo sobre tela. 120 x 175,4 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_lastenia_tello_de_michelena.JPG‎ | Lastenia Tello de Michelena. 1890. Óleo sobre tela. 135,6 x 82,2 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_magnolia.JPG‎ | Magnolia. 1894. Óleo sobre tela. 75 x 51,4 cm. CONAC
Imagen:Manuel_Antonio_Matos._1895._Oleo_sobre_tela._229_x_150_cm._Coleccion_privada_de_Carmen_Luisa_Perez_Matos_de_Sardi..jpg | Manuel Antonio Matos. 1895. Óleo sobre tela. 229 x 150 cm. Colección privada de Carmen Luisa Pérez Mantos de Sardi.
Imagen:María_Ibarra_de_Matos._1895._Oleo_sobre_tela._227_x_152_cm._Colección_privada_de_Carmen_Luisa_Pérez_Matos_de_Sardi..jpg | María Ibarra de Matos. 1895. Óleo sobre tela. 227 x 152 cm. Colección privada de Carmen Luisa Pérez Matos de Sardi.
Imagen:Copia_de_Mercedes_menzoda_de_tello.JPG‎ | Mercedes Mendoza de Tello. 1890. Creyón sobre papel. 47,5 x 35,5 cm. CONAC.
Imagen:Miranda_en_La_Carraca_-_Óleo_de_Arturo_Michelena,_Venezuela_1896.jpg | Miranda en la Carraca. 1896. Óleo sobre tela. 197 x 245,2 cm.
Imagen:Monseñor_Crispulo_Uzcategui_1897_45_x_34_cm.jpg‎ | Monseñor Crispulo Uzcategui. 1897. Óleo sobre tela. 45 x 34 cm.
Imagen:Picador_con_toro_y_Monosabio.jpg | Picador con toro y monosabio. Óleo sobre tela.
Imagen:Copia_de_portada_del_primer_libro_venezolano_de_literatura,_ciencias_y_bellas_artes.JPG‎ | Portada del primer libro venezolano de literatura, ciencias y bellas artes. 1895. Óleo sobre tela. 58,2 x 40,3 cm. CONAC.
Imagen:Retrato_ecuestre_del_General_Joaquín_Crespo_1897.jpg | Retrato ecuestre del General Joaquín Crespo. 1897. Óleo sobre tela. 346 x 253 cm. Palacio de Miraflores.
Imagen:Copia_de_san_bernardito.JPG‎ | San Bernardito. 1893. Óleo sobre tela. 35,1 x 29 cm. CONAC.
Imagen:TOMA_DE_LAS_FLECHERAS_Michelena.jpg | Toma de las flecheras. Óleo sobre tela.
Imagen:Vuelvan_caras.jpg | Vuelvan Caras. 1890. Óleo sobre tela.
Imagen:Autoretrato_3445_.jpg | Autorretrato. 1890. Tinta china sobre papel. 24,1 x 16,5 cm.
</gallery>

==Exposiciones póstumas==
*1922 Taller Arturo Michelena, Caracas
*1948 MBA / Capitolio de Valencia, Edo. Carabobo
*1963 Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo
*1968 Cámara de Comercio de Valencia, Edo. Carabobo
*1980 Galería La Pirámide, Caracas
*1986 "Arturo Michelena. Intimidad y esplendor de su genio", GAN
*1997 "Arturo Michelena. Obra y tiempo", Museo de Barquisimeto / "Music and Poetics of the Color", Consulado de Venezuela, Nueva York
*1998 "Genio y gloria de Arturo Michelena", GAN / "Arturo Michelena, niño", Teatro Municipal, Valencia, Edo. Carabobo

==Premios==
*1883 Medalla de plata, "Exposición nacional de Venezuela", Palacio de la Exposición, Caracas
*1887 Medalla de segunda clase, Salón de Artistas Franceses
*1889 Medalla de oro de primera clase, "Exposición universal internacional", París
*1893 Medalla de honor, "Exposición mundial colombina", Chicago

==Colecciones==
Academia Nacional de la Historia, Caracas / Asamblea Legislativa del Estado Carabobo, Valencia / Asilo de Huérfanos de Valencia, Edo. Carabobo / Banco Mercantil, Caracas / BIV / Catedral de Caracas / Círculo Militar / Colección Cisneros, Caracas / Concejo Municipal, Valencia, Edo. Carabobo / Fundación Boulton / GAN / INH / MAO / MRE / MRE / Museo Arturo Michelena, Caracas / Museo Bolivariano, Caracas / Museo Caracas, Palacio Municipal, Caracas / Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile / Palacio de Gobierno, Valencia, Edo. Carabobo / Palacio de Miraflores, Caracas / Residencia Presidencial La Casona, Caracas / Santa Capilla, Caracas / UC

==Fuentes==
*Archivo Arquidiocesano de Valencia, Edo. Carabobo, Bautismos, 13, 1862-1864.
*Archivo Catedral de Caracas, Matrimonios, 17.
*Archivo MRE, Francia, 40.
*Arturo Michelena, niño. Caracas: Museo Arturo Michelena, 1998.
*Calzadilla, Juan. Arturo Michelena. Caracas: Armitano, 1973.
*Famelart, René-Pierre. "Michelena y los pompiers: Francia en el tiempo de Arturo Michelena". En: Arturo Michelena. Su obra y su tiempo, 1863-1898. Caracas: BIV, [1989].
*Genio y gloria de Arturo Michelena (catálogo de exposición). Caracas: GAN, 1998.
*Goslinga, Cornelis Ch. Estudio biográfico y crítico de Arturo Michelena. Maracaibo: LUZ, 1967.
*Juan Antonio Michelena. Un testigo de la gloria (catálogo de exposición). Caracas: Museo Arturo Michelena, 1994.
*Montero, María Eugenia. "Cronología". En: Genio y gloria de Arturo Michelena (catálogo de exposición). Caracas: GAN, 1998.
*Picón Salas, Mariano. Las formas y las visiones. Caracas: GAN, 1985. Primera edición en 1954.
*Planchart, Enrique. Arturo Michelena, 1863-1898. Caracas: Ministerio de Educación Nacional, 1948.
*Planchart, Enrique. La pintura en Venezuela. Buenos Aires: Imprenta López, 1956. Segunda edición en Caracas: Editorial Equinoccio, 1979.
*Röhl, Juan. Arturo Michelena 1863-1898. Su vida y su obra. Caracas: Editorial Arte, 1966.
*Salvador, José María. "Esplendor y vigencia de Arturo Michelena". En: Arturo Michelena. Colección Banco Industrial de Venezuela. Caracas: Fundación Banco Industrial de Venezuela, sin fecha.
*Toledo Tovar, E. Semblanza de la vida y obra de Arturo Michelena. Valencia: Edición Conmemorativa del Natalicio de Arturo Michelena, 1963.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve
*Carlos Eduardo Morillo. Estudiante de la Licenciatura en Historia del Arte en la Universidad de los Andes

==Comentarios==
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Monsanto, Antonio Edmundo

2013-06-15T15:54:38Z

Carlos Eduardo Morillo: /* Créditos */

{{Ficha de artista
|titulo = Antonio Edmundo Monsanto
|imagen = [[Imagen:5728245032_c3488e5f13_z.jpg|250px]]
|nombrecompleto = Antonio Edmundo Monsanto
|nacimiento = 10 de septiembre de 1890, Caracas - Venezuela
|fallecimiento = 16 de abril de 1948, Caracas - Venezuela
|nacionalidad = Venezolano
|area = Pintor, docente y promotor del arte moderno en Venezuela
|firma =
}}

{{
#display_points:
Caracas Venezuela,Venezuela~Caracas~Lugar de nacimiento y Lugar de su Obra
}}

==Vida y obra==
Pintor, docente y promotor del arte moderno en Venezuela. Hijo de Juan Monsanto y de Dolores Cocking de Monsanto. Inicia estudios regulares en el Colegio San Nicolás y posteriormente en el Colegio Teresa Eduardo, en donde asiste a las clases de pintura que impartía su tía materna Amelia Cocking. Más tarde estudia en el Colegio Sucre (Caracas), a cargo entonces del doctor José Manuel Núñez Ponte y, posteriormente, en la Escuela Politécnica dirigida por el doctor Luis Ezpelosín. En 1904 ingresó a la Academia de Bellas Artes que dirige entonces Emilio J. Mauri; además de recibir clases de dibujo y pintura, comienza a demostrar gran interés por el estudio de la historia del arte. Hacia 1906, junto con Manuel Cabré, comienza a pintar paisajes y vistas urbanas caraqueñas. Monsanto tomará varias veces como motivo El Calvario y sus alrededores. En 1907 se le otorga uno de los premios en el concurso anual de la Academia por su obra titulada Paisaje; José Semprúm publica un artículo resaltando la relevancia de esta obra y las de otros dos artistas que también fueron premiados al recrear el paisaje nacional (El Cojo Ilustrado, 1 de septiembre de 1907). De esta fecha también es Sabana del Blanco (colección Cecilia Monsanto, Caracas), en donde está presente la influencia académica, aunque "se manifiestan en ella las líneas directrices que en lo adelante regirán el pensamiento plástico de Monsanto: observación profunda de la naturaleza, ritmo y equilibrio en la estructura compositiva, armonía cromática del conjunto" (1990, p. 37). Es evidente que por sus investigaciones plásticas del paisaje, Monsanto y otros pintores no estaban conformes con las viejas enseñanzas de la Academia que básicamente consistían en un afinado realismo y en la utilización de tonos grises y oscuros.

En agosto de 1909, un grupo de estudiantes, entre ellos Monsanto, introducen un documento en el Ministerio de Instrucción Pública en el cual proponen reformas a la vez que hacen una huelga contra el director de la misma, Antonio Herrera Toro. La insurrección no prosperó y el grupo decidió no regresar al plantel. A partir de entonces Monsanto y Cabré utilizan técnicas acordes con sus ideas sobre la manera de representar el paisaje local. De esta época es su óleo Marina (1910, colección Museo Caracas, Palacio Municipal, Caracas), en donde los colores son mucho más luminosos que en sus anteriores obras. Monsanto figura entre el grupo de pintores, poetas y músicos que fundaron el Círculo de Bellas Artes el 28 de agosto de 1912; en esta agrupación él y Cabré guiarán los cambios en la pintura, siendo uno de los más importantes el salir a pintar al aire libre; de aquí la relevancia de Monsanto en la historia de la plástica venezolana. Monsanto participa en la primera exposición del Círculo, organizada en el foyer del Teatro Calcaño (Caracas) en enero de 1913. Posteriormente envía obras al I Salón Anual del Círculo de Bellas Artes (Teatro Calcaño, Caracas), en septiembre. En esa ocasión, Leoncio Martínez comentó su "facilidad asombrosa" (El Universal, 10 de septiembre de 1913). Entre las obras enviadas se encontraban paisajes de El Calvario, el jardín del los Uslar en La Vega, retratos de mujer y un estudio de un Cristo de madera. De 1913 es su Iglesia de La Candelaria, reproducida en El Cojo Ilustrado (15 de octubre de 1913). Monsanto participa posteriormente, con paisajes y estudios, en el II Salón Aniversario en septiembre de 1914, pero su ausencia es subrayada en el III Salón, de 1915.

Entre 1918 y 1920 va a recibir la influencia del arte impresionista de dos pintores que llegan a Venezuela: el rumano Samys Müztner y el venezolano, radicado en Francia, Emilio Boggio; la obra de Monsanto titulada Figura bajo una trinitaria (1919, colección privada), recoge esta influencia con sus tonos pasteles aplicados con la técnica puntillista. Monsanto también reconoce que su estructura plástica es absolutamente cézanniana, al organizar con un sentido lógico la visión que tiene el ojo de la naturaleza. Cabe destacar que el artista, desde 1906, realizó retratos como ejercicio plástico, entre los que se encuentran el de su tía Amelia Cocking (colección Isabel Cecilia Monsanto de Giordano) y dos autorretratos. En mayo de 1920 participa junto a Armando Reverón, Federico Brandt y Nicolás Ferdinandov en una exposición realizada en el Gran Salón de la UCV. En los años veinte, Monsanto se vuelve muy autocrítico con su obra, y destruye muchos de sus trabajos que considera sin valor; de esta época se conservan las obras Calle de La Guaira con figuras (1921), Retrato de Dolores Cocking de Monsanto (1922, colección Isabel Cecilia Monsanto de Giordano) y Naturaleza muerta (1928), entre otras. No se han encontrado obras posteriores a 1929; Monsanto se dedica a la restauración, crítica y estudio de obras de arte. El año 1936 marca su etapa más importante en la enseñanza artística venezolana; ese año el ministro de instrucción pública lo nombra director de la Academia de Bellas Artes, cargo que desempeñó hasta su muerte. Con este nombramiento se le cambia el nombre a la Academia por el de Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas. Entre las innovaciones promovidas por él en la escuela se cuentan la coordinación de la sección de arte aplicado dividida en los talleres de grabado, cerámica, vitral, esmalte, artes textiles y escenografía; también instaura en la sección de arte puro las asignaturas de teorías artísticas, pintura mural, psicología artística y dibujo ornamental; el mismo Monsanto impartirá las cátedras de composición y análisis plásticos y hará secciones de crítica. Fue en esta época cuando se conocieron abiertamente en el país las tendencias modernas como el cubismo, el futurismo y el fauvismo. Por otra parte, se promovió la formación de profesores de dibujo y artes manuales y la sección superior de profesores de artes plásticas. Todas estas renovaciones le dieron a la escuela un gran valor e importancia sin igual. A Antonio Edmundo Monsanto también se debe la instauración de los Salones Oficiales (1940) y los premios de estímulo para pintores nacionales. En 1942, el MBA incluyó diez obras datadas entre 1913 y 1928 en la "Exposición del paisaje venezolano". A la colección GAN pertenecen: Paisaje —alrededores del cementerio de los Hijos de Dios— (1908), Camino (1918), Iglesia del Carmen (1920), Calle de La Guaira (1920) y Marina (sin fecha). Alejandro Otero comentó sobre Monsanto que cada obra suya "prácticamente no se repitió jamás, es un ejemplo de rigor, de unidad sin debilidades, como una demostración científica de lo que puede ser el desarrollo, hasta sus últimas consecuencias, de una idea estética sostenida por una visión coherente de la realidad" (El Nacional, 13 de mayo de 1990).

===Obras de Antonio Edmundo Monsanto===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:Iglesia_del_Carmen_-_Antonio_Edmundo_Monsanto.jpg | Iglesia Del Carmen. 1920. Óleo sobre madera. Colección Galería de Arte Nacional. 36,6x 44,4cm.
Imagen:Marina_-_Antonio_Edmundo_Monsanto.jpg‎ | Marina. Sin fecha. Óleo sobre tela.Colección Galería de Arte Nacional. 25x33,8 cm.
Imagen:Copia_de_alrededores_del_cementerio_de_los_hijos_de_dios.JPG | Alrededores del cementerio de los Hijos de dios. 1908. Óleo sobre tela. 28,5 x 43 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_calle_de_la_guaira.JPG‎ | Calle de la Guaira. 1920. Óleo sobre tela. 46 x 37,6 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_Caracas-_camino.JPG | Caracas- Camino. 1918. Óleo sobre tela. 41 x 33 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_Paisaje_del_avila.JPG‎ | Paisaje del Ávila. 1913. Óleo sobre tela. 30 x 45 cm. CONAC.
</gallery>

==Exposiciones póstumas==
*1958 Sala Mendoza

==Premios==
*1907 Premio de pintura, Academia de Bellas Artes

==Colecciones==
Fundación Polar, Caracas / GAN / Museo Caracas, Palacio Municipal, Caracas

==Fuentes==
*Cabré y Monsanto. Hacia la reinvención del paisaje (catálogo de exposición). Caracas: GAN, 1990.
*Madriz Nava, Argenis. La enseñanza de la educación artística en Venezuela. Caracas: GAN, 1986.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve
*Carlos Eduardo Morillo. Estudiante de la Licenciatura en Historia del Arte en la Universidad de los Andes

==Comentarios==
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Pantin, Anita

2013-06-15T15:53:59Z

Carlos Eduardo Morillo: /* Créditos */

{{Ficha de artista
|titulo = Anita Pantin
|imagen = [[Imagen:Images.jpeg‎|250px]]
|nombrecompleto = Anita Pantin
|nacimiento = 8 de abril de 1949, Caracas - Venezuela
|fallecimiento =
|nacionalidad = Venezolana
|area = Pintora, dibujante y diseñadora escénica
|firma =
}}

{{
#display_points:
Caracas Venezuela,Venezuela~Caracas~Lugar de nacimiento;
Caracas Venezuela,Venezuela~Caracas~Lugar de su Obra;
Ciudad Bolívar Edo. Bolívar Venezuela,Venezuela~Ciudad Bolívar~Lugar de su Obra
}}

==Vida y obra==
Pintora, dibujante y diseñadora escénica. Realizó estudios de pintura en el Taller Episcopo de Roma (1963) y cursos libres en la Escuela Cristóbal Rojas. En 1965 estudia en el taller de Francisco San José, posteriormente, en el Instituto Neumann y el taller de Luisa Palacios (1969). En 1972 realiza una pasantía en Florencia (Italia). En 1976 viaja a Nueva York para realizar cursos de video en MERC; de escultura con Priscilla Heep en la Universidad Apple y de holografía con Sam Moree y Daniel Schweitzer. Su interés por las artes escénicas la llevan a realizar diferentes pasantías: en el Théâtre La Salamandre (Lille, Francia, 1980) y en el Atelier de Réalisation de Decors Multiscenic de París (1982), así como en La Comedia Francesa de París (1984). A partir de 1970 participa en diferentes muestras colectivas y salones: "Gráfica 2" (Sala Mendoza) y "Joven actualidad I" (Galería Estudio Actual, Caracas, 1970); "Gráfica VII. Dibujos y acuarelas" (Sala Mendoza) y Salón de Dibujo y Grabado (ULA, 1975) y "Once tipos" (Sala Mendoza, 1976). En 1977 presenta su primera individual "Dibujo, pintura y gráfica" (Sala Mendoza), pinturas de gran formato y serigrafías con fuertes contrastes. Continúa su participación en las colectivas "Dibujos y acuarelas" (Sala Mendoza, 1978), "Tendencias figurativas contemporáneas" (GAN, 1979) y "Nuevo dibujo en Venezuela" (BCV, 1979). Artista multidisciplinaria, su obra se ha vinculado a proyectos musicales y teatrales. Tres de sus cuadros inspiraron al músico Juan Carlos Núñez para la composición de una pieza musical de cámara titulada Tres cuadros de Anita Pantin (1980); en este año participa en "La naturaleza y la huella del hombre" (Sala Mendoza).

Anita Pantin manifiesta una inquietud constante por unificar los distintos lenguajes de la plástica, traducida en su destacada intervención en las artes escénicas como diseñadora de vestuario, escenografía y máscaras para teatro, ópera y danza. Su obra La doña formó parte del montaje experimental Paisajes de soles y neblina con puntos de sangre del grupo teatral Expresarte (1983). En 1985 diseña el vestuario de la ópera Madame Butterfly, cuyos bocetos, lienzos de gran formato, fueron exhibidos en la exposición "El arte de vestir a Madame Butterfly", en la Sala de Exposiciones del Complejo Cultural Teresa Carreño (Caracas). Esta experiencia como diseñadora se repetirá en 1986, cuando tiene a su cargo el diseño del vestuario y la escenografía de la ópera Tosca y de la obra teatral Acto cultural. En la década de los ochenta participa en diferentes colectivas como "Jeunes artistes vénézuéliens" (Sala Cristóbal Rojas, Embajada de Venezuela, París, 1982), la Bienal de La Habana (1986), el Gran Premio Christian Dior de Artes Visuales (Centro de Arte Euroamericano, Caracas, 1987) y el Salón Metro de Caracas (1988). En 1992 se establece en Austin (Texas, Estados Unidos), donde todavía reside, para desarrollar un proyecto de investigación acerca de personajes históricos y populares de América Latina en el Instituto de Estudios Latinoamericanos de la Universidad de Texas (Austin, Texas, Estados Unidos), donde comienza a trabajar con tecnología multimedia y digital. Con esta técnica Anita Pantin crea una serie de Imágenes de Simón Bolívar basadas en la intervención de imágenes del Libertador hasta lograr la desacralización del héroe. Eduardo Planchart reflexiona sobre esta etapa del trabajo de Pantin: "materializa su lenguaje plástico a través de las herramientas que le permite la computación: la recreación y la síntesis, creando así una nueva propuesta basada en la iconografía republicana, en las cuales la artista profundiza al Libertador, contemporaneizándola sin trasgredirla". Con un grupo de artistas participa en la publicación digital Ánima. Entre sus trabajos multimedia más destacados se encuentran Auxilio and au secours (1998), producción digital diseñada para video; Lance (1998), y Los tres yo (1998), presentación realizada en el marco de Gerencia '98, en el Complejo Cultural Teresa Carreño (Caracas).

===Obras de Anita Pantin===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:Copia_de_angel_circa.JPG | Ángel. 1979. Acrílico y grafito en polvo sobre tela. 154x 200 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_guaraira_repano.JPG | Guaraira Repano. 1976. Acrílico y creyón sobre tela. 140x 200,5 cm. CONAC.
</gallery>

==Videos==
{{#ev:youtube|zuL54VY80pc|500}}

==Exposiciones individuales==
*1977 Sala Mendoza
*1985 "El arte de vestir a Madame Butterfly", Complejo Cultural Teresa Carreño, Caracas

==Colecciones==
GAN / Museo de Ciudad Bolívar

==Fuentes==
*Cinap, P 11.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve
*Carlos Eduardo Morillo. Estudiante de la Licenciatura en Historia del Arte en la Universidad de los Andes

==Comentarios==
<comments voting="Plus" />

[[Category:ARTISTAS]]
[[Category:CARACAS]]
[[Category:CIUDAD BOLÍVAR]]
[[Category:SIGLO XX]]
[[Category:DISEÑO ]]
[[Category:PINTURA]]
[[Category:DISEÑO ESCÉNICO]]
[[Category:FEMENINO]]
[[Category:Completar imágenes]]
[[Category:Completar texto]]

Palacios, Alirio

2013-06-15T15:52:29Z

Carlos Eduardo Morillo: /* Créditos */

{{Ficha de artista
|titulo = Alirio Palacios
|imagen = [[Imagen:Fotografia_alierio_palacios23444.JPG‎|250px]]
|nombrecompleto = Alirio Palacios
|nacimiento = 12 de diciembre de 1944, Tucupita, Edo. Delta Amacuro - Venezuela
|fallecimiento =
|nacionalidad = Venezolano
|area = Dibujante, grabador, pintor y diseñador gráfico
|firma =
}}

{{
#display_points:
Tucupita Edo. Delta Amacuro Venezuela,Venezuela~Tucupita~Lugar de nacimiento;
Nueva York Estados Unidos,Estados Unidos~Nueva York~Lugar de su Obra
}}

==Vida y obra==
Dibujante, grabador, pintor y diseñador gráfico. Realizó sus estudios primarios en el campo petrolero de San Tomé y en El Tigre (Edo. Anzoátegui), y de arte puro y artes gráficas en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas (1954-1960). Entre sus maestros estaban Alejandro Otero, Mateo Manaure, Gerd Leufert y Gego. En 1957 obtiene el premio de artes gráficas, sección afiches, en la Escuela Cristóbal Rojas, y en 1961 participa en el Salón Planchart y en el XXII Salón Oficial, donde recibe dos premios: el Henrique Otero Vizcarrondo y el Roma, el cual le valió un viaje a Europa. Este mismo año representa a Venezuela en el VII Festival de la Juventud en Viena. Al año siguiente expone con Francisco Bellorín en la Escuela Cristóbal Rojas. Entre 1961 y 1962 vive en Italia y estudia en la Academia de Bellas Artes de Roma. En 1962 recibe una beca del gobierno chino para estudiar escenografía; se traslada a Pekín y se inscribe en la Universidad de Bellas Artes, donde estudia xilografía en la Facultad de Grabado con Li Ko Yang y el decano Li Hua. De esa época es su Estudio de cabeza de cabra (xilografía, 1963) y Estudio para pájaros, según Pai-She (tinta china, pigmento y agua de té sobre papel de arroz, 1963). A partir de su estadía en China desarrolla el trazo caligráfico que le dará un sello particular a su trabajo y perfecciona el uso de la tinta y el color negro. En 1965 regresa a Venezuela y trabaja en el Taller de Diseño del Inciba con Alejandro Otero, quien declaraba que "Alirio es el único caso que conozco en que una sensibilidad y una experiencia de pintor en lugar de resolverse en la tela, por la pintura, o directamente sobre el papel, por el dibujo, se resuelven por el buril a través de la plancha grabada, o por otras técnicas propias de este medio gráfico" (citado en González, 1976). En 1966, junto a Manuel Espinoza y José Antonio Dávila, forma parte de una colectiva en la Sala Mendoza. Participa en el XXVII Salón Oficial con tres óleos sobre tela: Flores para el estudiante muerto, Tejedor de energía Dios I y Tejedor de energía Dios II. En 1968 se encarga del diseño de la Revista Nacional de Cultura y de la revista Imagen, y participa en el X Salón Nacional de Dibujo y Grabado (Facultad de Arquitectura y Urbanismo, UCV).

A finales de 1968 inicia sus estudios en la Universidad de Varsovia, donde se especializa en técnicas gráficas con Ruzinski y diseño con Tomasweski. En 1969 asiste al taller de grabado de la Academia de Arte de Berlín Occidental y en 1970 expone en la Galería Stara Kodergarda en Varsovia. Entre 1970 y 1972 reside en Caracas hasta que en 1973 se traslada a Ginebra (Suiza) y estudia en el Centro del Grabado Contemporáneo. En 1974 prosigue sus estudios de grabado en Cracovia (Polonia), especializándose en aguafuerte y mezzotinta, técnica con la que produce grabados ejemplares. Entre 1975 y 1984 vive y trabaja en Caracas, retoma el diseño de la Revista Nacional de Cultura, comienza a impartir clases de ilustración en el Instituto Neumann y forma parte del programa de pintura infantil en calles y clases promocionado por la Gobernación del Distrito Federal (Caracas). Después de una etapa marcada por la influencia de la nueva figuración y Francis Bacon, como se observa en obras como Anunciación (mezzotinta, 1975), y una serie de dibujos poéticos en donde las figuras se diluyen en espacios cerrados, comienza a trabajar la serie Memorias del latifundio, en la que emergen personajes provenientes del realismo mágico, que habitan espacios indefinidos, acompañados de criaturas, perros, pájaros y caballos. En esos trabajos, ejecutados con pigmentos diluibles al agua sobre tela, predominan las veladuras, los planos geométricos y los trazos libres, en los que se unen las disciplinas gráficas, el dibujo y la pintura, como en Diálogo horizontal y fauna mayor (tinta, creyón sobre papel perforado, 1981). Desde ese momento trabaja el papel como una matriz de grabado, realizando trazos con buriles, impresiones en seco de rejillas y cuadrículas, incisiones y perforaciones; por otra parte comienza a empatar las láminas de papel para elaborar obras en formatos más grandes. En 1976 funda junto a otros artistas venezolanos el TAGA. En 1977 recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas y se incorpora al equipo docente del Cegra, y con Carlos Hernández Guerra representa a Venezuela en la XIV Bienal de São Paulo. Juan Calzadilla escribe en esa época: "Palacios se plantea la elaboración pictórica como un ejercicio antiacadémico, que rechaza las transposiciones fotográficas y los efectos fijos de una imagen descriptiva. En este sentido, él es fiel a su formación dibujística, por muchas razones emparentadas a la impronta caligráfica, y no podemos perder de vista, para comprender su pintura, que Palacios es un notable grabador que no desdeña emplear ninguna de las técnicas que están al alcance de su mano" (1977). En 1979 viaja a Bulgaria como comisario de la representación venezolana en la III Trienal de la Pintura Realista. En esa época realiza numerosos dibujos con pastel, creyón y carboncillo, como Nunca la veo del mismo modo IV (colección GAN, 1979). En 1981 gana uno de los tres premios de adquisición (GAN) en la I Bienal Nacional de Artes Visuales, en el MBA.

En 1985 viaja a Nueva York e instala su taller en el Soho. Este año es nombrado asesor cultural del Consulado de Venezuela en esa ciudad. En 1987 es adscrito a la misión permanente de Venezuela ante la ONU como consejero cultural. En los años noventa inició las series de Caballos mágicos, inspirados en la pintura china y formó parte de múltiples colectivas, entre las que destacan: "Magic and Reality" (Kent Fine Art, Nueva York, 1990), "Perspective on the Present Contemporary Painting in Latin America" (Museo de Arte, Nagoya, Japón, 1991), "Los 60. La década prodigiosa" (MBA), "Plástica de América Latina y el Caribe" (UNESCO, París, 1999) y "Plástica latinoamericana" (Espacio Cultural de Colombia, Washington, 1999). En sus últimas obras, Palacios ha retomado la tradición oriental de la xilografía y las figuras emblemáticas, para desarrollar dibujos, grabados y ensamblajes en madera inspirados en el arte chino, entre ellas Sobre el caballo de Lin-Ku-Lin (tabla grabada con la cual realizó una edición intervenida). Por otra parte, en su serie de Concretografías (1998-1999), ha desarrollado impresiones de "paisajes" gestuales a partir de matrices de concreto. En la actualidad vive entre Nueva York y Caracas. La GAN tiene en su colección un significativo número de obras (serigrafías, mezzotintas, pinturas) fechadas entre 1972 y 1987, entre ellas Bautizados y herejes (carboncillo y acrílico, 1979) y Diálogo interior de la familia hereje (tinta, creyón y pastel sobre papel, 1981).

===Obras de Manuel de la Fuente===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:Copia_de_a_proposito_de_goya.JPG‎ | A propósito de Goya . 1998. Xilografía y tinta china. 239,8 x 245 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_a_proposito_de_un_autor_anonimo_sobre_la_reina_isabel.JPG‎ | A propósito de un autor anónimo sobre la Reina Isabel. 1995. Xilografía y tinta china. 165 x 312 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_amigos_1975.JPG | Amigos. 1975. Aguafuerte y Buril 3/6. 49,3 x 42,3 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_amigos.JPG | Amigos. 1974. Mezzotinta. 11,2 x 14,6 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_angel.JPG‎ | Ángel. 1994. Xilografía 1/1 y tinta china. 190 x 104,3 cm. CONAC
Imagen:Copia_de_aquella_noche_de_amor.JPG | Aquella noche de amor. Sin fecha. Óleo sobre tela. 146 x 180 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_bautizados_y_herejes.JPG | Bautizados y herejes. 1979. Carboncillo y acrílico sobre tela. 161 x 161 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_caballo.JPG | Caballo. 1990. Xilografía sobre papel de arroz. 181,5 x 173,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_depues_de_vermeer.JPG | Después de Vermeer. 1998. Xilografía. 200 x 200 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_dialogo_de_una_familia_hereje.JPG | Diálogo de una familia hereje. 1981. Carboncillo, tinta, grafito, pastel, sanguina, acrílico, creyón, repujado, perforaciones sobre papel adherido a tela. 221,7 x 154,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_dialogo_horizontal_y_la_fauna_mayor.JPG | Diálogo Horizontal y la fauna mayor. 1980-1981. Grafito, tinta, sanguina, acrílico, creyón, pastel, carboncillo, repujado sobre papel adherido a tela. 224,7 x 112,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_dialogo.JPG | Diálogo. 1975. Aguafuerte y aguatinta (1/5). 69,5 x 49,1 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_el_hombre_que_desembarco_en_ocumare.JPG |El hombre que desembarcó en Ocumare. 1981. Serigrafía sobre papel. 167,2 x 70 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_espiritus_cruzan_el_bosque_inundado.JPG‎ | Espíritus cruzan el bosque inundado. 1990. Mixta sobre tela, pigmentos naturales, y tinta negra sobre tela. 230,4 x 330,4 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_guerreros_de_tung_huang_2.JPG‎ | Guerreros de Tung-Huang 2. 1995. Xilografía y tinta china. 195,7 x 183 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_homenaje_a_la_calle_spadzispa.JPG‎ | Homenaje a la calle Spadzispa. 1975. Mezzotinta (1/20). 14,8 x 11,3 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_inmigrantes.JPG‎ | Inmigrantes. 1973. Mezzotinta y punta seca (9/10). 14,9 x 11,6 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_la_muchacha_de_la_boteita.JPG‎ | La muchacha de boleíta. 1991. Xilografía sobre papel de arroz. 174,5 x 92 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_los_perros_que_se_volvieron_duendes.JPG | Los perros que se volvieron duendes. 1985. Grabado. 102 x 81,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_nunca_veo_del_mismo_modo_4.JPG‎ | Nunca la veo del mismo modo IV. 1979. Pastel, creyón y carboncillo sobre papel. 114 x 82 cm. CONAC
Imagen:Copia_de_personaje_2.JPG‎ | Personaje 2. 1995. Xilografía y tinta china. 190,3 x 105,1 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_retrato_de_jose_gregorio_hernandez.JPG‎ | Retrato de José Gregorio Hernández. 1999. Mixta. 182,5 x 174,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_simon_bolivar.JPG‎ | Simón Bolívar. 1987.Serigrafía sobre papel. 206 x 131 cm. Instituto nacional de Hipódromos, en comodato.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1980.JPG‎ | Sin título. 1980. Serigrafía y litografía sobre papel. 52 x 37,9 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1981_serie_paisajes_de_la_memoria.JPG‎ | Sin título. Serie: paisajes de la memoria. 1981. Serigrafía. 57 x 44,9 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_19955660.JPG‎ | Sin título. 1990. Serigrafía y trece tintas. 57,5 x 76,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_2000.JPG‎ | Sin título. 2000. Aguafuerte y aguatinta. 75,7 x 54,9 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_version_de_pajaro_y_perro_para_reconstruir_a_los_herederos_del_latifundio.JPG‎ | Versión de pájaro y perro para reconstruir a los herederos del latifundio. 1982. Tinta, acuarela y lápiz sobre tela y papel. 168,5 x 153 cm. CONAC.
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==Videos==
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==Exposiciones individuales==
*1964 Asociación de Artistas de Pekín, Hotel Hilton, Hong Kong
*1967 Galería Polo & Bot, Caracas / Itinerante de carteles y grabados (organizada por el Inciba), Ciudad Bolívar, Cumaná, Mérida y Boconó
*1970 Galería Stara Kordegarda, Varsovia
*1971 Galería Diego de Rivera, Barquisimeto / Galería Arte Grabado, Caracas
*1974 Galería 2001, Lausana, Suiza
*1975 Galería CH, Rolle, Suiza / Centro del Grabado Contemporáneo, Ginebra, Suiza
*1976 IDC
*1977 "Rescate de una imagen", Galería Estudio Actual, Caracas
*1978 "Paisajes espirituales", Galería Estudio Actual, Caracas / BN
*1981 "Revelación de un rostro", Sala Mendoza
*1986 "Memorias del latifundio", Galería Freites, Caracas / Galería Littlejohn-Smith, Nueva York
*1988 Galería Littlejohn-Smith, Nueva York
*1989 "Dibujos de Alirio Palacios en la Academia de Artes de Pekín", Asociación Cultural Maraven, Caracas
*1992 "Entre lo real y sus signos", MBA / "Forma y espíritu", Galería Freites, Caracas
*1993 Universidad de Nuevo México, Albuquerque, Nuevo México, Estados Unidos / "Millenary Knowledge and Tropical Imagery", Galería Freites-Revilla, Boca Ratón, Florida, Estados Unidos
*1994 Galería Arteconsult, Panamá
*1998 "Secuencias de lo mágico-religioso: obras sobre papel", Museo José Luis Cuevas, Ciudad de México / "Apparitions", Galería Freites-Revilla, Coral Gables, Florida, Estados Unidos
*1999 "Xilografías y concretografías", MBA
*2000 "Xilografías y concretografías 1994-1999", Centro Cultural Eladio Alemán Sucre, Valencia, Edo. Carabobo
*2002 Museo Cruz-Diez

==Premios==
*1957 Premio de artes gráficas, sección de afiches, Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas
*1959 Segundo premio de dibujo, "Primera exposición nacional de dibujo y grabado", Facultad de Arquitectura y Urbanismo, UCV
*1960 Tercer premio, I Salón de las Artes Aplicadas, Casa de la Cultura, Maracay
*1961 Premio Henrique Otero Vizcarrondo, XXII Salón Oficial / Premio Roma, XXII Salón Oficial / Premio Arturo Michelena (compartido con Armando Pérez), XIX Salón Arturo Michelena
*1964 Segundo premio, III Salón Aragua, Casa de la Cultura, Maracay
*1966 Premio Roma, XXVII Salón Oficial / Medalla de oro, Bienal Gráfica de Barranquilla, Colombia
*1967 Premio Roma, XXVIII Salón Oficial / Primer premio, V Salón Aragua, Casa de la Cultura, Maracay / Primer premio, IX Salón Nacional de Dibujo y Grabado, Facultad de Arquitectura y Urbanismo, UCV
*1968 Premio Fundación Mendoza, X Salón Nacional de Dibujo y Grabado, Facultad de Arquitectura y Urbanismo, UCV / Premio Emil Friedman, XXIX Salón Oficial
*1971 Medalla de oro, I Bienal Gráfica de Cali, Colombia / Premio de adquisición para grabado, I Salón Nacional de Jóvenes Artistas, Casa de la Cultura, Maracay / Medalla de oro, III Bienal Internacional de Gráfica, Florencia, Italia
*1976 Bolsa de trabajo, Salón Las Artes Plásticas en Venezuela, MBA
*1977 Premio Nacional de Artes Plásticas, Caracas
*1980 Primer premio, II Salón del Dibujo Actual en Venezuela, Fundarte
*1981 Premio de adquisición, I Bienal Nacional de Artes Visuales, MBA / Premio Andrés Pérez Mujica, XXXIX Salón Arturo Michelena
*1984 Premio Internacional Flavio de Carvalho, I Bienal de La Habana / Primer Premio Ciudad de La Habana, I Bienal de La Habana

==Colecciones==
Asociación de Artistas Plásticos de Shangai, China / Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo / Banco Mercantil, Caracas / BN / Casa de las Américas, La Habana / Centro del Grabado Contemporáneo, Ginebra, Suiza / Galería Municipal de Arte, Puerto La Cruz / GAN / MACCSI / Museo de Bellas Artes, Ginebra, Suiza / Museo de Brooklyn, Nueva York / Museo Nacional de Varsovia / UCV / Universidad de Arte, Varsovia / Universidad de Bellas Artes, Pekín

==Fuentes==
*Arráiz, Antonio. Memorias del latifundio (catálogo de exposición). Caracas: Galería Freites, 1986.
*Calzadilla, Juan. "Alirio Palacios: vigilia, espacio y conflicto". En: Dibujos de Alirio Palacios: el hombre perdido en su aldea (catálogo de exposición). Caracas: XIV Bienal de São Paulo, 1977.
*Cinap, P 7.
*González, Olga. "Mezzotintas de Alirio Palacios". En: Revista Nacional de Cultura, 224. Caracas, abril-mayo de 1976.
*Xilografías y concretografías (catálogo de exposición). Caracas: MBA, 1999.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve
*Carlos Eduardo Morillo. Estudiante de la Licenciatura en Historia del Arte de la ULA.

==Comentarios==
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Dibujante, grabador, pintor y diseñador gráfico

Oramas, Alirio

2013-06-15T15:51:40Z

Carlos Eduardo Morillo: /* Créditos */

{{Ficha de artista
|titulo = Alirio Oramas
|imagen = [[Imagen:GAN_A_Oramas.jpg|250px]]
|nombrecompleto = Alirio Oramas
|nacimiento = 30 de agosto de 1924, Caracas - Venezuela
|fallecimiento =
|nacionalidad = Venezolano
|area = Pintor
|firma =
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{{
#display_points:
Caracas Venezuela,Venezuela~Caracas~Lugar de nacimiento y Lugar de su Obra;
Valencia Carabobo Venezuela,Venezuela~Valencia, Carabobo~Lugar de su Obra;
Maracaibo Zulia Venezuela,Venezuela~Maracaibo Zulia~Lugar de su Obra
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==Vida y obra==
Pintor. Hijo del arqueólogo Luis Ramón Oramas, quien fuera director del jardín botánico del Parque El Calvario, y Blanca Príncipe. Se interesó por la pintura desde temprano y realizó dibujos de petroglifos y piezas de cerámica para ilustrar las publicaciones de su padre. En 1944 culmina el bachillerato en el Colegio San Ignacio de Loyola y, entre 1945 y 1946, trabaja como maestro de primaria en la Escuela Vicente Salias de Los Teques, al tiempo que asiste a cursos de especialización en la Escuela Experimental Venezuela (Caracas). Conoce al escultor uruguayo Germán Cabrera, quien lo motiva a inscribirse en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas (1946), donde fue discípulo de Juan Vicente Fabbiani y Rafael Monasterios en dibujo y Pedro Ángel González en grabado. Durante un tiempo colabora en la revista Luz y realiza linóleos y dibujos. Continúa dando clases hasta que recibe una beca que le permite dedicarse a pintar en su taller. Forma parte del grupo La Barraca de Maripérez, luego de haber sido expulsado junto a otros alumnos de la Escuela; en 1948 se funda el Taller Libre de Arte, que dirige hasta 1951. En 1950 publica la revista Taller y, en mayo de ese año, aparece suscribiendo el tercer número de la revista Los Disidentes. En este período, su obra pictórica sigue una tendencia expresionista constructiva, que caracteriza las series de Las sillas, Los mandingas, Los puertos y Los papagayos. Asiste a su padre en proyectos de arqueología y visita en varias ocasiones a Armando Reverón en Macuto. En 1951 recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas en el XII Salón Oficial por su obra Papagayos (llamada también Cometas y papagayos, colección GAN), en la que se percibe un estudio de las formas geométricas.

En 1952 viaja a Nueva York para luego trasladarse a París, donde asiste a la academia de La Grande Chaumière y al Taller de Arte Abstracto de Jean Dewasne y Edgar Pillet. Visita a Georges Braque y a André Breton; por un tiempo comparte habitación con Sam Francis y Gonzalo Fonseca, para luego mudarse a un estudio en la 22 rue du Seine. En 1952 expone "Las progresiones" (Galería Arnaud, París), de tendencia geométrica. En la Escuela del Louvre estudia historia del arte, arqueología y museología, áreas que también perfecciona en el Museo del Hombre y en el Museo de Monumentos y Tradiciones Populares en París. Entre 1953 y 1955 viaja por Europa, en 1954 realiza cerámicas en el taller de Savigni en Montparnasse (París), junto a Fonseca; ese año participa en el Salón de Mayo de París y conoce a Lucila Maza Zavala, estudiante de arte con quien contrae matrimonio al año siguiente. Finalmente se radica en Barcelona (España), donde trabaja en restauración en el Museo de la Ciudad. Conoce a Joan Miró, y pinta y expone junto a artistas como Antoni Tàpies, Modest Cuixart, Rafael Canogar y Josep Guinovart.

En 1956 regresa a Venezuela y realiza cuatro murales para la Ciudad Universitaria de Caracas, tres para la Biblioteca Central y uno para la Facultad de Arquitectura y Urbanismo, con motivos surgidos de Las progresiones trabajadas en París. En 1958 realiza policromías para el Banco Obrero. En 1959 viaja a Roma, donde rompe con la pintura geométrica e incursiona en el informalismo, dándole preponderancia al gesto sobre las formas; en ese período trabaja con ensamblajes y collages de gran formato. En 1961 participa en la Bienal de Venecia con obras informalistas como Teddy Boy y L'operatio. Viaja a París y realiza trabajos con action painting. En 1962 regresa a Italia, donde es contratado por la Galería El Cavalino (Venecia) y toma un curso de restauración en el Istituto Nazionale per il Restauro (Roma). Vuelve a Venezuela en 1963 y, al año siguiente, comienza a dar clases en la Escuela Cristóbal Rojas. En 1965 funda los Talleres Periféricos de Arte del Inciba, el Taller El León de Oro (con otros artistas) y, posteriormente, el movimiento expansionista junto a Omar Carreño. A partir de 1966 empieza a utilizar la manzana en su obra como leitmotiv, con el uso de plantillas y pintura spray con transparencias. En 1974 funda, junto a Lucila de Oramas, el Museo Armando Reverón (Macuto, Edo. Vargas), que dirigió hasta 1977. En este museo intenta recuperar el ambiente del Castillete y los objetos del artista que, para ese entonces, aún no eran una colección formal. En 1977 organiza una importante exposición de objetos de Reverón en el Museo Emilio Boggio. En 1980 ocupa temporalmente el cargo de director del Museo Emilio Boggio como suplente. A partir de 1981 realiza performaces, como El coito de Adán y Eva (MBA, 1981), La creación de Adán (Parque Central, Caracas, 1982), El paso de Mercurio y El asesinato de la paleta (ambos en la GAN, 1985). En 1983 viaja a París y concibe un proyecto en performance llamado El camino de las estrellas, inspirado en el camino de Santiago, una peregrinación por los hoteles que se encuentran en la rue Saint-Jacques, con fotos y diarios. En un estudio en Vincennes (Francia) comienza a trabajar un personaje imaginario llamado Peter Müller, soldado alemán, alter ego del artista; pinta en gran formato, realiza tapices y objetos sobre la historia de este personaje. En 1985 regresa a Venezuela e, inspirado por la Melancolía de Alberto Durero, trabaja una serie de pinturas. En 1988 realiza serigrafías de su obra anterior con el impresor Simón Guerrero. En 1991 es jubilado de la Escuela Cristóbal Rojas y, en la Galería Espiral de dicha institución se le organiza una exposición homenaje. En 1993, luego de un reposo de un año debido a una intervención quirúrgica, retorna a su trabajo y crea el grupo de talleres Crea 10 junto a artistas jóvenes, en la antigua sede de la Escuela Cristóbal Rojas. Al año siguiente indaga aspectos esotéricos y mitológicos en su serie Mitos y talismanes. En 1996 viaja a La Habana para donar una obra gran formato a la Casa Simón Bolívar.

Oramas ha participado en el Salón Oficial (desde 1944 hasta 1964), en las ediciones XXIV y XXV del Salón Arturo Michelena (1966 y 1967) y en exposiciones colectivas, entre las que se cuentan "22 pintores venezolanos hoy" (itinerante por Chile, Uruguay y Perú, 1963), "Visión de la pintura en Venezuela" (Palacio de Bellas Artes, La Habana, 1975), "Arte constructivo venezolano. 1945-1965: génesis y desarrollo" (GAN, 1979), "Indagación de la imagen (la figura, el ámbito, el objeto). Venezuela, 1680-1980. Exposición temática. Primera parte" (GAN, 1980), "Tiempo de Gallegos" (GAN, 1985) y "Arte de América" (MBA, 1988). Bélgica Rodríguez ha comentado sobre su obra: "Alirio Oramas es un artista marcado por una tendencia permanente hacia la investigación, hacia las actividades irreverentes ante lo tradicional y lo establecido y por una posición casi mística ante el hecho creador. Una actitud que se ha nutrido siempre de conceptos y teorías que han trascendido el mundo cotidiano del hombre para ubicarse en el nivel de lo esencial y de lo espiritual" (1983). De este artista, la GAN posee en su colección Cometas y papagayos (grafito, tinta china y óleo sobre tela, 1951) y Composición nº 2 (collage sobre madera, 1961).

===Obras de Alirio Oramas===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:Cometas_y_Papagayos.jpeg | Cometas y Papagayos. 1951. Serigrafía Sobre Papel. 74x108cm.
Imagen:Composicion_nº2.JPG | Composición nº2. 1961. Collage. 18,8x37,7 cm.
Imagen:El_cuadro_magico_de_durero_(melancolia_I).JPG‎ | El Cuadro Mágico de Durero "Melancolía I". 1984. Fotocopia ampliada sobre papel. 41,8x29,5 cm.
Imagen:El_cuadro_magico_de_durero_(melancolia_I)_1984_.JPG‎ | El Cuadro Mágico de Durero. 1984. Fotocopia ampliada, intervenida con marcador sobre papel. 111x109 cm.
Imagen:Simultaneidad_cromatica.JPG‎ | Simultaneidad Cromática. 1953. Acrílico sobre tela. 160,3x130,5 cm.
Imagen:Urbe_lunar.JPG | Urbe Lunar. 1980. Acrílico Sobre tela. 115x147,5 cm.

</gallery>

==Exposiciones individuales==
*1951 Embajada de Estados Unidos, Caracas
*1952 "Las progresiones", Galería Arnaud, París
*1961 Galería Jardín de las Artes, Roma
*1962 Galería La Salita, Roma / Facultad de Arquitectura y Urbanismo, UCV
*1966 "El Edén de Adán", Galería XX2, Caracas
*1967 Galería Garuma, Caracas / "Círculos cosmos: transparencias", Galería de Arte Moderno, Caracas
*1968 "Una trayectoria visual: retrospectiva 1948-1968", Galería Banap, Caracas
*1972 "Obras recientes", Galería Humboldt, Caracas
*1977 Galería Carmelo Fernández, Caracas
*1979 Galería Carmelo Fernández, Caracas
*1983 "Adiós a Caracas", Galería Durban, Caracas
*1985 "Del taller de Alirio Oramas hoy", GAN
*1991 "Homenaje a Alirio Oramas", Galería Espiral, Escuela Cristóbal Rojas / "Obras 1948-1988", Galería D'Museo, Caracas

==Premios==
*1951 Premio Nacional de Artes Plásticas, XII Salón Oficial
*1966 Premio Creole, XI Salón D'Empaire / Premio Andrés Pérez Mujica, XXIV Salón Arturo Michelena
*1967 Premio Arturo Michelena, XXV Salón Arturo Michelena
*1998 Premio Nacional de Artes Plásticas, Caracas

==Colecciones==
Ateneo de Caracas / Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo / Banco Mercantil, Caracas / BCV / BN / Conac / GAN / Gobernación del Estado Zulia, Maracaibo / MACCSI / Mamja / Maraven, Caracas / MBA / UCV / UNA / UNEFM

==Fuentes==
*Archivo del artista.
*Cinap, O 10.
*Rodríguez, Bélgica. Adiós a Caracas (catálogo de exposición). Caracas: Galería Durban, 1983.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve
*Carlos Eduardo Morillo. Estudiante de la Licenciatura en Historia del Arte de la ULA.

==Comentarios==
<comments voting="Plus" />

[[Category:ARTISTAS]]
[[Category:CARACAS]]
[[Category:ZULIA]]
[[Category:MARACAIBO]]
[[Category:CARABOBO]]
[[Category:VALENCIA]]
[[Category:SIGLO XX]]
[[Category:PINTURA]]
[[Category:MASCULINO]]
[[Category:Completar imágenes]]
[[Category:Completar texto]]

Otero, Alejandro

2013-06-15T15:50:48Z

Carlos Eduardo Morillo: /* Créditos */

{{Ficha de artista
|titulo = Alejandro Otero
|imagen = [[Imagen:A_otero.jpg‎ |250px]]
|nombrecompleto = Alejandro Otero
|nacimiento = 7 de marzo de 1921, El Manteco, Edo. Bolívar - Venezuela
|fallecimiento = 13 de agosto de 1990, Caracas - Venezuela
|nacionalidad = Venezolano
|area = Pintor y escultor
|firma =
}}

{{
#display_points:
El Manteco Bolívar Venezuela,Venezuela~El Manteco, Edo. Bolívar~Lugar de nacimiento;
Tanaguarena Vargas Venezuela,Venezuela~Tanaguarena, Edo. Vargas~Lugar de su Obra;
Valencia Carabobo Venezuela,Venezuela~Valencia, Edo. Carabobo~Lugar de su Obra;
Caracas Venezuela,Venezuela~Caracas~Lugar de su Obra;
Maracaibo Zulia Venezuela,Venezuela~Maracaibo, Edo. Zulia~Lugar de su Obra
}}

==Vida y obra==
Pintor y escultor. Hijo de José María Otero Fernández e Isabel Luisa Rodríguez. En 1939 inició sus estudios en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas bajo la tutela de Antonio Edmundo Monsanto, de quien se reconoció como discípulo. Otero "fue el pintor de su generación más capacitado para comprender y sentir a Cézanne, cuya obra lo sedujo al tiempo que, mientras estudiaba […], ponía el método analítico del pintor francés, partiendo del objeto tradicional de la naturaleza, la figura, el paisaje" (Calzadilla, 1975, p. 86). Siendo aún estudiante, es nombrado profesor del curso de experimentación plástica para niños (1942) y, dos años después, profesor de la cátedra de vitrales en esta institución. En sus primeras obras pertenecientes al período escolar se encuentran retratos, desnudos y paisajes. En ellos se evidencian las búsquedas iniciales de síntesis de elementos, característicos de toda su producción plástica. Paisaje de Los Flores (1941) y Autorretrato (1943, colección sucesión Alfredo Boulton) registran, por otra parte, su paso de la construcción de los planos a las calidades matéricas del color. En 1944 realiza su primera exposición, junto a César Enríquez, en el Ateneo de Valencia (Edo. Carabobo).

El Gobierno francés y posteriormente el ME le otorgaron en 1945 una beca para cursar estudios en París, hecho que representó su primer viaje al exterior. En 1946 inició la serie de trabajos conocidos como Cafeteras. La influencia de Pablo Picasso y las tendencias gestualistas son evidentes en estas obras que, gradualmente, se despojaron de toda representación hasta transformarse en líneas y estructuras de enorme fuerza expresiva. Otero trabajó las formas básicas para asir la esencia plástica de los objetos; la serie se inició en un principio con cacerolas (1946), cafeteras (1946-1947), cráneos (1947) y potes (1947). En 1948 realizó el grupo más numeroso, cafeteras rosas; asimismo trabajó candelabros, botellas y lámparas. Sin duda las calaveras fueron una especie de memento mori de la figuración, como en Calavera, de 1947 (colección Banco Mercantil, Caracas). En 1948, Otero es incluido en la muestra "Les mains éblouies" de la célebre Galería Maeght en París. A mediados de enero de 1949 regresó a Caracas. Las obras producidas en Francia se expusieron en el MBA, en el Taller Libre de Arte y en el IUPC, provocando polémicas. En una reseña de la época, Guillermo Meneses comentaba: "la pintura de Otero ha de asombrar, necesariamente. Es distinta a todo lo que habíamos visto en nuestro país. Y, además, ofrece una sensación de quien está seguro de sí mismo […]. Podríamos decir que las líneas, las formas, los objetos han sido profundizados, llevados hasta la honda atmósfera enmarcada que no existe jamás en la realidad: el propio espíritu, la propia pasión, el fino cerebro del artista" (1982, p. 36).

Regresó a París y, junto a Pascual Navarro, Mateo Manaure, Carlos González Bogen, Perán Erminy, Rubén Núñez, Narciso Debourg, Dora Hersen, Aimée Battistini y J.R. Guillent Pérez editaron, en marzo de 1950, la revista Los Disidentes, alrededor de la cual se articuló un grupo del mismo nombre. Desde esta publica¬ción propugnaron las tendencias del abstraccionismo y la puesta al día de los artistas venezolanos en París; atacaron los lineamientos académicos de sus viejos maestros y las ideas convencionales que guiaban las artes plásticas, los salones y los museos en Venezuela. Una nueva serie de su producción artística se inició en 1959, Líneas coloreadas sobre fondo blanco. En estas obras Otero se aleja del objeto y la representación para aislar la expresión pura de las líneas que ya estaban presentes en las Cafeteras. Este mismo año viaja a Holanda con Perán Erminy y Rubén Núñez, y al año siguiente, participa en el VI Salon des Réalités Nouvelles (París), y bajo los preceptos de Mondrian inicia sus Collages ortogonales, barras horizontales y verticales que se entrecruzan sobre un fondo de color en una relación cromática serial. La primera obra de este período se presentó en el Espacio Lumière de la Galería Suzanne Michel (París, 1952).

En 1952 regresa a Venezuela y participa en la "Primera muestra internacional de arte abstracto" (Galería Cuatro Muros, Caracas), así como en la experiencia colectiva de integración de las artes promovida por el arquitecto Carlos Raúl Villanueva en la Ciudad Universitaria de Caracas, proyecto que constituyó "el primer gran conjunto de arquitectura y arte que se erige en América Latina" (Traba, 1994, p. 83). Sus indagaciones en la abstracción encontraron en el hecho arquitectónico una significativa posibilidad de desarrollo que se aprecia en la Ciudad Universitaria, para la cual realizó tres murales y un vitral para la Facultad de Arquitectura y Urbanismo (1956) y Policromía para la Facultad de Farmacia (1959). Antes de su participación en el proyecto de Villanueva, Otero había realizado cinco paneles en mosaico y aluminio para el Anfiteatro José Ángel Lamas (Caracas, 1953), en dos de los cuales ya se aprecian los principios de los Coloritmos; Mástil reflejante (torre corrugada de aluminio y concreto) para la Estación de Servicio Las Mercedes (Caracas, 1954), y Panel en mosaico y aluminio para el Banco Mercantil y Agrícola (Caracas, 1954). Otero realizó sucesivamente el plafón para el Teatro del Este (Caracas, 1956); el Vitral para la casa de Alfredo Boulton (Caracas, 1956); Policromía para la Unidad Residencial El Paraíso (Caracas, 1957); Policromía para el Edificio Easo (Caracas, 1959); Panel en relieve monocromo para el Acuario Colinas de Carrizal (Carrizal, Edo. Miranda, 1959); Color cenital para la capilla del ancianato Fundación Anala y Armando Planchart (Tanaguarena, Edo. Vargas, 1974). En la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas se desempeñó como profesor de composición y análisis (1954-1955) y vitrales (1956). Dictó clases de apreciación artística en el Taller Libre de Arte. En 1954 desarrolló la serie Horizontales activas, en la que replanteó problemas ópticos, así como sobre el movimiento y el desarrollo de las posibilidades del color.

Entre 1955 y 1960 trabajó en los Coloritmos, serie de tablones rectangulares realizados con pintura industrial aplicada con compresor y plantillas sobre láminas de madera contrachapada alejándose de esta manera de las calidades pictóricas para insistir en las puramente compositivas. En 1956, el MOMA adquiere el Coloritmo 1. Este año, Otero es incluido en la representación venezolana para la XXXVIII Bienal de Venecia, con cinco obras. Los Coloritmos tendrán repercusión latinoamericana y le merecerán a Otero reconocimientos en São Paulo (1959) y Barranquilla (Colombia, 1960). Con motivo del desacuerdo con los criterios manejados en la entrega de premios del XVIII Salón Oficial, en 1957, sostuvo, a través del diario El Nacional, una célebre polémica con Miguel Otero Silva defendiendo el abstraccionismo. Hasta ese momento, Alejandro Otero había publicado artículos combativos que habían despertado polémicas, como la que sostuvo con Mario Briceño Iragorry en 1952, pero en esta ocasión, Otero rebatió que a los abstraccionistas se les reprochara una tendencia cuyo "signo es la evasión" y el "frío invernadero de una fórmula repetida" (citado en Otero, 1993, p. 145). Interesado en el teatro, Otero realizó la escenografía para El dios invisible, de Arturo Uslar Pietri (Teatro Nacional, 1957), experiencia que repitirá con las escenografías de Calígula, de Albert Camus (Teatro Municipal, 1958) y Fuenteovejuna, de Lope de Vega (Ateneo de Caracas, 1966). En esta última el artista no dudó en crear un escenario de estructuras puras en contraste con los vestuarios de época. En 1958 obtuvo el Premio Nacional de Pintura en el XIX Salón Oficial con su Coloritmo 35. "En ese instante la pintura abstracta, la pintura no objetiva, queda no solamente reconocida oficialmente, lo cual ya había tenido lugar al participar en salones anteriores, sino que resultaba premiada como expresión de una de las principales corrientes de nuestro lenguaje plástico. Este hecho hubo de revolucionar el concepto estético del mensaje pictórico, dentro del pronunciamiento genérico de las diferentes tendencias que venían revisándose desde años atrás en Venezuela" (Boulton, 1972, p. 178). Participó, ese mismo año, en la reformulación conceptual de la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas que, a partir de ese momento, se llamó Escuela Cristóbal Rojas, institución en la que reinició actividades docentes. Se desempeñó como coordinador del MBA entre 1959 y 1960. Otero participa en 1959 en la V Bienal de São Paulo con su serie Coloritmos.

A finales de 1960 viaja nuevamente a París. En este período su obra sufrió profundos cambios al abandonar el riguroso y colorido abstraccionismo geométrico de los Coloritmos con la serie Telas blancas, desarrollada a partir de los postulados de la monocromía. En estas obras el color prácticamente desaparece. Lo único que subsiste es la aproximación a la gestualidad plástica en superficies monocromáticas de naturaleza informalista y factura pastosa. Movimientos como el informalismo, el arte pop y el nuevo realismo europeo, muy en boga en los primeros años de la década de los sesenta, fueron determinantes en el surgimiento de una nueva serie dentro de su producción. Es así como en 1962 desarrolló los Ensamblajes y Encolados, que retoman los postulados de Duchamp y variantes de artistas como Louise Nevelson, en collages de cartas manuscritas sobre puertas carcomidas por el tiempo, como en Bonjour Mr. Braque (1961), o ensamblajes monocromos como El alicate azul (1961) o Serrucho horizontal (1963). Ese año participa con tres obras en la VII Bienal de São Paulo. Regresó a Caracas en 1964. Fue nombrado vicepresidente del Inciba, cargo que desempeñó hasta 1966. Comenzó a trabajar los Papeles coloreados, serie que constituyó una verdadera síntesis de sus búsquedas: el rigor geométrico y la expresión informal expresados a través de recortes de periódicos teñidos en diversos colores y pegados a manera de líneas y planos puros. En estas obras, "testimonio del tiempo al igual que las cartas, sitúa Otero el color hecho forma en el espacio" (Palacios, 1969. p. XX). Un año después, junto a Jesús Soto y Víctor Valera, representó a Venezuela en la XXXIII Bienal de Venecia, con 49 obras de diferentes períodos.

En 1967 inició una nueva etapa dentro de sus búsquedas al iniciar obras tridimensionales. Hasta ese momento, las obras de Otero habían mantenido en su participación urbana una discreta fórmula bidimensional. "El estallido se produjo cuando el soporte plano se volvió insuficiente para contener ese espacio y expresarlo" (Otero, 1990, p. 49). A partir de ese momento, el interés que Otero confiere a la ciencia y la tecnología perfiló el nuevo rumbo de su obra. Frente a un equipo multidisciplinario inició, ese mismo año, el proyecto de la Zona Feérica de El Conde, concebido como un gran espectáculo en homenaje al cuatricentenario de la fundación de Caracas, coordinado por Inocente Palacios. En este proyecto, las estructuras ideadas por los artistas participantes eran el centro de las actividades recreativas. Dentro de este contexto desarrolló las esculturas Rotor, Vertical vibrante oro y plata, Estructura sonovibrátil, Noria, Torre acuática e Integral vibrante, inauguradas en 1968, año en el que se instaló Vertical vibrante en Maracay. En este año desarrolló un especial interés por las artes gráficas realizando aguafuertes. Junto a Humberto Jaimes Sánchez y Luisa Palacios produjo monotipos para el libro Humilis herba con textos de Aníbal Nazoa en una edición de 50 ejemplares numerados. La Gobernación del Estado Bolívar (Ciudad Bolívar) creó, en 1971, el Salón Anual de Pintura Alejandro Otero.

Ese mismo año obtuvo la beca de la Fundación John Simon Guggenheim. Gracias a ella se incorporó al Centro de Estudios Visuales Avanzados del MIT, donde continuó sus investigaciones sobre las esculturas cívicas y sus nexos con la realidad natural (luz, viento, clima) para crear "enormes volúmenes en acero inoxidable, de aparente fragilidad, transparentes, con aspas en direcciones opuestas, cuerpos con movimientos internos y externos, torres astrales para una comunicación aún no codificada. Esculturas que son ecos de luces y vientos" (Palenzuela, 1990, p. 7). Durante su permanencia en el MIT participó en equipos multidisciplinarios que estudiaron y practicaron la relación entre arte y ciencia en el mundo contemporáneo. Las obras realizadas en este período (maquetas para obra a escala cívica y doméstica) se expusieron en la Galería Conkright en 1972. En 1973, Otero comenzó a trabajar en la serie de pintura Tablones, "una variante de las 'líneas de color sobre fondo blanco' de 1951, o como las obras preparatorias de los Coloritmos. Pero más 'espaciales' que éstos y en 'puro color' (Balza, op. cit., p. 122). En los Coloritmos, Otero había incluido el blanco como color, pero en los Tablones éste se vuelve elemento organizador. En 1975 asistió como invitado especial a la XIII Bienal de São Paulo, donde presentó un audiovisual con películas, 1.000 diapositivas y 11 pantallas sobre sus investigaciones artísticas. El Estado venezolano donó, en 1976, la escultura Ala solar al Gobierno colombiano. Esta fue instalada frente al Centro de Administración Distrital en la Avenida Jorge Eliécer Gaitán de Bogotá. Junto con Miguel Otero Silva y Manuel Espinoza, introdujo el proyecto de creación de la GAN, que inició sus actividades en 1976. En este mismo año realizó, en México, dos exposiciones individuales, oportunidad para la cual donó la obra Casa solar para ser colocada en la entrada del futuro Museo de Arte Contemporáneo Rufino Tamayo (Oaxaca de Juárez, México), artista que, al referirse a Otero, expresó: "hay en él una especial inquietud en descubrir nuevas posibilidades plásticas […] pero lo más importante es que, en cada experimento que ha realizado, ha resuelto cosas, las ha convertido en hechos definitivos. Creo que es un precursor, alguien que se adelanta a los movimientos que vendrán" (El Nacional, 31 de enero de 1976). En la sede del Centro de Información y Turismo del Gobierno de Venezuela en Nueva York, se presentó el audiovisual Presentation and scale models of sculptures by Alejandro Otero. Fue nombrado presidente de la Comisión Especial de Artes Plásticas del Conac. Con motivo del bicentenario de la Independencia de Estados Unidos, el Gobierno venezolano ofreció a este país la escultura Delta solar. La donación fue aceptada por el Congreso de Estados Unidos. La obra se instaló, un año después, en el jardín oeste del Museo del Aire y del Espacio, en Washington, lo que significó un alto reconocimiento a la trayectoria del artista. Otero participó, en 1976, en el proyecto concebido por la Corporación Olivetti para rendir homenaje a Leonardo da Vinci y a un artista contemporáneo que resumiera algunas claves de la filosofía de la empresa, como la relación entre el espacio y los sueños de los hombres, la integración de la técnica con los elementos de la naturaleza. Esto le permitió presentar su Estructura solar, un paralelepípedo conformado por 54 aspas y más de 10 metros de altura. La obra fue instalada en el patio de honor del Castello Sforzesco en Milán, lugar donde Leonardo proyectó realizar un monumento ecuestre a Ludovico Sforza. En 1980 la obra fue colocada permanentemente en el Palacio Olivetti en Ivrea (Italia). En 1979 ilustró el libro de Orlando Araujo, Alejandro Otero, el niño que llegó hasta el sol (Caracas: Ediciones María di Masse, 1979).

Representó a Venezuela en la XL Bienal de Venecia, celebrada en 1982. Allí se presentó con 13 obras de mediano tamaño, maquetas, 50 dibujos, diapositivas y dos estructuras: Abra solar y Aguja solar, las cuales fueron instaladas a la entrada de la sede de la Bienal y en el Lido de Venecia. También en 1982, el cineasta Ángel Hurtado realizó los videos Alejandro Otero en Venecia y Abra solar y las cuatro estaciones. Al año siguiente, las estructuras que participaron en la Bienal de Venecia fueron instaladas en la Plaza Venezuela y frente a la sede de Interalúmina (Puerto Ordaz), respectivamente. Con la serie de Émbolos vibratorios, lleva a mediano formato las proposiciones ya formuladas y cumplidas con sus esculturas a escala monumental. En los espacios del MACC se realizó, en 1985, la más grande exposición retrospectiva de su obra. La muestra incluyó 763 piezas que abarcaban todas las etapas de su producción plástica. En 1986 instaló en la Plaza La Democracia en el Complejo Hidroeléctrico Raúl Leoni (Guri, Edo. Bolívar), la Torre solar, obra que, a juicio del artista, fue su obra más importante hasta ese momento (Blanco, 1986, p. 28). Se incorporó, en 1987, al Centro de Investigaciones IBM de Venezuela como investigador visitante. Con la asistencia de Ana Margarita Blanco experimentó con las posibilidades del diseño con computadora cuyos resultados fueron publicados, dos años más tarde en Alejandro Otero: Saludo al siglo XXI, libro que el artista dedicó como un tributo a los hombres de ciencia. La I Bienal de Guayana, celebrada en 1987, sirvió de marco para rendirle homenaje. Al Museo Soto, sede de la bienal, donó, al año siguiente, 33 obras para su colección. En 1990, la Galería Propuesta Tres mostró, por primera vez al público, los Monocromos. Con el artículo "Sólo quisiera ser puntual", publicado en El Nacional, obtuvo el Premio Henrique Otero Vizcarrondo al mejor artículo de opinión. Fallece a los 69 años de edad. Por decreto presidencial y como homenaje póstumo, el 14 de agosto el Museo de Arte La Rinconada asumió el nombre de Museo de Artes Visuales Alejandro Otero. La Gobernación del Estado Bolívar (Ciudad Bolívar) creó el Premio de Artes Plásticas Alejandro Otero. Representó en 1991 a Venezuela en la XXI Bienal de São Paulo con 75 obras, en la cual le fue otorgada una mención honorífica post-mortem. Se presentó en ese evento el video Alejandro Otero. Arte para el siglo XX, realizado por Xavier Sarabia. En conmemoración del primer aniversario de su fallecimiento, el MAVAO organizó una exposición que incluyó la versión definitiva de los Collages ortogonales realizados por medio de la computado¬ra y el primer ensayo de escultura para la intemperie en color Una flor para Nora. Su obra Estructura espacio-cromática, también conocida como Los Cerritos, realizada con Mercedes Pardo, fue restaurada e instalada en la autopista Caracas-La Guaira.

===Obras de Alejandro Otero===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:Copia_de_desnudo_de_espalda_azul.JPG‎ | Desnudo de la Espalda azul. 1944. Sanguina y pastel sobre papel. 45,8 x 31,8 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_desnudo_de_espalda_roja.JPG‎ | Desnudo de la Espalda rosa. 1944. Sanguina y pastel sobre papel 36 x 32,2 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_autoretrato234344.JPG | Autorretrato. 1945. Óleo sobre cartón. 51 x 34,5 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_desnudo_1945.JPG | Desnudo. 1945. Carboncillo sobre papel encolado en cartón. 65,3 x 48 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_cerros_de_agua_azul.JPG‎ | Cerros de agua azul. 1945. Óleo sobre cartón piedra. 43 x 60,5 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_desnudoo_1945.JPG‎ | Desnudo. 1945. Carboncillo sobre papel. 65,5 x 45,2 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_desnudo.JPG‎ | Desnudo. 1946. Tinta china sobre papel. 20 x 17 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_juan_jose_arreola.JPG | Juan José Arreola. 1946. Carboncillo y pastel sobre papel. 36,9 x 28,6 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_la_borella_y_la_lampara_II.JPG | La Botella y la lámpara II. 1947. Óleo sobre tela. 72,9 x 60,2 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_Cafetera_rosa.JPG‎ | Cafetera Rosa. 1947. Óleo sobre tela. 79,6 x 64,5 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_josefina_salgado.JPG‎ | Josefìna Salgado. 1948. Óleo sobre papel encolado en masonite. 60,3 x 41,5 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_la_botella_y_la_lampara_IV.JPG | La botella y la lámpara IV. 1948. Óleo sobre tela. 72,9 x 60,2 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_abstraccion_1950.JPG‎ | Abstracción. 1950. Óleo sobre tela. 99,5 x 81 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_composicion_A.JPG‎ | Composición A. 1951. Esmalte sobre masonite. 124,5 x 123,9 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_Lineas_coloreadas_sobre_fondo_blanco.JPG‎ | Lineas Coloreadas sobre fondo blanco. 1951. Óleo sobre tela. 130 x 96,7 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_boceto_para_colortimo.JPG | Boceto para Coloritmo. 1958. Guache sobre papel sobre madera. 26,5 x 18 x 5 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_boceto_para_colortmo_nº_42.JPG | Boceto para Coloritmo nº 42. 1959. Tinta sobre papel y cartulina. 22 x 9 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_paisaje.JPG‎ | Paisaje. 1959. Óleo sobre tela. 38,3 x 54,9 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1960.JPG‎ | Sin título. 1960. Acrílico y objeto de metal sobre madera. 50 x 47 x 5,5 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_monocromo_amarillo.JPG‎ | Monocromo Amarillo. 1961. Óleo sobre tela. 75,2 x 60 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_tela_I.JPG | Tela I. 1961. Óleo sobre tela. 72,9 x 60 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_Bloody_mary.JPG‎ | Bloody Mary (Tela VI). 1961. Óleo sobre tela. 73,5 x 60 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_oxido.JPG | Óxido. 1962. Ensamblaje en metal sobre madera. 63 x 82,5 x 11 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_la_cadena.JPG‎ | La cadena. 1962. Ensamblaje en cadena de hierro y madera. 123,5 x 24,9 x 12 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_blanc_blanc.JPG | Blanc/Blanc. 1962. Objeto de madera y metal sobre madera. 60 x 72 cm. FMN
Imagen:Copia_de_Pincel_y_cuadro_blanco.JPG‎ | Pincel y Cuadro Blanco. 1963. Esmalte y brocha sobre madera. 90,2 x 66,3 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_pisa_1821.JPG | Pisa 1821. 1963. Papel sobre madera. 60 x 57 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_tokyo.JPG | Tokio. 1965. Papel coloreado sobre madera. 50,6 x 43,3 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_collage_nº_67.JPG | Collage nº 67. 1965. Papel periódico coloreado y cartón sobre madera. 52 x 44,3 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_15.JPG | 15. 1965. Papel periódico y tinta sobre cartón pidra. 61,5 x 53,5 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_tension_granate.JPG | Tensión Granate. 1966. Acrílico y objeto de madera sobre madera. 73,4 x 63,5 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_tension_oblicua.JPG | Tensión Oblícua. 1966. Objeto de metal, madera y acrílico sobre madera. 73,4 x 63,5 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_torre_de_viento_sobre_virtual_vibrante.JPG | Torre de viento sobre virtual vibrante. 1968. Construcción móvil. 2400 x 200 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_album_humilis_herba_1968.JPG‎ | Sin título ( Álbum Himilis herba). 1968. Monotipo sobre papel. 45 x 32,5 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_rotor.JPG | Rotor. 1968. Ensamblaje y aluminio anodizado. 550 x 100 x 100 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_hje.JPG‎ | Huella y Contrahuella. 1969. Intaglio sobre papel. 45,3 x 32,5 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1970.JPG | Sin título. 1970. Grabado P/A. 22 x 10 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1972.JPG‎ | Sin título. 1972. Serigrafía sobre papel. 75,9 x 56,4 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_austral.JPG‎ | Austral. 1972. Serigrafía sobre papel. 74,6 x 56,5 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_19803445667.JPG‎ | Sin título. 1980. Serigrafía sobre papel. 76 x 56,4 cm. Instituto Nacional de Hipódromos. FMN.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1985454545.JPG‎ | Sin tìtulo. 1985. Serigrafía sobre papel. 65,5 x 50 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_tablon_(anteriormente_colorritmo)_1985.JPG | Tablón. 1985. Serigrafía sobre papel P/A. 37 x 21,8 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_una_flor_para_el_desierto.JPG | Una Flor en el desierto. 1985. Ensamblaje en aluminio y acero. 502 x 566 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_en_vertical_rojo_y_oro_1985.JPG‎ | En vertical Rojo y oro. 1985. Serigrafía a color sobre papel. 56,5 x 56,4 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_cafetera_azul_1987.JPG‎ | Cafetera Azul. 1987. Serigrafía sobre papel 260/300. 100,8 x 74 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_abra_solar.JPG‎ | Abra Solar (Serie Saludo al siglo XXI). 1989. Duratrams en caja de luz. 100,5 x 100,5 x 17,5 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_parabolica.JPG | Parabólica (Serie Saludo al siglo XXI). 1989. Duratrams en caja de luz. 100,5 x 100,5 x 17,5 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_aurea.JPG | Áurea. 1989. Duratrams en caja de luz. 100,5 x 100,5 x 17,5 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_tea.JPG‎ | Tea ( Serie Saludo al siglo XXI). 1989. Duratrams en caja de luz. 100,5 x 100,5 x 17,5 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_bromeliacea.JPG | Bromeliácea. Sin fecha. Duratrams. 125 x 125 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_orion.JPG‎ | Orión. Sin fecha. Duratrams. 122 x 135 x 12 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_torre_solar.JPG | Torre Solar. Sin fecha. Duratrams. 125 x 125 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_estructura_solar.JPG | Estructura Solar. 1990-1995. Aluminio y Acero. 600 x º700 cm. FMN.
Imagen:Copia_de_maternidad.JPG | Maternidad. Sin fecha. Modelado en yeso. 21 x 20,5 x 20,7 cm. FMN.
</gallery>

==Exposiciones individuales==
*1945 Librería La France, Caracas
*1948 "Still-life. Themes and variations", Unión Panamericana, Washington
*1949 "Cafeteras", MBA / Taller Libre de Arte, Caracas / IUPC
*1957 "Coloritmos", Galería de Arte Contemporáneo, Caracas
*1960 "Coloritmos de Alejandro Otero", MBA
*1962 "Coloritmos y relieves de París", MBA / "Líneas sobre blanco", Galería El Muro, Caracas / "Obras de Alejandro Otero", Sala Mendoza
*1963 Galería Wulfengasse, Klagenfurt, Austria
*1964 "Ensamblajes y encolados", Sala Mendoza
*1965 "Papeles encolados", Sala Mendoza
*1966 "A Quarter of a Century of the Beautiful Art of Alejandro Otero: 1940-1965", Galería Signals, Londres
*1971 "Coloritmos 1960-1971", Galería Conkright, Caracas
*1972 "Obra serigráfica 1", Galería Conkright, Caracas
*1973 "Maquetas de esculturas", Galería Conkright, Caracas
*1974 "Tablones", Galería Conkright, Caracas
*1975 "Retrospectiva", Galería Adler/Castillo, Caracas / "A retrospective", Museo de Arte, Universidad de Texas, Austin, Texas, Estados Unidos
*1976 "Retrospectiva", Museo de Arte Moderno, Ciudad de México / "Otero. Obra serigráfica", Galería Pecanins, Ciudad de México
*1978 Centro de Arte El Parque, Valencia, Edo. Carabobo
*1980 "Obra serigráfica", Galería Rafael Monasterios, Maracay
*1985 MACC / Galería Allen/Wincor, Nueva York / "4 x Otero para el 86", Galería Miguel & Fuenmayor, Caracas
*1987 "15 tablones", Galería Óscar Ascanio, Caracas
*1990 "Saludo al siglo XXI", Museo de Arte, Coro / "Saludo al siglo XXI", MACCSI / "Saludo al siglo XXI", Sala Ipostel / "Monocromos", Galería Propuesta Tres, Caracas / "La búsqueda de las estructuras de la realidad", Museo Soto

==Exposiciones póstumas==
*1990 "Tributo al maestro Alejandro Otero 1921-1990", GAN / "Las estructuras de la realidad", Museo Soto
*1991 "Las estructuras de la realidad", MBA / "Las estructuras de la realidad", Museo Soto / "Últimos trabajos", MAVAO
*1993 "Memorabilia", Sala Sidor / "Alejandro Otero: 1921-1990", Centro de las Artes, Ciudad Bolívar
*1994 "Líneas de luz, esculturas virtuales de Alejandro Otero", MAO
*1995 "Exploraciones inéditas. Joyas de Alejandro Otero", MAO
*1997 "Coloritmos de Alejandro Otero", MAO

==Premios==
*1941 Primer premio y mención honorífica, Concurso de Carteles, II Exposición del Libro Venezolano, Caracas
*1942 Premio al mérito especial para los estudiantes de artes plásticas, III Salón Oficial
*1945 Premio Andrés Pérez Mujica y Premio Emilio Boggio, III Salón Arturo Michelena
*1957 Premio Compañía Anónima Venezolana de Cementos, IV Salón D'Empaire / Premio John Boulton, XVIII Salón Oficial
*1958 Premio Nacional de Pintura, XIX Salón Oficial
*1959 Mención honorífica, V Bienal de São Paulo
*1960 Primer premio, II Salón Interamericano de Pintura, Barranquilla, Colombia
*1964 Premio Nacional de Artes Aplicadas (compartido con Mercedes Pardo), XXV Salón Oficial
*1966 Premio de esmalte (compartido con Mercedes Pardo), Muestra Internacional de Artesanía Artística, Stuttgart, Alemania
*1991 Mención honorífica post-mortem, XXI Bienal de São Paulo

==Colecciones==
Air and Space Museum, Washington / Ancianato Fundación Anala y Armando Planchart, Tanaguarena, Edo. Vargas / Anfiteatro José Ángel Lamas, Caracas / Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo / Banco del Libro, Caracas / Banco Mercantil, Caracas / Base Naval Contralmirante Agustín Armario, Puerto Cabello / BN / Cadafe, Caracas / CANTV / Centro Artístico de Barranquilla, Colombia / Centro de Administración Distrital, Bogotá / Colección Cisneros, Caracas / Edificio Easo, Caracas / Estación de Servicio Las Mercedes, Caracas / Fundación Noa Noa, Caracas / Galería Municipal de Arte, Puerto La Cruz / GAN / Hospital Clínico, Maracaibo / Interalúmina, Puerto Ordaz / IVIC / MACCSI / Mamja / MAO / MBA / Metro de Caracas / MOMA / Mujabo / Museo Arturo Michelena, Caracas / Museo de Anzoátegui, Barcelona, Edo. Anzoátegui / Museo de Arte Contemporáneo Rufino Tamayo, Oaxaca de Juárez, México / Museo de Arte Moderno de América Latina, OEA, Washington / Museo de Arte Moderno, Bogotá / Museo de Bellas Artes, Dallas, Texas, Estados Unidos / Museo de la Universidad de Arizona, Tucson, Arizona, Estados Unidos / Museo Francisco Narváez / Museo Nacional de Bellas Artes, Houston, Texas, Estados Unidos / Museo Soto / Palacio Olivetti, Ivrea, Italia / Residencia Presidencial La Casona, Caracas / Sidor / Teatro del Este, Caracas / UCV / Unidad Residencial El Paraíso, Caracas / USB

==Fuentes==
*[Salazar, Élida]. Artistas visuales: hombres de teatro. Caracas: Conac, 1996.
*Archivo MAO.
*Archivo MBA.
*Balza, José. Alejandro Otero. Milán: Olivetti, 1977.
*Balza, José. Un color demasiado secreto. Caracas: Ediciones Maeca, 1985.
*Bayón, Damián. La transición a la modernidad. Bogotá: Tercer Mundo, 1989.
*Blanco, Anne de. "Un monumento a la democracia". En: Diagnóstico, II, 7. Caracas, 1 de noviembre de 1986.
*Boulton, Alfredo. Alejandro Otero. Caracas: OCI, 1966.
*Boulton, Alfredo. Alejandro Otero. Milán: Ascanio Editores, 1984.
*Boulton, Alfredo. Historia de la pintura en Venezuela, III. Caracas: Armitano, 1972. Segunda edición en Caracas: Armitano, 1975.
*Calzadilla, Juan. El arte en Venezuela. Caracas: Ediciones del Círculo Musical, 1967.
*Calzadilla, Juan. El artista en su taller. Caracas: CANTV, sin fecha.
*Calzadilla, Juan. Pintura venezolana de los siglos XIX y XX. Caracas: Litografía Tecnocolor, 1975.
*Cinap, O 16.
*Guevara, Roberto. Ver todos los días. Caracas: Monte Ávila-GAN, 1981.
*La Corte, Luis Miguel. "El atrevido señor de los espacios". En: El Universal. Caracas, 15 de agosto de 1990.
*Meneses, Guillermo. "La exposición de Alejandro Otero Rodríguez". En: El Nacional. Caracas, 3 de enero de 1949. Citado en: El arte, la razón y otras menudencias. Caracas: Monte Ávila, 1982.
*Montero Castro, Roberto. "Alejandro Otero, visión del mundo a través de la luz". En: Arte de Venezuela. Caracas: Concejo Municipal del Distrito Federal, 1977.
*Otero, Alejandro. El territorio del arte es enigmático. Caracas: MACCSI, 1990.
*Otero, Alejandro. Memoria crítica. Caracas: Monte Ávila-GAN, 1993.
*Otero, Alejandro. Papeles biográficos. Upata: Predios, 1994.
*Otero, Alejandro. Saludo al siglo XXI. Caracas: Armitano Editor, 1989.
*Otero, Soto, Cruz-Diez. Tres maestros del abstraccionismo en Venezuela y su proyección internacional (catálogo de exposición). Caracas: GAN, 1994.
*Palacios, Inocente. Alejandro Otero. Caracas: Inciba, 1967.
*Palenzuela, Juan Carlos. "Alejandro Otero en el siglo XXI". En: Papel Literario de El Nacional. Caracas, 11 de febrero de 1990.
*Picón Salas, Mariano. La pintura en Venezuela. Caracas: Secretaría General de la Décima Conferencia Interamericana, 1954.
*Presencia de Alejandro Otero en la Bienal de Venecia 1982. Venecia: Faesta Squatriti Editore, 1984.
*Rodríguez, Bélgica. La pintura abstracta en Venezuela 1945-1965. Caracas: Maraven, 1980.
*Sego, François. Alejandro Otero y la crisis de la pintura moderna. París: sin editorial, 1948.
*Traba, Marta. Arte de América Latina 1900-1980. Bogotá: Banco Interamericano de Desarrollo, 1994.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve
*Carlos Eduardo Morillo. Estudiante de la Licenciatura en Historia del Arte de la ULA.

==Comentarios==
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Méndez Osuna, Elbano

2013-06-15T15:49:42Z

Carlos Eduardo Morillo: /* Créditos */

{{Faltan archivos}}

{{Ficha de artista
|titulo = Elbano Méndez
|imagen =
|nombrecompleto = Elbano Méndez Osuna
|nacimiento = 06 de febrero de 1918, Tovar Edo Mérida - Venezuela
|fallecimiento = 18 de diciembre de 1973, Tovar Edo Mérida - Venezuela
|nacionalidad = Venezolano
|area = Pintor
|firma =
}}

{{
#display_points:
Tovar Mérida Venezuela,Venezuela~Mérida~Lugar de nacimiento y Lugar de su Obra
}}

==Vida y Obra==
Pintor. Hijo de Hermes Osuna y Asunción Méndez. Estudió en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas (1936-1939) y posteriormente en la Escuela de Artes Aplicadas de la Universidad de Chile, la Escuela Nacional de Artes Gráficas de Madrid, la Academia La Grande Chaumière y el Atelier de André Lhote en París. Fue asistente de Rafael Rosales en las decoraciones de los cines Ávila y Boyacá en Caracas. Realizó ilustraciones para el semanario Fantoches que dirigía Leoncio Martínez (Leo). En 1942 viajó a Chile y asiste a los pintores mexicanos Xavier Guerrero y David Alfaro Siqueiros en la elaboración de los murales para la Agrupación Escolar México, en la población de Chillán. A su regreso realizó murales para la Escuela Concordia de Cabimas (Edo. Zulia, 1944) y el Liceo Libertador de Mérida (1945). En 1947, su envío al VIII Salón Oficial, dos paisajes, un retrato y un cuadro titulado Victoria griega, con "atisbos surrealistas", fue reconocido con el segundo premio nacional de pintura. Fue director de la Escuela de Artes Plásticas de San Cristóbal (1958-1962). En 1969 fue uno de los principales promotores del Taller Regional de Artes Plásticas de Tovar (Edo. Mérida). Realizó aguafuertes y litografías. Trabajó el óleo aunque tuvo preferencia por la acuarela. La GAN posee en su colección las obras Francia (óleo sobre cartón, 1948), Naturaleza muerta con flores (óleo sobre tela, 1969), Lomas de la virgen —Tovar— (óleo sobre tela, 1969), Naturaleza muerta —botella de chianti— (óleo sobre tela, 1971) y Niña de juguete (óleo sobre tela, sin fecha).
===Obras===
<gallery caption="" widths="250px" heights="250px" perrow="7" >
Imagen:Obras HomenajeDelacroixGoya ElbanoMendez.png|Título: Homenaje a Delacroix y Goya. Técnica: Caseína sobre madera
Imagen:Obras JuegoBolos ElbanoMendez.png|Título: Juego de Bolos
Imagen:Obras FloresGaleriaOdalys ElbanoMendez.png|Título: Flores, Ubicación: Galería Odalys, Caracas, Año: 1970
Imagen:Obras MusicosTachirenses ElbanoMendez.png|Título: Músicos Tachirenses
Imagen:Copia_de_francia.JPG‎ | Francia. 1948. Óleo sobre cartón. 77 x 60,5 cm. FNM
Imagen:Copia_de_lomas_de_la_virgen-_tovar.JPG‎ | Lomas de la Virgen- Tovar. 1969. Óleo sobre tela. 45,5 x 51 cm. FNM
Imagen:Copia_de_naturaleza_muerta_con_flores.JPG‎ | Naturaleza muerta con flores. 1969. Óleo sobre tela. 46,5 x 35 cm. FNM
Imagen:Copia_de_Naturaleza_muerta304085734579.JPG‎ | Naturaleza Muerta - botella de chianti. 1971. Óleo sobre tela. 35 x 46 cm. FNM
Imagen:Copia_de_niña_con_juguete.JPG‎ | Niña con juguete. Sin fecha. Óleo sobre tela. 62 x 90,5 cm. FNM.
Imagen:Copia_de_Sin_titulo.JPG‎ | Sin título. 1954. Litografía sobre papel. 37,2 x 34,9 cm. FNM.
</gallery>

===Centro Cultural Elbano Méndez Osuna===
[[Archivo:CentroCulturalElbanoMendezOsuna.png|600px|]]

==Exposiciones individuales==
*1948 CVA
*1961 Liceo de Aplicación, Caracas
*1962 San Cristóbal Tennis Club, San Cristóbal
*1963 Hotel Tamá, San Cristóbal
*1966 "Motivos tovareños y otros", Taller Libre de Arte, Caracas
*1968 "Producciones recientes", Galería Polo & Bot, Caracas
*1972 "Acuarelas", Galería Il Caravaggio, Caracas / Galería Sótano de Arte, Caracas

==Premios==
*1941 Mención honorífica, I Salón Universitario, Santiago de Chile
*1943 Premio José Loreto Arismendi, IV Salón Oficial / Mención honorífica, I Salón Arturo Michelena
*1946 Premio Club de Leones, IV Salón Arturo Michelena
*1947 Segundo Premio Oficial de Pintura, VIII Salón Oficial

==Colecciones==
Escuela Ayacucho, Lagunillas, Edo. Zulia / Escuela Concordia, La Salina, Edo. Zulia / Escuela Normal Miguel Antonio Caro, Caracas / GAN / Grupo Escolar República del Ecuador, Caracas / Liceo de Aplicación, Caracas / Liceo Libertador, Mérida / Mamja

==Fuentes==
*GRILLET, R. (2001). Fuentes Documentales y Críticas de las Artes Plásticas Venezolanas: siglos XIX y XX. Caracas: Consejo de Desarrollo Científico y Humanístico.
*VAZQUEZ, A. (1998). Manifestación Estética en Tovar. Universidad de Texas: Ediciones Tovar.
*OSUNA, W. (1978). Mas si yo fuese un poeta, un buen poeta. Caracas: Centro de Estudios Latinoamericanos Rómulo Gallegos.
*VERA, R. (2001). Cultores y Forjadores Merideños. Publicaciones "Riheve".
*Cinap, M 48

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve
*Yusleidy M. Reyes M. Estudiante de la Licenciatura en Historia del Arte de la ULA. Correo electrónico:
*Carlos Eduardo Morillo. Estudiante de la Licenciatura en Historia del Arte de la ULA.

==Comentarios==
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[[Category:MASCULINO]]
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Narváez, Francisco

2013-02-17T23:48:01Z

Carlos Eduardo Morillo:

{{Ficha de artista
|titulo = Francisco Narváez
|imagen = [[Imagen:FFN_F_Narvaez.jpg‎|250px]]
|nombrecompleto = [José] Francisco Narváez
|nacimiento = 4 de octubre de 1905, Porlamar, Nueva Esparta - Venezuela
|fallecimiento = 7 de julio de 1982, Caracas, Distrito Capital - Venezuela
|nacionalidad = Venezolano
|area = Escultor y pintor
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}}

{{
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Porlamar Venezuela,Venezuela~Porlamar~Lugar de nacimiento
}}

==Vida y obra==
Escultor y pintor. Hijo del ebanista y alarife José Lorenzo Narváez y Vicenta Emilia Rivera. Su padre era conocido por sus tallas decorativas realizadas en la Iglesia del Valle del Espíritu Santo de La Asunción y por la construcción del faro de navegación de Porlamar (Edo. Nueva Esparta). Narváez asiste a la escuela de Carúpano, donde su familia se residencia hacia 1908, tras la caída de Cipriano Castro, y empieza a realizar tallas de muebles en miniatura con materiales como tiza o madera y una navaja como herramienta. Cuarto en una familia de 11 hijos, su aprendizaje inicial se basó en las prácticas del taller de su padre (1912-1921). Se interesó por la figura humana y copió en tiza los santos restaurados por su padre, realizó retratos de sus familiares y probó materiales como la greda para modelar figuras. Ayudó a su padre en los trabajos de reconstrucción y restauración de la Iglesia de San José de Orocual (Edo. Monagas), para la cual repintó las figuras y talló las partes faltantes de algunas imágenes religiosas. En 1916 participó en una exposición de artesanía en Cumaná con una talla de muebles en miniatura y recibió un diploma de reconocimiento. Posteriormente se le encargó un San Rafael para la Iglesia de Carúpano, a partir de un solo bloque de cedro; esta figura, según el artista, se conservaba en la iglesia aún en 1968. En 1918, la familia vuelve a Porlamar (Edo. Nueva Esparta), donde Narváez es atraído por escenas del mercado de Punta de Arenas, con sus pescadores, vendedoras y cargadoras de bultos, figuras recurrentes en su obra posterior; en el mercado observó al pintor rumano Samys Mützner pintando motivos locales. Narváez inicia clases de teoría y solfeo, que no puede continuar al enfermar de escrófula y permanecer un año en cama. Al recuperarse se dedica a tallar figuras de nacimientos y, hacia 1920, talla en madera una imagen del Niño Jesús para las hermanas carmelitas del hospital, que llama la atención de monseñor Sixto Sosa, obispo de Guayana, quien le sugiere que estudie en Caracas, le consigue el permiso de su padre, le paga el pasaje y gestiona una beca para que estudie en la Academia de Bellas Artes.

Narváez viaja a la capital y se instala en casa de los capuchinos de las Mercedes, donde permanece interno hasta iniciar los estudios de sexto grado en la Escuela Normal Villa Zoila y en la Academia hacia 1922. La talla del Niño Jesús de las hermanas carmelitas del hospital de Porlamar (Edo. Nueva Esparta) fue expuesta en 1922 en la Fotografía Manrique, junto con una pintura suya del mismo tema; la prensa señaló que la figura había sido tallada a navaja sin la intervención de maestro alguno. En la Academia recibió clases de dibujo, pintura, escultura, paisajes, anatomía y composición; sus profesores de escultura fueron Ángel Cabré i Magrinyà, Cruz Álvarez García y Pedro Basalo, y entre sus condiscípulos estaban Gregorio García, Eduardo Francis, Rafael Rosales y Tomás Golding, entre otros. Por entonces, los estudios artísticos seguían los patrones clásicos. Las clases de escultura se limitaban al modelado en arcilla y al trabajo en yeso, aunque el artista se interesó en la talla directa: le regalan un cincel y un bloque de mármol de Carrara, con el que talló un rostro que creó controversias entre los profesores, debido a sus "formas redondas", según Basalo, alejadas de los criterios clásicos propugnados por la Academia. Para esa época tiene la oportunidad de observar pinturas de Sorolla expuestas en la Academia. En 1924 obtiene diplomas de honor en la Academia en pintura y escultura. Para esa fecha conoce a Arturo Uslar Pietri, Alfredo Boulton y Andrés Eloy Blanco, quien le dedicó versos de Poda cuando el artista realizaba la maqueta para la tumba de su padre, que no se llevó a cabo. En septiembre de 1925, las esculturas del artista aparecen en un reportaje gráfico en la prensa. Narváez finaliza sus estudios en 1928, viaja a Margarita para pintar motivos marinos y obtiene algunas lajas de piedra, de las usadas para pavimentar patios, en las que esculpe relieves. Realiza su primera muestra individual ese año en el Club Venezuela (Caracas), en donde expone 60 pinturas y 12 relieves.

Viaja a París en 1928 con la ayuda de monseñor Sixto Sosa, quien gestiona el costo del pasaje ante los ministros de exterior y de fomento. Años después realiza dos retratos al óleo de monseñor Sosa, uno para la Iglesia del Valle y otro para las carmelitas de Caracas. En París se inscribe en la Academia Julian, donde fue discípulo de Pierre Landowsky y Bernard; y asiste al taller del escultor François Pompon. Estudia los trabajos de Jean Arp, Pablo Gargallo y la obra de Arístides Maillol, que ejerció influencia en sus trabajos posteriores. Algunos autores señalan la importancia del grupo Pont-Aven en su producción pictórica aunque, para Alfredo Boulton, la única asociación del artista con este grupo fue una temática común (paisajes marinos, mujeres nativas o vegetación tropical). Su producción coincidió con el interés por parte del arte europeo por las formas primitivas; de esta manera realizó algunos retratos al óleo de amigos venezolanos, en los que se aprecia una gran síntesis y un tratamiento plano del color. Instala un taller en las afueras de París y, entre otros trabajos, esculpe Vendedora de pescado (Pescadora, según Boulton, 1981) en piedra de París, con la que participa en 1930 en el Salón del Grand Palais en los Campos Elíseos; la pieza fue comentada por el periódico L'Art Vivent. Inicia un período en el que las figuras indígenas, las frutas tropicales, los colores intensos y los temas exóticos predominan de manera notoria. Envía algunas obras a Caracas que son exhibidas en el Club Venezuela (Caracas, 1930), que la prensa calificó de "nativistas". Al año siguiente participa en el Salón de los Independientes en París. Los motivos criollos de su época parisina, cultivada y enriquecida después en Venezuela en 1931, permitieron al artista experimentar con los volúmenes así como con materiales locales como la piedra o la madera.

A su regreso instaló su taller en el Barrio Obrero de Catia, que funcionó hasta 1943, y que con el tiempo se transformó en centro de reunión de artistas e intelectuales. En 1934 expuso esculturas, óleos y acuarelas en el Ateneo de Caracas. Sobre la producción pictórica del artista en este período comenta Juan Carlos Palenzuela: "la pintura de Narváez de estos años, digamos por ejemplo, sus paisajes de Ocumare, recuerdan ciertos paisajes y bodegones de su amigo Marcos Castillo y la de éste, algunas piezas de Elisa Elvira Zuloaga. Quizás el hilo conductor entre los tres artistas haya sido el notable maestro francés André Lhote". Hacia 1932 y 1933 realiza el grupo escultórico de la fuente del Parque Carabobo (fechado por Boulton y Rafael Pineda en 1934), antigua Plaza La Misericordia; este grupo, vaciado en piedra artificial, fue su primera obra integrada al urbanismo y, para Boulton, es la máxima expresión del trabajo nativista del artista, además de ser un hito pues marca una nueva forma de tratar el desnudo en la escultura venezolana. Señala Bélgica Rodríguez que, ya en la fuente del Parque Carabobo, se aprecia la estructuración casi geométrica de la figura como forma única que caracteriza la obra de este artista. En 1934, Arturo Uslar Pietri lo insta a realizar cuatro trípticos murales de temas populares para el haras de los hermanos Gómez; estos frescos se perdieron luego de la muerte del general Juan Vicente Gómez (1935), y reaparecieron en 1987, cuando fueron restaurados y exhibidos en el MACC en una exposición en homenaje a Boulton. En 1936 ingresa como profesor de escultura y modelado a la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas; ese año realiza relieves para las tumbas del poeta Luis Castro y de la familia Guruceaga, en el Cementerio General del Sur (Caracas). Entre 1935 y 1938, Carlos Raúl Villanueva le encarga relieves en piedra artificial para las fachadas del MBA y el Museo de Ciencias; en el primero, inaugurado en 1936, realiza tres relieves en los que representa figuras femeninas alegóricas a la pintura, la escultura y la arquitectura; y para el segundo, inaugurado en 1938, realiza motivos ornamentales y tres relieves, uno en la fachada principal, que representa un grupo de mujeres con frutos de la tierra, y dos en las fachadas laterales (llamados por Boulton El hombre y La mujer). En 1939 realiza un grupo escultórico en piedra artificial para el CIV (fechado por Pineda entre 1936 y 1937). Ese año participa en la Feria Mundial de Nueva York, con cinco esculturas en caoba africana, junto a pinturas de Luis Alfredo López Méndez; cinco piezas de las que sólo se conservan cuatro, Cacao, Perlas, Frutas y Café. Cacao y Perlas fueron ubicadas posteriormente en el Liceo Fermín Toro y Frutas y Café en el Liceo Andrés Bello. En 1940 participa en una exposición colectiva de artistas latinoamericanos en el Museo Riverside de Nueva York y recibe el Premio Oficial de Escultura en el I Salón Oficial por su obra Figura decorativa (colección GAN). En 1941 realiza La educación, relieve en piedra artificial para la Escuela Francisco Pimentel y, en 1942, un relieve alegórico para la fachada del antiguo Museo Bolivariano, ubicado en la esquina de Pajaritos (fechado por Pineda entre 1936 y 1937). Ese año obtiene el Premio John Boulton en el III Salón Oficial con Negra (Barlovento) (colección GAN). Entre 1943 y 1944 realiza La patria, elaborada en piedra artificial para el patio de la Escuela Militar de Venezuela y un altorrelieve para el auditorio. En La patria, con una muy personal resolución del motivo, consiguió que la valoración de formas y volúmenes imperara sobre el tema.

En 1943, Villanueva, encargado de la remodelación de la Urbanización El Silencio, lo comisiona a realizar dos grupos escultóricos para adornar la plaza principal; Narváez se basa en una antigua leyenda margariteña y realiza Las toninas, dos fuentes en piedra artificial ubicadas en la Plaza O'Leary (entonces Plaza Urdaneta). Años después, Villanueva lo llama a colaborar nuevamente en el proyecto de la integración de las artes de la Ciudad Universitaria, para la cual realiza cartones para varios murales en cerámica, entre otras obras: Retrato de María Luisa Tovar (Instituto de Medicina Experimental e Instituto Anatómico José Izquierdo, 1949-1950), La ciencia (piedra de Cumarebo, Instituto Anatómico José Izquierdo, 1950), La educación (piedra de Cumarebo, Instituto de Medicina Experimental, 1950), Ascención (pintura mural, capilla del Hospital Universitario, 1950), la fachada en cerámica esmaltada y el techo del comedor universitario (1951; mutilada la primera y cubierto el segundo en los trabajos de remodelación de 1982), el Retrato de José Gregorio Hernández (bronce, Instituto de Medicina Experimental, 1953), un mural en madera para la biblioteca Henry Pittier del Instituto Botánico (1956), Torso (madera, Facultad de Arquitectura y Urbanismo, 1956), Forma (madera, Hospital Universitario) y El atleta (piedra de Cumarebo, Estadio Olímpico, 1951). El atleta marca un punto culminante en su proceso de depuración; la figura, muy estilizada, está resuelta con grandes planos geometrizados y esquematizados, y se aleja del realismo figurativo de sus piezas anteriores. En 1948 obtiene el Premio Oficial de Pintura del IX Salón Oficial.

En 1953 viaja a Italia, se residencia durante seis meses en Pistoia, donde funde la estatua ecuestre del general Rafael Urdaneta, originalmente destinada a la Plaza de El Silencio, hoy en la Plaza Candelaria. El diario La Nazione de Florencia, Italia (2 de febrero de 1952) comentó que el monumento tenía "solidez de formas, redondez y plenitud de caracteres". Regresa al país también con otra obra, la Estatua en bronce, inicialmente ubicada en la terraza de la Biblioteca de la UCV, actualmente en la Plaza del Rectorado. Esta pieza es un ejemplo de las llamadas "formas nuevas" que empieza a trabajar ese año, en las que la figura humana estilizada, lograda con economía, se modificaba debido a tensiones internas de la masa, de manera que la anatomía se transformaba en referencia visual; Calzadilla insiste que estas formas no son abstractas y que toda la obra del escultor se asocia a una concepción humanística de la forma. En 1953 asumió la dirección de la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas (cargo que desempeñó hasta 1956). En 1954 realiza una exposición en la Sala Mendoza, donde presenta las llamadas "formas nuevas"; representa a Venezuela en la XVII y XVIII Bienal de Venecia (1954 y 1956), en la primera con 14 esculturas y en la segunda con tres. En 1955 participa en la Bienal de São Paulo y, en 1958, en la Feria Internacional de Bruselas junto a Jesús Soto. En 1962 participa en la exposición itinerante "Venezuela y su paisaje", organizada por la Fundación Fina Gómez en El Havre (Francia), Ginebra (Suiza), Barcelona (España), Madrid y París. Los trabajos de los años sesenta adquieren la rigidez, textura y oquedades del material, elementos que pasan a ser primordiales en sus trabajos posteriores; es notoria la investigación de las concavidades que ofrece el material trabajado, que destaca en la exposición de 1966 en la Sala Mendoza, año en que participa en el XXVII Salón Oficial, en el cual es reconocida su obra pictórica; asimismo talla Figura acéfala en samán blanco, destinada al BCV, cuya versión en bronce de 1981 forma parte de la colección GAN. Ejemplo de la investigación de los cóncavos es La ronda (1967), fuente realizada para la Avenida Santiago Mariño de Porlamar (Edo. Nueva Esparta), llevada luego al estacionamiento del Hotel Bellavista de esa ciudad, y posteriormente a la Plaza Bolívar. En 1969 talla una Virgen de Coromoto que el gobierno venezolano regaló al Estado de Israel, hoy en la Basílica de Nazaret, en Jerusalén.

En 1970 empieza a trabajar los Ochavados, en los que se aprecian las marcas y señales premeditadas de la acción del tallar (ochavar); estas piezas son, para Ariel Jiménez, un momento de ruptura poco comprendido, debido a lo tosco y abigarrado de las piezas, y representan una batalla entre el artista y la forma: "en la acumulación de planos, cortes, de fragmentos toscamente reunidos unos con otros, surgen las figuras grotescas que parecen dibujarlo, más bien desdibujarse, pues de eso se trata, de romper definitivamente en lo más íntimo de la obra con todo posible recuerdo de la figura humana" (1988, p. 1). En 1972 fue invitado de honor de la I Exposición Nacional de Artes Plásticas en el MBA y, en 1973, participó en la II Bienal Internacional de Pequeña Escultura en Budapest con 20 piezas. Para 1976 realiza serigrafías, técnica que le permitió obtener colores planos. El artista se encontraba entonces en una transición en su producción bidimensional. Ese año fueron restauradas Café y Frutas para la exposición antológica "Trayectoria de Francisco Narváez", realizada en el MACC. En 1978 representa a Venezuela en la "Exposición internacional" en el Grand Palais de París, junto a Héctor Poleo y Armando Reverón. En 1980 Roger Morffe dirige un cortometraje documental de tres minutos sobre la obra de este artista, titulado Narváez. Ese año dona 35 esculturas, 11 pinturas y 4 serigrafías al Museo Francisco Narváez, inaugurado el año anterior. En 1981 fueron restauradas Cacao y Perlas; su deterioro y mal estado de conservación produjo una polémica en la prensa en la que se cuestionó el valor que las instituciones educativas daban al arte. Ese año instala una pieza de dimensiones monumentales en Amuay (Judibana, Edo. Falcón), llamada Energía — El gran volumen por Alfredo Boulton—, hoy El gran volumen/energía (400 x 390 x 90 cm), obra concebida como un volumen dinámico, en el que se buscaba crear la sensación de giro de unas aspas de piedra con el contraste de la línea inclinada frente a la recta. En 1982 realizó otra escultura de grandes dimensiones para la Estación La Hoyada del Metro de Caracas, llamada Armonía de volúmenes y espacio. Luego del fallecimiento del artista en 1982, sus familiares crearon la Fundación Francisco Narváez.

En 1988, Juan Carlos Palenzuela y Axel Stein publicaron artículos de prensa en los que se cuestionaba la labor de la Fundación Narváez, debido a la producción de piezas en bronce, sacadas al mercado como ediciones y pruebas de artista no legitimadas. Ambos comentaron que sólo debía considerarse como auténtico aquello que el artista produjo en vida; también censuraron la producción de hasta dos series de una misma pieza. Ante los artículos, la Fundación contestó que Narváez siempre había deseado pasar muchas de sus piezas a materiales más duraderos y también señaló que, en el caso de las dos series, unas eran pruebas de artista proyectadas y no fundidas en vida del artista, y las otras, versiones definitivas de la misma obra. En 1995 fueron restauradas Las toninas por la Fundación, pero se deterioraron y debieron ser intervenidas nuevamente en 1998. Narváez aparece reseñado en el Diccionario de la escultura moderna (París: Hazan, 1960), en donde se señala que es un "inventor de formas líricas, teniendo el sentido de la plenitud y el equilibrio". Boulton insiste en que el trabajo pictórico y escultórico de este artista no se puede dividir en entidades separadas, aunque en diferentes períodos se haya dedicado más a una actividad que a otra, agregando que entre ambas disciplinas se estableció una simbiosis de elementos plásticos, que permitieron un enriquecimiento tanto en el tratamiento del contenido como en el de la materia. Sin embargo, es notoria la prevalencia que la actividad escultórica cobra sobre la pictórica. Como escultor, utilizó una amplia gama de técnicas y materiales que abarcaron el tallado en madera (caoba, vera, apamate, pardillo, ébano, carao, guayacán, cartán, samán, cují, amaranto, roble, cedro y vera), piedra (de Araya y de Cumarebo), mármol de Puerto Cabello, piedra artificial y el vaciado en bronce. En la talla directa y, en casos excepcionales como la figura-torso del BCV, utilizó añadidos para obtener una policromía de tonos distintos de los diversos bloques de material. Boulton realizó una periodización para el estudio de la obra del artista que se basa en las variaciones de su producción: un período inicial, criollista, denominado "primeras formas" (1928-1951); un segundo período en el cual priva la estilización de la esencia figurativa, el de las "formas nuevas" (1951-1966), y un último período de volúmenes geometrizados, llamado "volúmenes" (1970-1981). Pedro Briceño la divide en dos etapas: el período americano de los años treinta y la experiencia semiabstracta de los cincuenta. Sobre su obra, comenta Juan Calzadilla: "Narváez es un escultor de volúmenes rotundos y sólidos. Pocas veces se ha interesado por la espacialidad interna de la obra y por vaciar la forma, a la cual presenta siempre en piezas extensas formando bloques macizos de una o dos secciones, generalmente de apariencia monumental. La monumentalidad es una de sus características, por cuanto los volúmenes llenos y compactos requieren a menudo ser vistos a gran distancia, incorporados casi siempre al paisaje" (1981). Para este crítico, la importancia de la obra de Narváez va más allá de su trabajo escultórico, pues señala que fue precursor de nuevos lenguajes en la pintura, que desempeñó una actividad docente renovadora y que, además, se perfiló como el primer escultor que integró su obra al urbanismo. De Narváez, la GAN posee en su colección esculturas, pinturas y una maqueta escultórica.

===Obras de Francisco Narvaéz===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:Copia_de_boceto_para_la_fuente_de_las_tonitas_circa.JPG‎ | Boceto para la "Fuente de las toninas". Circa. 1944. Arcilla roja modelada inciso. 15,5 x 19,3 x 7,8 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_cabeza_de_muchacha.JPG‎ | Cabeza de muchacha. 1955. Mixta sobre masonite. 49,5 x 40,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_cabeza.JPG‎ | Cabeza. 1962. Talla en piedra de araya. 18 x 26 x 18,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_composi34345353534cion.JPG | Composición. Sin fecha. Relieve en madera de caoba laqueada. 111,7 x 152 x 4,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_criolla.JPG | Criolla. 1936. Talla en madera laqueada. 170 x 39 x 40 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_dos_volumenes_verticales_y_uno_horizontal.JPG‎ | Dos volúmenes verticales y uno horizontal. Década de los 70. Vaciado en bronce. 125 x 273 x 125 cm. Alcaldía mayor, en comodato. CONAC.
Imagen:Copia_de_dos_volumenes.JPG | Dos Volúmenes. 1976. Tallado en piedra. 105 x 130 x 88 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_eduardo_salomon_lahoud.JPG | Eduardo Salomón Lahoud. 1931. Óleo sobre tela. 41,5 x 33 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_figura_acefala.JPG‎ | Figura Acéfala. 1981. Fundición de bronce patinado. 190 x 88 x 50 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_figura_de_mujer_acefala.JPG‎ | Figura de mujer acéfala. 1966. Bronce patinado.180 x 84 x 45 cm. Instituto nacional de Hipódromos. CONAC.
Imagen:Copia_de_figura_decorativa.JPG‎ | Figura decorativa. Sin fecha. Talla en madera laqueada. 80 x 40 x 30 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_formas_sin_fecha.JPG | Forma. Sin fecha. Talla en madera. 100 x 145 x 99 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_girasoles,_circa.JPG‎ | Girasoles. 1930. Óleo sobre tela. 71 x 56 cm. Instituto Nacional de Hipódromos. CONAC.
Imagen:Copia_de_india.JPG‎ | India. 1937. Óleo sobre tela. 53,4 43,7 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_negra_de_barlovento_circa.JPG‎ | Negra de Barlovento. 1942. Óleo sobre tela. 63,1 x 54,3 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_serie_formar_horizontales_y_verticales.JPG | Serie Formas Horizontales y verticales. 1974. Serigrafía. 102 x 81,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_serie_formas_horizontales_y_verticales.JPG‎ | Serie Formas Horizontales y verticales. 1974. Serigrafía. 102 x 81,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_serie_formas_horizone4554545tales_y_verticaless.JPG‎ | Serie Formas Horizontales y verticales. 1974. Serigrafía. 79 x 90 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1945.JPG | Sin título. 1945. Grafito sobre papel encolado en cartón. 33 x 21,7 cm. CONAC.
Imagen:Copi3434343434a_de_sin_titulo.JPG | Sin título. Sin fecha. Serigrafía P/A 1/7. 79 x 90 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_torso.JPG | Torso. 1959. Fundición en bronce patinado. 51 x 38 x 35 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_tres_volumenes.JPG | Tres Volúmenes. 1981. Bronce dorado. 135 x 81 x 72 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_volumen.JPG | Volumen. Sin fecha. Bronce pulido sobre base de mármol. 38,5 x 20,5 x 16 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_volumenes.JPG‎ | Volúmenes. 1972. Fundición en bronce pulido y patinado. 92 x 45 x 38 cm. CONAC.
Imagen:Paisaje54353453.jpg | Paisaje. 1962. Óleo sobre tela. 90 x 85 cm. CONAC.
Imagen:Formas.jpg | Formas. 1966. Talla en Madera. 180 x 107 x 55 cm. CONAC.
</gallery>

==Exposiciones individuales==
*1928 Club Venezuela, Caracas
*1930 Club Venezuela, Caracas
*1934 Ateneo de Caracas
*1953 MBA
*1956 "Formas nuevas", Sala Mendoza
*1957 "Raíces", Sala Mendoza / "Formas nuevas", Centro de Bellas Artes, Maracaibo
*1959 Sala Mendoza
*1961 Sala Mendoza
*1964 Sala Mendoza
*1966 "Esculturas, pinturas", Sala Mendoza
*1968 Inciba, Porlamar, Edo. Nueva Esparta / Galería de Arte Moderno, Caracas
*1970 "Maderas y piedras ochavadas de Francisco Narváez", Sala Mendoza
*1971 Galería Framauro, Caracas
*1972 "Bronce cromado", Galería Antañona, Caracas / Galería Framauro, Caracas / Galería Gaudí, Maracaibo
*1973 "Gráficas", Galería Arte/Contacto, Caracas
*1974 "La trilogía", Galería Arte/Contacto, Caracas
*1976 "Trayectoria de Francisco Narváez", MACC / "Esculturas en bronce", Galería Marlborough, Nueva York / "Bronces bruñidos", Galería Arte/Contacto, Caracas / Galería Gaudí, Maracaibo
*1977 Capilla de San Ponziano, Palacio Comunal, Spoleto, Italia / Instituto de Cultura Italo Latinoamericano, Roma
*1978 Galería Sen, Madrid / Galería Arte/Contacto, Caracas / CIV, Puerto Ordaz
*1979 Dade Public Library System, Miami, Florida, Estados Unidos / Instituto Zuliano de la Cultura, Maracaibo / Galería Rafael Monasterios, Maracay
*1980 "La colección Narváez", Sala Cadafe / "El volumen y su huella", Museo Francisco Narváez / "Esculturas, pinturas, dibujos", Galería Alirio Rodríguez, Caracas / "Francisco Narváez en la colección GAN", GAN
*1981 "Varias etapas", Galería Siete Siete, Caracas / "Visión de Narváez", Casa del Rectorado, USB

==Exposiciones póstumas==
*1982 "Homenaje a Francisco Narváez", GAN
*1988 Galería Freites, Caracas / "Todos los tiempos de Narváez", Galería Municipal de Arte, Maracay
*1992 "Figuras, formas y volúmenes", Galería de Arte Ascaso, Valencia, Edo. Carabobo
*1993 "Hitos de una trayectoria", MAVAO / "Hitos de una trayectoria", Museo Francisco Narváez / "Hitos de una trayectoria", Sala Sidor
*1995 "Narváez o la aventura de las formas", MRE
*1997 "Gabinete Narváez", Fundación Francisco Narváez, Caracas
*1998 "Narváez, una colección", Fundación Daniela Chappard, Caracas
*2000 "Narváez", Los Espacios Cálidos

==Premios==
*1940 Premio Oficial de Escultura, I Salón Oficial
*1942 Premio John Boulton, III Salón Oficial
*1948 Premio Oficial de Pintura, IX Salón Oficial
*1963 Primer premio, IX Salón Julio T. Arze
*1964 Premio de escultura, X Salón Julio T. Arze

==Monumentos públicos==
Armonía de volúmenes y espacio, Estación La Hoyada, Metro de Caracas / Cristo, Seminario San José, El Hatillo, Edo. Miranda / El atleta, Estadio Olímpico, UCV / Escultura en piedra de Cumarebo, Bulevar La Asunción, La Asunción / Estatua de Fermín Toro, Liceo Fermín Toro, Caracas / Estatua ecuestre del general Rafael Urdaneta, Plaza La Candelaria, Caracas / Estatua en bronce, Plaza del Rectorado, UCV / Gran volumen/energía, Judibana, Edo. Falcón / Homenaje a Raúl Leoni, Bulevar Raúl Leoni, El Cafetal, Caracas / La ciencia, Instituto de Medicina Experimental, UCV / La educación, Instituto Anatómico José Izquierdo, UCV / La patria, EFOFAC / La ronda, Plaza Bolívar, Porlamar, Edo. Nueva Esparta / Las toninas, Plaza O'Leary, Caracas / Virgen de Coromoto, Basílica de Nazaret, Jerusalén

==Colecciones==
Banco Mercantil, Caracas / Colección Cisneros, Caracas / Fundación Francisco Narváez, Caracas / GAN / Liceo Andrés Bello, Caracas / Liceo Fermín Toro, Caracas / MACCSI / MACMMA / Mujabo / Museo Francisco Narváez / Museo Soto / Residencia Presidencial La Casona, Caracas / UCV

==Fuentes==
*Archivo Proyecto de Postulación de la Ciudad Universitaria ante la UNESCO, Caracas.
*Boulton, Alfredo. Narváez. Caracas: Ediciones Macanao, 1981.
*Calzadilla, Juan y Pedro Briceño. Escultura/escultores. Un libro sobre escultura en Venezuela. Caracas: Maraven, 1977.
*Calzadilla, Juan. "Narváez en la USB". En: El Nacional. Caracas, 13 de abril de 1981, p. C/16.
*Cinap, N 2.
*Gasparini, Marina y otros. Obras de arte de la Ciudad Universitaria de Caracas. Caracas: Conac, 1981.
*Jiménez, Ariel. "Piedra sobre piedra". En: El Universal. Caracas, 11 de diciembre de 1988, p. 4/1.
*Pineda, Rafael. Escultura y pintura de Francisco Narváez. Caracas: Inciba, 1968.
*Pineda, Rafael. Francisco Narváez, el maestrazo. Caracas: Tamayo y Cía., 1976.
*Pineda, Rafael. La escultura hasta Narváez. Caracas: Armitano, 1980.
*Rodríguez, Bélgica. Breve historia de la escultura contemporánea en Venezuela. Caracas: Fundarte, 1979.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve

==Comentarios==
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[[Category:CARACAS]]
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Méndez Osuna, Elbano

2013-02-15T22:48:55Z

Carlos Eduardo Morillo: /* Obras */

{{Faltan archivos}}

{{Ficha de artista
|titulo = Elbano Méndez
|imagen =
|nombrecompleto = Elbano Méndez Osuna
|nacimiento = 06 de febrero de 1918, Tovar Edo Mérida - Venezuela
|fallecimiento = 18 de diciembre de 1973, Tovar Edo Mérida - Venezuela
|nacionalidad = Venezolano
|area = Pintor
|firma =
}}

{{
#display_points:
Tovar Mérida Venezuela,Venezuela~Mérida~Lugar de nacimiento y Lugar de su Obra
}}

==Vida y Obra==
Pintor. Hijo de Hermes Osuna y Asunción Méndez. Estudió en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas (1936-1939) y posteriormente en la Escuela de Artes Aplicadas de la Universidad de Chile, la Escuela Nacional de Artes Gráficas de Madrid, la Academia La Grande Chaumière y el Atelier de André Lhote en París. Fue asistente de Rafael Rosales en las decoraciones de los cines Ávila y Boyacá en Caracas. Realizó ilustraciones para el semanario Fantoches que dirigía Leoncio Martínez (Leo). En 1942 viajó a Chile y asiste a los pintores mexicanos Xavier Guerrero y David Alfaro Siqueiros en la elaboración de los murales para la Agrupación Escolar México, en la población de Chillán. A su regreso realizó murales para la Escuela Concordia de Cabimas (Edo. Zulia, 1944) y el Liceo Libertador de Mérida (1945). En 1947, su envío al VIII Salón Oficial, dos paisajes, un retrato y un cuadro titulado Victoria griega, con "atisbos surrealistas", fue reconocido con el segundo premio nacional de pintura. Fue director de la Escuela de Artes Plásticas de San Cristóbal (1958-1962). En 1969 fue uno de los principales promotores del Taller Regional de Artes Plásticas de Tovar (Edo. Mérida). Realizó aguafuertes y litografías. Trabajó el óleo aunque tuvo preferencia por la acuarela. La GAN posee en su colección las obras Francia (óleo sobre cartón, 1948), Naturaleza muerta con flores (óleo sobre tela, 1969), Lomas de la virgen —Tovar— (óleo sobre tela, 1969), Naturaleza muerta —botella de chianti— (óleo sobre tela, 1971) y Niña de juguete (óleo sobre tela, sin fecha).
===Obras===
<gallery caption="" widths="250px" heights="250px" perrow="7" >
Imagen:Obras HomenajeDelacroixGoya ElbanoMendez.png|Título: Homenaje a Delacroix y Goya. Técnica: Caseína sobre madera
Imagen:Obras JuegoBolos ElbanoMendez.png|Título: Juego de Bolos
Imagen:Obras FloresGaleriaOdalys ElbanoMendez.png|Título: Flores, Ubicación: Galería Odalys, Caracas, Año: 1970
Imagen:Obras MusicosTachirenses ElbanoMendez.png|Título: Músicos Tachirenses
Imagen:Copia_de_francia.JPG‎ | Francia. 1948. Óleo sobre cartón. 77 x 60,5 cm. FNM
Imagen:Copia_de_lomas_de_la_virgen-_tovar.JPG‎ | Lomas de la Virgen- Tovar. 1969. Óleo sobre tela. 45,5 x 51 cm. FNM
Imagen:Copia_de_naturaleza_muerta_con_flores.JPG‎ | Naturaleza muerta con flores. 1969. Óleo sobre tela. 46,5 x 35 cm. FNM
Imagen:Copia_de_Naturaleza_muerta304085734579.JPG‎ | Naturaleza Muerta - botella de chianti. 1971. Óleo sobre tela. 35 x 46 cm. FNM
Imagen:Copia_de_niña_con_juguete.JPG‎ | Niña con juguete. Sin fecha. Óleo sobre tela. 62 x 90,5 cm. FNM.
Imagen:Copia_de_Sin_titulo.JPG‎ | Sin título. 1954. Litografía sobre papel. 37,2 x 34,9 cm. FNM.
</gallery>

===Centro Cultural Elbano Méndez Osuna===
[[Archivo:CentroCulturalElbanoMendezOsuna.png|600px|]]

==Exposiciones individuales==
*1948 CVA
*1961 Liceo de Aplicación, Caracas
*1962 San Cristóbal Tennis Club, San Cristóbal
*1963 Hotel Tamá, San Cristóbal
*1966 "Motivos tovareños y otros", Taller Libre de Arte, Caracas
*1968 "Producciones recientes", Galería Polo & Bot, Caracas
*1972 "Acuarelas", Galería Il Caravaggio, Caracas / Galería Sótano de Arte, Caracas

==Premios==
*1941 Mención honorífica, I Salón Universitario, Santiago de Chile
*1943 Premio José Loreto Arismendi, IV Salón Oficial / Mención honorífica, I Salón Arturo Michelena
*1946 Premio Club de Leones, IV Salón Arturo Michelena
*1947 Segundo Premio Oficial de Pintura, VIII Salón Oficial

==Colecciones==
Escuela Ayacucho, Lagunillas, Edo. Zulia / Escuela Concordia, La Salina, Edo. Zulia / Escuela Normal Miguel Antonio Caro, Caracas / GAN / Grupo Escolar República del Ecuador, Caracas / Liceo de Aplicación, Caracas / Liceo Libertador, Mérida / Mamja

==Fuentes==
*GRILLET, R. (2001). Fuentes Documentales y Críticas de las Artes Plásticas Venezolanas: siglos XIX y XX. Caracas: Consejo de Desarrollo Científico y Humanístico.
*VAZQUEZ, A. (1998). Manifestación Estética en Tovar. Universidad de Texas: Ediciones Tovar.
*OSUNA, W. (1978). Mas si yo fuese un poeta, un buen poeta. Caracas: Centro de Estudios Latinoamericanos Rómulo Gallegos.
*VERA, R. (2001). Cultores y Forjadores Merideños. Publicaciones "Riheve".
*Cinap, M 48

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve
*Yusleidy M. Reyes M. Estudiante de la Licenciatura en Historia del Arte de la ULA. Correo electrónico:

==Comentarios==
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[[Category:MÉRIDA]]
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[[Category:MASCULINO]]
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Otero, Alejandro

2013-02-14T01:58:14Z

Carlos Eduardo Morillo: /* Obras de Alejandro Otero */

{{Ficha de artista
|titulo = Alejandro Otero
|imagen = [[Imagen:A_otero.jpg‎ |250px]]
|nombrecompleto = Alejandro Otero
|nacimiento = 7 de marzo de 1921, El Manteco, Edo. Bolívar - Venezuela
|fallecimiento = 13 de agosto de 1990, Caracas - Venezuela
|nacionalidad = Venezolano
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|firma =
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{{
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El Manteco Bolívar Venezuela,Venezuela~El Manteco, Edo. Bolívar~Lugar de nacimiento;
Tanaguarena Vargas Venezuela,Venezuela~Tanaguarena, Edo. Vargas~Lugar de su Obra;
Valencia Carabobo Venezuela,Venezuela~Valencia, Edo. Carabobo~Lugar de su Obra;
Caracas Venezuela,Venezuela~Caracas~Lugar de su Obra;
Maracaibo Zulia Venezuela,Venezuela~Maracaibo, Edo. Zulia~Lugar de su Obra
}}

==Vida y obra==
Pintor y escultor. Hijo de José María Otero Fernández e Isabel Luisa Rodríguez. En 1939 inició sus estudios en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas bajo la tutela de Antonio Edmundo Monsanto, de quien se reconoció como discípulo. Otero "fue el pintor de su generación más capacitado para comprender y sentir a Cézanne, cuya obra lo sedujo al tiempo que, mientras estudiaba […], ponía el método analítico del pintor francés, partiendo del objeto tradicional de la naturaleza, la figura, el paisaje" (Calzadilla, 1975, p. 86). Siendo aún estudiante, es nombrado profesor del curso de experimentación plástica para niños (1942) y, dos años después, profesor de la cátedra de vitrales en esta institución. En sus primeras obras pertenecientes al período escolar se encuentran retratos, desnudos y paisajes. En ellos se evidencian las búsquedas iniciales de síntesis de elementos, característicos de toda su producción plástica. Paisaje de Los Flores (1941) y Autorretrato (1943, colección sucesión Alfredo Boulton) registran, por otra parte, su paso de la construcción de los planos a las calidades matéricas del color. En 1944 realiza su primera exposición, junto a César Enríquez, en el Ateneo de Valencia (Edo. Carabobo).

El Gobierno francés y posteriormente el ME le otorgaron en 1945 una beca para cursar estudios en París, hecho que representó su primer viaje al exterior. En 1946 inició la serie de trabajos conocidos como Cafeteras. La influencia de Pablo Picasso y las tendencias gestualistas son evidentes en estas obras que, gradualmente, se despojaron de toda representación hasta transformarse en líneas y estructuras de enorme fuerza expresiva. Otero trabajó las formas básicas para asir la esencia plástica de los objetos; la serie se inició en un principio con cacerolas (1946), cafeteras (1946-1947), cráneos (1947) y potes (1947). En 1948 realizó el grupo más numeroso, cafeteras rosas; asimismo trabajó candelabros, botellas y lámparas. Sin duda las calaveras fueron una especie de memento mori de la figuración, como en Calavera, de 1947 (colección Banco Mercantil, Caracas). En 1948, Otero es incluido en la muestra "Les mains éblouies" de la célebre Galería Maeght en París. A mediados de enero de 1949 regresó a Caracas. Las obras producidas en Francia se expusieron en el MBA, en el Taller Libre de Arte y en el IUPC, provocando polémicas. En una reseña de la época, Guillermo Meneses comentaba: "la pintura de Otero ha de asombrar, necesariamente. Es distinta a todo lo que habíamos visto en nuestro país. Y, además, ofrece una sensación de quien está seguro de sí mismo […]. Podríamos decir que las líneas, las formas, los objetos han sido profundizados, llevados hasta la honda atmósfera enmarcada que no existe jamás en la realidad: el propio espíritu, la propia pasión, el fino cerebro del artista" (1982, p. 36).

Regresó a París y, junto a Pascual Navarro, Mateo Manaure, Carlos González Bogen, Perán Erminy, Rubén Núñez, Narciso Debourg, Dora Hersen, Aimée Battistini y J.R. Guillent Pérez editaron, en marzo de 1950, la revista Los Disidentes, alrededor de la cual se articuló un grupo del mismo nombre. Desde esta publica¬ción propugnaron las tendencias del abstraccionismo y la puesta al día de los artistas venezolanos en París; atacaron los lineamientos académicos de sus viejos maestros y las ideas convencionales que guiaban las artes plásticas, los salones y los museos en Venezuela. Una nueva serie de su producción artística se inició en 1959, Líneas coloreadas sobre fondo blanco. En estas obras Otero se aleja del objeto y la representación para aislar la expresión pura de las líneas que ya estaban presentes en las Cafeteras. Este mismo año viaja a Holanda con Perán Erminy y Rubén Núñez, y al año siguiente, participa en el VI Salon des Réalités Nouvelles (París), y bajo los preceptos de Mondrian inicia sus Collages ortogonales, barras horizontales y verticales que se entrecruzan sobre un fondo de color en una relación cromática serial. La primera obra de este período se presentó en el Espacio Lumière de la Galería Suzanne Michel (París, 1952).

En 1952 regresa a Venezuela y participa en la "Primera muestra internacional de arte abstracto" (Galería Cuatro Muros, Caracas), así como en la experiencia colectiva de integración de las artes promovida por el arquitecto Carlos Raúl Villanueva en la Ciudad Universitaria de Caracas, proyecto que constituyó "el primer gran conjunto de arquitectura y arte que se erige en América Latina" (Traba, 1994, p. 83). Sus indagaciones en la abstracción encontraron en el hecho arquitectónico una significativa posibilidad de desarrollo que se aprecia en la Ciudad Universitaria, para la cual realizó tres murales y un vitral para la Facultad de Arquitectura y Urbanismo (1956) y Policromía para la Facultad de Farmacia (1959). Antes de su participación en el proyecto de Villanueva, Otero había realizado cinco paneles en mosaico y aluminio para el Anfiteatro José Ángel Lamas (Caracas, 1953), en dos de los cuales ya se aprecian los principios de los Coloritmos; Mástil reflejante (torre corrugada de aluminio y concreto) para la Estación de Servicio Las Mercedes (Caracas, 1954), y Panel en mosaico y aluminio para el Banco Mercantil y Agrícola (Caracas, 1954). Otero realizó sucesivamente el plafón para el Teatro del Este (Caracas, 1956); el Vitral para la casa de Alfredo Boulton (Caracas, 1956); Policromía para la Unidad Residencial El Paraíso (Caracas, 1957); Policromía para el Edificio Easo (Caracas, 1959); Panel en relieve monocromo para el Acuario Colinas de Carrizal (Carrizal, Edo. Miranda, 1959); Color cenital para la capilla del ancianato Fundación Anala y Armando Planchart (Tanaguarena, Edo. Vargas, 1974). En la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas se desempeñó como profesor de composición y análisis (1954-1955) y vitrales (1956). Dictó clases de apreciación artística en el Taller Libre de Arte. En 1954 desarrolló la serie Horizontales activas, en la que replanteó problemas ópticos, así como sobre el movimiento y el desarrollo de las posibilidades del color.

Entre 1955 y 1960 trabajó en los Coloritmos, serie de tablones rectangulares realizados con pintura industrial aplicada con compresor y plantillas sobre láminas de madera contrachapada alejándose de esta manera de las calidades pictóricas para insistir en las puramente compositivas. En 1956, el MOMA adquiere el Coloritmo 1. Este año, Otero es incluido en la representación venezolana para la XXXVIII Bienal de Venecia, con cinco obras. Los Coloritmos tendrán repercusión latinoamericana y le merecerán a Otero reconocimientos en São Paulo (1959) y Barranquilla (Colombia, 1960). Con motivo del desacuerdo con los criterios manejados en la entrega de premios del XVIII Salón Oficial, en 1957, sostuvo, a través del diario El Nacional, una célebre polémica con Miguel Otero Silva defendiendo el abstraccionismo. Hasta ese momento, Alejandro Otero había publicado artículos combativos que habían despertado polémicas, como la que sostuvo con Mario Briceño Iragorry en 1952, pero en esta ocasión, Otero rebatió que a los abstraccionistas se les reprochara una tendencia cuyo "signo es la evasión" y el "frío invernadero de una fórmula repetida" (citado en Otero, 1993, p. 145). Interesado en el teatro, Otero realizó la escenografía para El dios invisible, de Arturo Uslar Pietri (Teatro Nacional, 1957), experiencia que repitirá con las escenografías de Calígula, de Albert Camus (Teatro Municipal, 1958) y Fuenteovejuna, de Lope de Vega (Ateneo de Caracas, 1966). En esta última el artista no dudó en crear un escenario de estructuras puras en contraste con los vestuarios de época. En 1958 obtuvo el Premio Nacional de Pintura en el XIX Salón Oficial con su Coloritmo 35. "En ese instante la pintura abstracta, la pintura no objetiva, queda no solamente reconocida oficialmente, lo cual ya había tenido lugar al participar en salones anteriores, sino que resultaba premiada como expresión de una de las principales corrientes de nuestro lenguaje plástico. Este hecho hubo de revolucionar el concepto estético del mensaje pictórico, dentro del pronunciamiento genérico de las diferentes tendencias que venían revisándose desde años atrás en Venezuela" (Boulton, 1972, p. 178). Participó, ese mismo año, en la reformulación conceptual de la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas que, a partir de ese momento, se llamó Escuela Cristóbal Rojas, institución en la que reinició actividades docentes. Se desempeñó como coordinador del MBA entre 1959 y 1960. Otero participa en 1959 en la V Bienal de São Paulo con su serie Coloritmos.

A finales de 1960 viaja nuevamente a París. En este período su obra sufrió profundos cambios al abandonar el riguroso y colorido abstraccionismo geométrico de los Coloritmos con la serie Telas blancas, desarrollada a partir de los postulados de la monocromía. En estas obras el color prácticamente desaparece. Lo único que subsiste es la aproximación a la gestualidad plástica en superficies monocromáticas de naturaleza informalista y factura pastosa. Movimientos como el informalismo, el arte pop y el nuevo realismo europeo, muy en boga en los primeros años de la década de los sesenta, fueron determinantes en el surgimiento de una nueva serie dentro de su producción. Es así como en 1962 desarrolló los Ensamblajes y Encolados, que retoman los postulados de Duchamp y variantes de artistas como Louise Nevelson, en collages de cartas manuscritas sobre puertas carcomidas por el tiempo, como en Bonjour Mr. Braque (1961), o ensamblajes monocromos como El alicate azul (1961) o Serrucho horizontal (1963). Ese año participa con tres obras en la VII Bienal de São Paulo. Regresó a Caracas en 1964. Fue nombrado vicepresidente del Inciba, cargo que desempeñó hasta 1966. Comenzó a trabajar los Papeles coloreados, serie que constituyó una verdadera síntesis de sus búsquedas: el rigor geométrico y la expresión informal expresados a través de recortes de periódicos teñidos en diversos colores y pegados a manera de líneas y planos puros. En estas obras, "testimonio del tiempo al igual que las cartas, sitúa Otero el color hecho forma en el espacio" (Palacios, 1969. p. XX). Un año después, junto a Jesús Soto y Víctor Valera, representó a Venezuela en la XXXIII Bienal de Venecia, con 49 obras de diferentes períodos.

En 1967 inició una nueva etapa dentro de sus búsquedas al iniciar obras tridimensionales. Hasta ese momento, las obras de Otero habían mantenido en su participación urbana una discreta fórmula bidimensional. "El estallido se produjo cuando el soporte plano se volvió insuficiente para contener ese espacio y expresarlo" (Otero, 1990, p. 49). A partir de ese momento, el interés que Otero confiere a la ciencia y la tecnología perfiló el nuevo rumbo de su obra. Frente a un equipo multidisciplinario inició, ese mismo año, el proyecto de la Zona Feérica de El Conde, concebido como un gran espectáculo en homenaje al cuatricentenario de la fundación de Caracas, coordinado por Inocente Palacios. En este proyecto, las estructuras ideadas por los artistas participantes eran el centro de las actividades recreativas. Dentro de este contexto desarrolló las esculturas Rotor, Vertical vibrante oro y plata, Estructura sonovibrátil, Noria, Torre acuática e Integral vibrante, inauguradas en 1968, año en el que se instaló Vertical vibrante en Maracay. En este año desarrolló un especial interés por las artes gráficas realizando aguafuertes. Junto a Humberto Jaimes Sánchez y Luisa Palacios produjo monotipos para el libro Humilis herba con textos de Aníbal Nazoa en una edición de 50 ejemplares numerados. La Gobernación del Estado Bolívar (Ciudad Bolívar) creó, en 1971, el Salón Anual de Pintura Alejandro Otero.

Ese mismo año obtuvo la beca de la Fundación John Simon Guggenheim. Gracias a ella se incorporó al Centro de Estudios Visuales Avanzados del MIT, donde continuó sus investigaciones sobre las esculturas cívicas y sus nexos con la realidad natural (luz, viento, clima) para crear "enormes volúmenes en acero inoxidable, de aparente fragilidad, transparentes, con aspas en direcciones opuestas, cuerpos con movimientos internos y externos, torres astrales para una comunicación aún no codificada. Esculturas que son ecos de luces y vientos" (Palenzuela, 1990, p. 7). Durante su permanencia en el MIT participó en equipos multidisciplinarios que estudiaron y practicaron la relación entre arte y ciencia en el mundo contemporáneo. Las obras realizadas en este período (maquetas para obra a escala cívica y doméstica) se expusieron en la Galería Conkright en 1972. En 1973, Otero comenzó a trabajar en la serie de pintura Tablones, "una variante de las 'líneas de color sobre fondo blanco' de 1951, o como las obras preparatorias de los Coloritmos. Pero más 'espaciales' que éstos y en 'puro color' (Balza, op. cit., p. 122). En los Coloritmos, Otero había incluido el blanco como color, pero en los Tablones éste se vuelve elemento organizador. En 1975 asistió como invitado especial a la XIII Bienal de São Paulo, donde presentó un audiovisual con películas, 1.000 diapositivas y 11 pantallas sobre sus investigaciones artísticas. El Estado venezolano donó, en 1976, la escultura Ala solar al Gobierno colombiano. Esta fue instalada frente al Centro de Administración Distrital en la Avenida Jorge Eliécer Gaitán de Bogotá. Junto con Miguel Otero Silva y Manuel Espinoza, introdujo el proyecto de creación de la GAN, que inició sus actividades en 1976. En este mismo año realizó, en México, dos exposiciones individuales, oportunidad para la cual donó la obra Casa solar para ser colocada en la entrada del futuro Museo de Arte Contemporáneo Rufino Tamayo (Oaxaca de Juárez, México), artista que, al referirse a Otero, expresó: "hay en él una especial inquietud en descubrir nuevas posibilidades plásticas […] pero lo más importante es que, en cada experimento que ha realizado, ha resuelto cosas, las ha convertido en hechos definitivos. Creo que es un precursor, alguien que se adelanta a los movimientos que vendrán" (El Nacional, 31 de enero de 1976). En la sede del Centro de Información y Turismo del Gobierno de Venezuela en Nueva York, se presentó el audiovisual Presentation and scale models of sculptures by Alejandro Otero. Fue nombrado presidente de la Comisión Especial de Artes Plásticas del Conac. Con motivo del bicentenario de la Independencia de Estados Unidos, el Gobierno venezolano ofreció a este país la escultura Delta solar. La donación fue aceptada por el Congreso de Estados Unidos. La obra se instaló, un año después, en el jardín oeste del Museo del Aire y del Espacio, en Washington, lo que significó un alto reconocimiento a la trayectoria del artista. Otero participó, en 1976, en el proyecto concebido por la Corporación Olivetti para rendir homenaje a Leonardo da Vinci y a un artista contemporáneo que resumiera algunas claves de la filosofía de la empresa, como la relación entre el espacio y los sueños de los hombres, la integración de la técnica con los elementos de la naturaleza. Esto le permitió presentar su Estructura solar, un paralelepípedo conformado por 54 aspas y más de 10 metros de altura. La obra fue instalada en el patio de honor del Castello Sforzesco en Milán, lugar donde Leonardo proyectó realizar un monumento ecuestre a Ludovico Sforza. En 1980 la obra fue colocada permanentemente en el Palacio Olivetti en Ivrea (Italia). En 1979 ilustró el libro de Orlando Araujo, Alejandro Otero, el niño que llegó hasta el sol (Caracas: Ediciones María di Masse, 1979).

Representó a Venezuela en la XL Bienal de Venecia, celebrada en 1982. Allí se presentó con 13 obras de mediano tamaño, maquetas, 50 dibujos, diapositivas y dos estructuras: Abra solar y Aguja solar, las cuales fueron instaladas a la entrada de la sede de la Bienal y en el Lido de Venecia. También en 1982, el cineasta Ángel Hurtado realizó los videos Alejandro Otero en Venecia y Abra solar y las cuatro estaciones. Al año siguiente, las estructuras que participaron en la Bienal de Venecia fueron instaladas en la Plaza Venezuela y frente a la sede de Interalúmina (Puerto Ordaz), respectivamente. Con la serie de Émbolos vibratorios, lleva a mediano formato las proposiciones ya formuladas y cumplidas con sus esculturas a escala monumental. En los espacios del MACC se realizó, en 1985, la más grande exposición retrospectiva de su obra. La muestra incluyó 763 piezas que abarcaban todas las etapas de su producción plástica. En 1986 instaló en la Plaza La Democracia en el Complejo Hidroeléctrico Raúl Leoni (Guri, Edo. Bolívar), la Torre solar, obra que, a juicio del artista, fue su obra más importante hasta ese momento (Blanco, 1986, p. 28). Se incorporó, en 1987, al Centro de Investigaciones IBM de Venezuela como investigador visitante. Con la asistencia de Ana Margarita Blanco experimentó con las posibilidades del diseño con computadora cuyos resultados fueron publicados, dos años más tarde en Alejandro Otero: Saludo al siglo XXI, libro que el artista dedicó como un tributo a los hombres de ciencia. La I Bienal de Guayana, celebrada en 1987, sirvió de marco para rendirle homenaje. Al Museo Soto, sede de la bienal, donó, al año siguiente, 33 obras para su colección. En 1990, la Galería Propuesta Tres mostró, por primera vez al público, los Monocromos. Con el artículo "Sólo quisiera ser puntual", publicado en El Nacional, obtuvo el Premio Henrique Otero Vizcarrondo al mejor artículo de opinión. Fallece a los 69 años de edad. Por decreto presidencial y como homenaje póstumo, el 14 de agosto el Museo de Arte La Rinconada asumió el nombre de Museo de Artes Visuales Alejandro Otero. La Gobernación del Estado Bolívar (Ciudad Bolívar) creó el Premio de Artes Plásticas Alejandro Otero. Representó en 1991 a Venezuela en la XXI Bienal de São Paulo con 75 obras, en la cual le fue otorgada una mención honorífica post-mortem. Se presentó en ese evento el video Alejandro Otero. Arte para el siglo XX, realizado por Xavier Sarabia. En conmemoración del primer aniversario de su fallecimiento, el MAVAO organizó una exposición que incluyó la versión definitiva de los Collages ortogonales realizados por medio de la computado¬ra y el primer ensayo de escultura para la intemperie en color Una flor para Nora. Su obra Estructura espacio-cromática, también conocida como Los Cerritos, realizada con Mercedes Pardo, fue restaurada e instalada en la autopista Caracas-La Guaira.

===Obras de Alejandro Otero===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:Copia_de_desnudo_de_espalda_azul.JPG‎ | Desnudo de la Espalda azul. 1944. Sanguina y pastel sobre papel. 45,8 x 31,8 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_desnudo_de_espalda_roja.JPG‎ | Desnudo de la Espalda rosa. 1944. Sanguina y pastel sobre papel 36 x 32,2 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_autoretrato234344.JPG | Autorretrato. 1945. Óleo sobre cartón. 51 x 34,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_desnudo_1945.JPG | Desnudo. 1945. Carboncillo sobre papel encolado en cartón. 65,3 x 48 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_cerros_de_agua_azul.JPG‎ | Cerros de agua azul. 1945. Óleo sobre cartón piedra. 43 x 60,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_desnudoo_1945.JPG‎ | Desnudo. 1945. Carboncillo sobre papel. 65,5 x 45,2 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_desnudo.JPG‎ | Desnudo. 1946. Tinta china sobre papel. 20 x 17 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_juan_jose_arreola.JPG | Juan José Arreola. 1946. Carboncillo y pastel sobre papel. 36,9 x 28,6 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_la_borella_y_la_lampara_II.JPG | La Botella y la lámpara II. 1947. Óleo sobre tela. 72,9 x 60,2 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_Cafetera_rosa.JPG‎ | Cafetera Rosa. 1947. Óleo sobre tela. 79,6 x 64,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_josefina_salgado.JPG‎ | Josefìna Salgado. 1948. Óleo sobre papel encolado en masonite. 60,3 x 41,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_la_botella_y_la_lampara_IV.JPG | La botella y la lámpara IV. 1948. Óleo sobre tela. 72,9 x 60,2 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_abstraccion_1950.JPG‎ | Abstracción. 1950. Óleo sobre tela. 99,5 x 81 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_composicion_A.JPG‎ | Composición A. 1951. Esmalte sobre masonite. 124,5 x 123,9 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_Lineas_coloreadas_sobre_fondo_blanco.JPG‎ | Lineas Coloreadas sobre fondo blanco. 1951. Óleo sobre tela. 130 x 96,7 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_boceto_para_colortimo.JPG | Boceto para Coloritmo. 1958. Guache sobre papel sobre madera. 26,5 x 18 x 5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_boceto_para_colortmo_nº_42.JPG | Boceto para Coloritmo nº 42. 1959. Tinta sobre papel y cartulina. 22 x 9 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_paisaje.JPG‎ | Paisaje. 1959. Óleo sobre tela. 38,3 x 54,9 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1960.JPG‎ | Sin título. 1960. Acrílico y objeto de metal sobre madera. 50 x 47 x 5,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_monocromo_amarillo.JPG‎ | Monocromo Amarillo. 1961. Óleo sobre tela. 75,2 x 60 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_tela_I.JPG | Tela I. 1961. Óleo sobre tela. 72,9 x 60 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_Bloody_mary.JPG‎ | Bloody Mary (Tela VI). 1961. Óleo sobre tela. 73,5 x 60 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_oxido.JPG | Óxido. 1962. Ensamblaje en metal sobre madera. 63 x 82,5 x 11 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_la_cadena.JPG‎ | La cadena. 1962. Ensamblaje en cadena de hierro y madera. 123,5 x 24,9 x 12 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_blanc_blanc.JPG | Blanc/Blanc. 1962. Objeto de madera y metal sobre madera. 60 x 72 cm. CONAC
Imagen:Copia_de_Pincel_y_cuadro_blanco.JPG‎ | Pincel y Cuadro Blanco. 1963. Esmalte y brocha sobre madera. 90,2 x 66,3 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_pisa_1821.JPG | Pisa 1821. 1963. Papel sobre madera. 60 x 57 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_tokyo.JPG | Tokio. 1965. Papel coloreado sobre madera. 50,6 x 43,3 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_collage_nº_67.JPG | Collage nº 67. 1965. Papel periódico coloreado y cartón sobre madera. 52 x 44,3 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_15.JPG | 15. 1965. Papel periódico y tinta sobre cartón pidra. 61,5 x 53,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_tension_granate.JPG | Tensión Granate. 1966. Acrílico y objeto de madera sobre madera. 73,4 x 63,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_tension_oblicua.JPG | Tensión Oblícua. 1966. Objeto de metal, madera y acrílico sobre madera. 73,4 x 63,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_torre_de_viento_sobre_virtual_vibrante.JPG | Torre de viento sobre virtual vibrante. 1968. Construcción móvil. 2400 x 200 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_album_humilis_herba_1968.JPG‎ | Sin título ( Álbum Himilis herba). 1968. Monotipo sobre papel. 45 x 32,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_rotor.JPG | Rotor. 1968. Ensamblaje y aluminio anodizado. 550 x 100 x 100 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_hje.JPG‎ | Huella y Contrahuella. 1969. Intaglio sobre papel. 45,3 x 32,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1970.JPG | Sin título. 1970. Grabado P/A. 22 x 10 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1972.JPG‎ | Sin título. 1972. Serigrafía sobre papel. 75,9 x 56,4 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_austral.JPG‎ | Austral. 1972. Serigrafía sobre papel. 74,6 x 56,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_19803445667.JPG‎ | Sin título. 1980. Serigrafía sobre papel. 76 x 56,4 cm. Instituto Nacional de Hipódromos. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1985454545.JPG‎ | Sin tìtulo. 1985. Serigrafía sobre papel. 65,5 x 50 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_tablon_(anteriormente_colorritmo)_1985.JPG | Tablón. 1985. Serigrafía sobre papel P/A. 37 x 21,8 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_una_flor_para_el_desierto.JPG | Una Flor en el desierto. 1985. Ensamblaje en aluminio y acero. 502 x 566 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_en_vertical_rojo_y_oro_1985.JPG‎ | En vertical Rojo y oro. 1985. Serigrafía a color sobre papel. 56,5 x 56,4 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_cafetera_azul_1987.JPG‎ | Cafetera Azul. 1987. Serigrafía sobre papel 260/300. 100,8 x 74 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_abra_solar.JPG‎ | Abra Solar (Serie Saludo al siglo XXI). 1989. Duratrams en caja de luz. 100,5 x 100,5 x 17,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_parabolica.JPG | Parabólica (Serie Saludo al siglo XXI). 1989. Duratrams en caja de luz. 100,5 x 100,5 x 17,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_aurea.JPG | Áurea. 1989. Duratrams en caja de luz. 100,5 x 100,5 x 17,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_tea.JPG‎ | Tea ( Serie Saludo al siglo XXI). 1989. Duratrams en caja de luz. 100,5 x 100,5 x 17,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_bromeliacea.JPG | Bromeliácea. Sin fecha. Duratrams. 125 x 125 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_orion.JPG‎ | Orión. Sin fecha. Duratrams. 122 x 135 x 12 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_torre_solar.JPG | Torre Solar. Sin fecha. Duratrams. 125 x 125 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_estructura_solar.JPG | Estructura Solar. 1990-1995. Aluminio y Acero. 600 x º700 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_maternidad.JPG | Maternidad. Sin fecha. Modelado en yeso. 21 x 20,5 x 20,7 cm. CONAC.
</gallery>

==Exposiciones individuales==
*1945 Librería La France, Caracas
*1948 "Still-life. Themes and variations", Unión Panamericana, Washington
*1949 "Cafeteras", MBA / Taller Libre de Arte, Caracas / IUPC
*1957 "Coloritmos", Galería de Arte Contemporáneo, Caracas
*1960 "Coloritmos de Alejandro Otero", MBA
*1962 "Coloritmos y relieves de París", MBA / "Líneas sobre blanco", Galería El Muro, Caracas / "Obras de Alejandro Otero", Sala Mendoza
*1963 Galería Wulfengasse, Klagenfurt, Austria
*1964 "Ensamblajes y encolados", Sala Mendoza
*1965 "Papeles encolados", Sala Mendoza
*1966 "A Quarter of a Century of the Beautiful Art of Alejandro Otero: 1940-1965", Galería Signals, Londres
*1971 "Coloritmos 1960-1971", Galería Conkright, Caracas
*1972 "Obra serigráfica 1", Galería Conkright, Caracas
*1973 "Maquetas de esculturas", Galería Conkright, Caracas
*1974 "Tablones", Galería Conkright, Caracas
*1975 "Retrospectiva", Galería Adler/Castillo, Caracas / "A retrospective", Museo de Arte, Universidad de Texas, Austin, Texas, Estados Unidos
*1976 "Retrospectiva", Museo de Arte Moderno, Ciudad de México / "Otero. Obra serigráfica", Galería Pecanins, Ciudad de México
*1978 Centro de Arte El Parque, Valencia, Edo. Carabobo
*1980 "Obra serigráfica", Galería Rafael Monasterios, Maracay
*1985 MACC / Galería Allen/Wincor, Nueva York / "4 x Otero para el 86", Galería Miguel & Fuenmayor, Caracas
*1987 "15 tablones", Galería Óscar Ascanio, Caracas
*1990 "Saludo al siglo XXI", Museo de Arte, Coro / "Saludo al siglo XXI", MACCSI / "Saludo al siglo XXI", Sala Ipostel / "Monocromos", Galería Propuesta Tres, Caracas / "La búsqueda de las estructuras de la realidad", Museo Soto

==Exposiciones póstumas==
*1990 "Tributo al maestro Alejandro Otero 1921-1990", GAN / "Las estructuras de la realidad", Museo Soto
*1991 "Las estructuras de la realidad", MBA / "Las estructuras de la realidad", Museo Soto / "Últimos trabajos", MAVAO
*1993 "Memorabilia", Sala Sidor / "Alejandro Otero: 1921-1990", Centro de las Artes, Ciudad Bolívar
*1994 "Líneas de luz, esculturas virtuales de Alejandro Otero", MAO
*1995 "Exploraciones inéditas. Joyas de Alejandro Otero", MAO
*1997 "Coloritmos de Alejandro Otero", MAO

==Premios==
*1941 Primer premio y mención honorífica, Concurso de Carteles, II Exposición del Libro Venezolano, Caracas
*1942 Premio al mérito especial para los estudiantes de artes plásticas, III Salón Oficial
*1945 Premio Andrés Pérez Mujica y Premio Emilio Boggio, III Salón Arturo Michelena
*1957 Premio Compañía Anónima Venezolana de Cementos, IV Salón D'Empaire / Premio John Boulton, XVIII Salón Oficial
*1958 Premio Nacional de Pintura, XIX Salón Oficial
*1959 Mención honorífica, V Bienal de São Paulo
*1960 Primer premio, II Salón Interamericano de Pintura, Barranquilla, Colombia
*1964 Premio Nacional de Artes Aplicadas (compartido con Mercedes Pardo), XXV Salón Oficial
*1966 Premio de esmalte (compartido con Mercedes Pardo), Muestra Internacional de Artesanía Artística, Stuttgart, Alemania
*1991 Mención honorífica post-mortem, XXI Bienal de São Paulo

==Colecciones==
Air and Space Museum, Washington / Ancianato Fundación Anala y Armando Planchart, Tanaguarena, Edo. Vargas / Anfiteatro José Ángel Lamas, Caracas / Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo / Banco del Libro, Caracas / Banco Mercantil, Caracas / Base Naval Contralmirante Agustín Armario, Puerto Cabello / BN / Cadafe, Caracas / CANTV / Centro Artístico de Barranquilla, Colombia / Centro de Administración Distrital, Bogotá / Colección Cisneros, Caracas / Edificio Easo, Caracas / Estación de Servicio Las Mercedes, Caracas / Fundación Noa Noa, Caracas / Galería Municipal de Arte, Puerto La Cruz / GAN / Hospital Clínico, Maracaibo / Interalúmina, Puerto Ordaz / IVIC / MACCSI / Mamja / MAO / MBA / Metro de Caracas / MOMA / Mujabo / Museo Arturo Michelena, Caracas / Museo de Anzoátegui, Barcelona, Edo. Anzoátegui / Museo de Arte Contemporáneo Rufino Tamayo, Oaxaca de Juárez, México / Museo de Arte Moderno de América Latina, OEA, Washington / Museo de Arte Moderno, Bogotá / Museo de Bellas Artes, Dallas, Texas, Estados Unidos / Museo de la Universidad de Arizona, Tucson, Arizona, Estados Unidos / Museo Francisco Narváez / Museo Nacional de Bellas Artes, Houston, Texas, Estados Unidos / Museo Soto / Palacio Olivetti, Ivrea, Italia / Residencia Presidencial La Casona, Caracas / Sidor / Teatro del Este, Caracas / UCV / Unidad Residencial El Paraíso, Caracas / USB

==Fuentes==
*[Salazar, Élida]. Artistas visuales: hombres de teatro. Caracas: Conac, 1996.
*Archivo MAO.
*Archivo MBA.
*Balza, José. Alejandro Otero. Milán: Olivetti, 1977.
*Balza, José. Un color demasiado secreto. Caracas: Ediciones Maeca, 1985.
*Bayón, Damián. La transición a la modernidad. Bogotá: Tercer Mundo, 1989.
*Blanco, Anne de. "Un monumento a la democracia". En: Diagnóstico, II, 7. Caracas, 1 de noviembre de 1986.
*Boulton, Alfredo. Alejandro Otero. Caracas: OCI, 1966.
*Boulton, Alfredo. Alejandro Otero. Milán: Ascanio Editores, 1984.
*Boulton, Alfredo. Historia de la pintura en Venezuela, III. Caracas: Armitano, 1972. Segunda edición en Caracas: Armitano, 1975.
*Calzadilla, Juan. El arte en Venezuela. Caracas: Ediciones del Círculo Musical, 1967.
*Calzadilla, Juan. El artista en su taller. Caracas: CANTV, sin fecha.
*Calzadilla, Juan. Pintura venezolana de los siglos XIX y XX. Caracas: Litografía Tecnocolor, 1975.
*Cinap, O 16.
*Guevara, Roberto. Ver todos los días. Caracas: Monte Ávila-GAN, 1981.
*La Corte, Luis Miguel. "El atrevido señor de los espacios". En: El Universal. Caracas, 15 de agosto de 1990.
*Meneses, Guillermo. "La exposición de Alejandro Otero Rodríguez". En: El Nacional. Caracas, 3 de enero de 1949. Citado en: El arte, la razón y otras menudencias. Caracas: Monte Ávila, 1982.
*Montero Castro, Roberto. "Alejandro Otero, visión del mundo a través de la luz". En: Arte de Venezuela. Caracas: Concejo Municipal del Distrito Federal, 1977.
*Otero, Alejandro. El territorio del arte es enigmático. Caracas: MACCSI, 1990.
*Otero, Alejandro. Memoria crítica. Caracas: Monte Ávila-GAN, 1993.
*Otero, Alejandro. Papeles biográficos. Upata: Predios, 1994.
*Otero, Alejandro. Saludo al siglo XXI. Caracas: Armitano Editor, 1989.
*Otero, Soto, Cruz-Diez. Tres maestros del abstraccionismo en Venezuela y su proyección internacional (catálogo de exposición). Caracas: GAN, 1994.
*Palacios, Inocente. Alejandro Otero. Caracas: Inciba, 1967.
*Palenzuela, Juan Carlos. "Alejandro Otero en el siglo XXI". En: Papel Literario de El Nacional. Caracas, 11 de febrero de 1990.
*Picón Salas, Mariano. La pintura en Venezuela. Caracas: Secretaría General de la Décima Conferencia Interamericana, 1954.
*Presencia de Alejandro Otero en la Bienal de Venecia 1982. Venecia: Faesta Squatriti Editore, 1984.
*Rodríguez, Bélgica. La pintura abstracta en Venezuela 1945-1965. Caracas: Maraven, 1980.
*Sego, François. Alejandro Otero y la crisis de la pintura moderna. París: sin editorial, 1948.
*Traba, Marta. Arte de América Latina 1900-1980. Bogotá: Banco Interamericano de Desarrollo, 1994.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve

==Comentarios==
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Millán, Víctor

2013-02-11T18:26:01Z

Carlos Eduardo Morillo:

{{Ficha de artista
|titulo = Víctor Millán
|imagen = [[Imagen:Fotovictor_millan.JPG|250px]]
|nombrecompleto = Víctor Millán
|nacimiento = 15 de agosto de 1919, Punta de Araya, Edo. Sucre - Venezuela
|fallecimiento = 17 de septiembre de 1991, Coro, Edo. Falcón - Venezuela
|nacionalidad = Venezolano
|area = Pintor
|firma =
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{{
#display_points:
Araya Sucre Venezuela,Venezuela~Punta de Araya, Edo. Sucre~Lugar de nacimiento;
Caracas Venezuela,Venezuela~Caracas~Lugar de su Obra
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==Vida y obra==
Pintor. En 1930 se traslada con su familia a Cumaná y a los 13 años realiza su primer viaje como aprendiz de marinero. Prestó servicio militar en los Andes desde 1937 hasta 1939, cuando regresa a oriente. Entre 1942 y 1943 realizó varios viajes por mar. En 1944 pintó su primer cuadro, La batalla entre Venezuela y Colombia. Este mismo año se instala en La Guaira, donde contrae matrimonio con Carmen Antonia Aranguren. En 1949 conoce a Feliciano Carvallo, quien con el tiempo se convertirá en su amigo y protector. Millán reinterpretó recursos empleados por Carvallo, como el uso del recubrimiento del soporte con un fondo monocromo de pintura industrial, que aplicaba para obtener la calidez o frialdad cromática de su obra. En 1951, Francisco Da Antonio lo incluye en la "Primera muestra de pintura de hoy", organizada por el Taller Libre de Arte. A partir de este momento comenzó a figurar en el grupo de los llamados fundadores del arte ingenuo. En 1952 participó en el VI Salón Planchart con la obra Guanta. En 1954 realizó su primera individual en el Taller Libre de Arte, figuró en el XV Salón Oficial con Carnaval de oriente y en el I Salón D'Empaire con Fiesta en la calle y Matrimonio en el Cordonal. En 1956 participó en la "Primera colectiva de arte ingenuo" en el Bar Sorpresa (Petare, Edo. Miranda), el XVII Salón Oficial y el VIII Salón Planchart. En 1957 participa en el XVIII Salón Oficial y, paralelamente a sus trabajos como pintor, se dedica a la albañilería. Este mismo año, Francisco Da Antonio organiza la muestra "Dos primitivos: Rivas y Millán" y, junto a Feliciano Carvallo y Bárbaro Rivas, se presentó en la IV Bienal Internacional de São Paulo. Participó en el Salón Oficial con Güigüe y La Guaira (ambas de la colección GAN) en 1958, Composición y Calle de Maracaibo en 1959, El llano en 1961 y San Francisco de Yare y La Virgen de Oriente en 1962. En 1961, junto a Pedro Velazco Cova, expone al aire libre en el callejón México, frente a la Escuela Experimental Venezuela (Caracas), en protesta a la falta de espacio para exponer; en 1962, junto a Feliciano Carvallo y Bárbaro Rivas forma parte de "Naive Painters of Latin America", y, entre 1963 y 1964, exhibe en la Galería El Muro y en la Galería G (Caracas). En 1965 organiza "Arte ingenuo de Mare Abajo", que reunió a distintos artistas de los que integraron el Taller de Arte Popular de esa localidad y participa en el XXVI Salón Oficial. En 1966 formó parte de "Cuatro primitivos venezolanos" en la Galería Gamma (Caracas) y, junto a Carmen Millán, expone en la Casa de la Cultura Cecilio Acosta de Los Teques las obras Fiesta de San Juan y Máscara de Diablo. En 1967 participó en la "Primera retrospectiva de la pintura ingenua venezolana del siglo XX" (Galería Caracas, Caracas). En 1968, Luis Roche realizó un cortometraje sobre su trabajo.

En 1972 formó parte de una muestra organizada en la Unión Panamericana de Washington y aparece reseñado en El arte ingenuo en Venezuela de Francisco Da Antonio (Caracas: Shell de Venezuela, 1974). En 1974 muere trágicamente su esposa, y Víctor Millán dirige, en su honor, la fundación de la Casa de la Cultura de Marapa. En 1975, Hercilia Ylareta se convierte en su segunda esposa. Este mismo año expone en la Galería de Arte Fondocomún, Entidad de Ahorro y Préstamo (Caracas) y aparece reseñado en el libro Pintores venezolanos del común, de Juan Calzadilla. En 1977 Francisco Da Antonio organizó la "Tercera edición de los pintores contemporáneos en homenaje a Víctor Millán" (Salón de Arte CANTV). En 1978 es incluido en Los pobladores de la imaginación cotidiana (MACC, GAN y la Sala Cadafe). En 1980 concurre a "Pintores ingenuos" (Alcaldía del Municipio Libertador, Caracas) y "Arte ingenuo venezolano" (Casa Guipuzcoana, La Guaira). En 1980 integra "Indagación de la imagen (la figura, el ámbito, el objeto). Venezuela, 1680-1980. Exposición temática. Primera parte" y, en 1981, "Doce maestros" (ambas en la GAN). En 1982 y 1983 participó en el Salón de Pintura Ingenua organizado por Fundarte. En 1983, con El ministerio, gana el Premio Municipal de Artes Plásticas otorgado por la Gobernación del Distrito Federal (Caracas). Este mismo año, junto con su esposa, presenta la muestra "Dos pintores ingenuos Hercilia Ylareta y Víctor Millán" en la Galería Las Mercedes (Caracas). En 1985, las pinturas de Carmen y Víctor Millán representan a Venezuela en "Selection from the Permanent Colletion" en el Museo de Arte Moderno de América Latina (OEA, Washington). En 1988 participa en el IX Salón de Arte Popular de Fundarte, donde presentó las obras Selva negra (1988) y Fiesta en el pueblo (1986) con la que recibió el Premio BN. En 1989, la Gobernación del Distrito Federal (Caracas) le otorga un reconocimiento por sus cincuenta años de trayectoria y se organiza una colectiva con la participación de Emilita Rondón, Hercilia Ylareta y Elba Meneses. Participó en "La pintura en la colección del Museo de Arte Popular de Petare" donde presentó Miranda en el llano (1979) y Mataron al ave (1981). A finales de este año se muda a La Vela de Coro. En 1990 participó en una colectiva de pintores ingenuos organizada por la Alcaldía del Municipio Libertador. En 1991 muere víctima de un asalto y este mismo año se crea el Premio Víctor Millán en la Bienal Bárbaro Rivas.

Según Francisco Da Antonio, existen en su trabajo rasgos comunes emparentados con la obra de Feliciano Carvallo. No obstante, Millán desarrolló una obra circunscrita a experiencias autobiográficas, como las fiestas populares del oriente venezolano y su pasado como marinero. "Con todo, a él debemos esos bellos paisajes donde las casas semejan proas de grandes buques; animadas escenas donde el pájaro guarandol cae abatido por un fogonazo de confitería. Exquisitas naturalezas muertas y florones donde el azul impone su timbre más profundo. Sus marinas expresan el amor de quien conoce todos los secretos de las balandras pesqueras del Caribe. Sus retratos y figuras, trátense de vírgenes o de reinas o como aquél de su hermana María del Valle, son particularmente notables. Aluden por una parte el trabajo de los fotógrafos a domicilio que de una postal en ruinas devuelven a sus clientes una seductora imagen iluminada" (Da Antonio, 1977). De Víctor Millán, la GAN posee en su colección, entre otras obras, Casa de los diablos (1953), La reina María Lionza (1965) y Procesión del Nazareno (1979), todas ellas óleos sobre tela.

===Obras de Víctor Millán===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:Copia_de_La_reina_maria_lionza.JPG‎ | La Reina María Lionza. 1965. Óleo sobre tela. 108,7 x 70,8 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_procesion_de_nazareno.JPG | Precesión de Nazareno. 1979. Óleo sobre tela. 101 x 170,2 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sabaneta.JPG‎ | Sabaneta. 1980. Óleo sobre tela. 70,5 x 100 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titul23344556665o.JPG‎ | Sin título (Paisaje). 1972. Óleo sobre tela. 150 x 189,5 cm. CONAC.
Imagen:Victor_millan_la_casa_de_los_diablos.JPG‎ | Casa de los diablos. 1953. Óleo sobre tela. 61,3 x 96,5 cm.
Imagen:La_guaira_1936.JPG‎ | La Guaira 1936. 1952. Óleo sobre tela. 64,5 x 87 cm.
</gallery>

==Exposiciones individuales==
*1954 Taller Libre de Arte, Caracas
*1955 Centro Venezolano Francés, Caracas
*1957 Librería Cruz del Sur, Caracas
*1961 Callejón México, Caracas
*1967 Boutique-Galería, Caracas / Galería La Pinacoteca, Caracas
*1970 Galería Framauro, Caracas
*1972 Unión Panamericana, Washington
*1974 Sala Humboldt, Caracas
*1975 Galería de Arte Fondocomún, Entidad de Ahorro y Préstamo, Caracas
*1979 "Muestra pictórica de Víctor Millán", Concejo Municipal del Distrito Federal, Caracas
*1980 Galería Denis, Porlamar, Edo. Nueva Esparta

==Exposiciones póstumas==
*1993 "Mares, vírgenes y territorios azules", Museo Armando Reverón, Macuto, Edo. Vargas
*1998 "El universo de Víctor Millán: aproximaciones a su imaginario urbano", Museo de Petare

==Premios==
*1983 Premio Municipal de Artes Plásticas, Gobernación del Distrito Federal, Caracas

==Colecciones==
Banco Mercantil, Caracas / Colección Cisneros, Caracas / GAN / Mamja / Museo de Arte Moderno de América Latina, OEA, Washington / Museo de Petare

==Fuentes==
*Cinap, M 62.
*Da Antonio, Francisco. El arte ingenuo en Venezuela. Caracas: Shell de Venezuela, 1974.
*Da Antonio, Francisco. Pintores ingenuos contemporáneos de Venezuela (catálogo de exposición). Maracaibo: Centro de Bellas Artes, 1977.
*El universo de Víctor Millán. Aproximaciones a su imaginario urbano (catálogo de exposición). Caracas: Museo de Petare, 1998.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve

==Comentarios==
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Núñez, Rubén

2013-02-11T18:21:40Z

Carlos Eduardo Morillo:

{{Ficha de artista
|titulo = Rubén Núñez
|imagen = [[Imagen:Rubennunez.jpg‎|250px]]
|nombrecompleto = Rubén [Darío] Núñez
|nacimiento = 27 de abril de 1930, Valencia, Carabobo - Venezuela
|fallecimiento =
|nacionalidad = Venezolano
|area = Pintor, diseñador industrial y artista de medios mixtos
|firma =
}}

{{
#display_points:
Valencia Venezuela,Venezuela~Valencia~Lugar de nacimiento
}}

==Vida y obra==
Pintor, diseñador industrial y artista de medios mixtos. A partir de 1945 cursa estudios de dibujo y grabado en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas. En 1948 forma parte del Taller Libre de Arte de Caracas y de la Barraca de Guaicaipuro (1948-1949). En 1949 viaja a París, donde estudia historia y tecnología del cine con los maestros Paul Langlois y Phillipe Condroyer en la Cinemateca Francesa. En 1952 realiza, junto al mismo Condroyer y con música de Edgar Varèse, el film Espacio-luz. En esos años forma parte del grupo vanguardista Los Disidentes que buscó romper con el academicismo venezolano e integrarse a las nuevas corrientes del arte. En 1952 estudia historia del arte con Jean Cassou en el Museo de Louvre. Durante esa etapa trabaja escultura y pintura. En un principio dirige su atención hacia las técnicas del cinetismo y expone, en la muestra "Espacio-luz" (Galería Suzanne Michel, París), obras de efectos vibratorios con alambres y esferas giratorias, junto a Jesús Soto, Alejandro Otero, Narciso Debourg y el argentino Carmelo Arden Quin (1951). Entre 1955 y 1959 estudia tecnología del vidrio en el IVR Mazzega (Murano, Italia). En estos años se dedica a cultivar las técnicas del cristal y el vidrio y se hace acreedor del Premio Nacional de Artes Plásticas de 1959 por Familia de formas. Suyo es también el célebre diseño de la botella del Ron Añejo Pampero Especial, la "caneca", que se exhibe en varios museos de Estados Unidos y Europa.

En 1969 visita distintas universidades y museos de ciencias y tecnología con el fin de apreciar y conocer de cerca la holografía, técnica con la cual se obtienen imágenes tridimensionales al utilizar rayos láser sobre una superficie sensible para crear figuras tridimensionales. Entre 1972 y 1974 realiza estudios de historia de la ciencia y la tecnología en la Universidad de Londres y en el Museo de Ciencias de la misma ciudad. En 1974 toma el camino de la holografía como medio de expresión artística al cursar estudios sobre esta disciplina en el Instituto de Óptica de París. Entre 1976 y 1980 realiza estudios avanzados en la Escuela de Holografía de Nueva York; además experimenta con rayos láser de potencia en el Laboratorio de la Alianza de la misma ciudad, con Jody Burns, Tung Jeong y Steven Benton (1977-1983). Núñez es una de los pocos artistas dentro del campo de la holografía que utiliza esta técnica como medio de expresión, lo que le ha permitido transmitir su propio concepto holográfico llamado holocinética, donde resume sus conocimientos sobre cristales, vidrios y cinetismo. Ha participado en numerosas exposiciones como el Festival de Arte Electrónico (Linz, Austria, 1983), "Un nuevo medio para la técnica y el arte" (Münster, Alemania, 1985), Festival de Viena (1986) y "Visiones holográficas" (Colonia, Alemania, 1991). En 1991 se crea la Escuela de Holografía Espacio-Luz en Valencia (Edo. Carabobo). Catalogado como uno de los grandes artistas en el mundo holográfico, Núñez ha dedicado gran parte de su vida a cultivar y llevar a otros, por medio de sus exposiciones, publicaciones y conferencias los secretos de la alquimia que encierra la holografía. Una conocedora de esta técnica, Rosemary Jackson, escribió sobre Núñez: "tal como aparece en sus trabajos, resulta el registro dimensional del movimiento de la luz en el espacio y en el tiempo, combinando los elementos más creativos de la holografía (intenso color espectral, plena dimensión y la habilidad de englobar el tiempo y el espacio). Esta necesidad imperiosa de lograr hacer arte a través de luz y movimiento, ha producido como resultado una visión mercurial de un cosmos individual lleno de color" (1979). La GAN posee en su colección obras tempranas de Núñez como Composición (laca sobre masonite, 1951), hologramas como Anillos de energía (1974) y Cristal del planeta arco iris (1978) y hologramas estampados como Cosmic circus (Cyguns x 3) (1985)

===Obras de Rubén Núñez===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:Copia_de_anillos_de_energia.JPG‎ | Anillo de Energía. 1978 . Holograma Holocinético transmitido y grabado con rayo láser sobre acetato fotosensible. Holograma: 20,3x 25,3 cm Instalación: 227 x 25,3 x 60 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_collage_nº3.JPG | Collage Nº 3. 1950. Collage de papel sobre papel. 28,7 x 25,2 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_composicion.JPG‎ | Composición. 1952. Laca sobre cartón piedra. 92,5 x 128 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_cosmic_circus_cignus.JPG | Cosmic-Circus-Cignus x 3. 1985. Holograma estampado y creyón sobre cartón. 40,6x 30,3 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_cristal_del_planeta_arcoiris.JPG | Cristal del Planeta Arco Iris. 1974. Holograma holocinético transmitido y emulsión sobre soporte de vidrio iluminado con lámpara de mercurio. 20,5 x 25,4 x 0,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_Hotel_de_la_paix.JPG | Hotel de la Paix (Hotel de la Paz). 1952. Serigrafía y acuarela sobre papel. 39,4 x 48,5 cm. CONAC.
</gallery>

==Exposiciones individuales==
**1959 "Vidrios", MBA
1964 "Sortarios", MBA
*1970 Galería Banap, Caracas
*1971 "Pericantares: ludiones de Rubén Núñez", Sala de Exposiciones Cinema Dos, Caracas
*1976 "Hologramas y show láser", Club de Ingenieros, Valencia, Edo. Carabobo
*1977 "Arte láser: holografía-holocinéticos", GAN
*1978 "Holokinetics", Museo de Holografía, Nueva York
*1979 "Fotónicos; arte láser", Biblioteca Luis Ángel Arango, Bogotá
*1980 "Holokinetics", Museo de Holografía y Nuevos Medios Visuales, Pulheim, Alemania / "Holocinéticos", Museo de Holografía, París
*1981 "Fotónicos", Museo de Holografía y Nuevos Medios Visuales, Pulheim, Alemania
*1998 "Fotónicos. Esculturas", Galería Heller, Nueva York

==Premios==
*1959 Premio Nacional de Artes Plásticas, XX Salón Oficial / Premio de la revista Look, Museo Corning del Vidrio, Nueva York
*1986 Premio Fundación Neumann, XLIV Salón Arturo Michelena
*1987 Premio Fundación Shearwater, Nueva York
*1988 Premio Conac, XLVI Salón Arturo Michelena
*1989 Premio UC, XVI Salón Nacional de las Artes del Fuego, UC
1*999 Premio a la excelencia de su obra, Salón Nacional de las Artes del Fuego

==Colecciones==
Banco Mercantil, Caracas / BN / Colección Cisneros, Caracas / Fundación Shearwater, Nueva York / GAN / Gobernación del Distrito Federal, Caracas / MBA / Media Museum ZKM: Center for Art and Media, Karlsruhe, Alemania / MOMA / Museo de Holografía y Nuevos Medios Visuales, Pulheim, Alemania / Museo de Holografía, Nueva York / Museo de Holografía, París
Museo de la Estampa, Ginebra, Suiza / Museo del Vidrio de Corning, Nueva York

==Fuentes==
*Cinap, N 12.
*Jackson, Rosemary. Rubén Núñez. Fotónicos: arte láser (catálogo de exposición). Bogotá: Biblioteca Luis Ángel Arango, 1979.
*Rodríguez, Bélgica. La pintura abstracta en Venezuela 1945-1965. Caracas: Maraven, 1980.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve

==Comentarios==
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[[Category:ARTISTAS]]
[[Category:VALENCIA]]
[[Category:SIGLO XX]]
[[Category:DISEÑO INDUSTRIAL]]
[[Category:DIBUJO]]
[[Category:MASCULINO]]
[[Category:Completar imágenes]]
[[Category:Completar texto]]

Archivo:Rubennunez.jpg

2013-02-11T18:21:30Z

Carlos Eduardo Morillo: Fotografía

Fotografía

Monasterios, Rafael

2013-02-11T18:19:09Z

Carlos Eduardo Morillo:

{{Ficha de artista
|titulo = Rafael Monasterios
|imagen = [[Imagen:13_figura.jpg|250px]]
|nombrecompleto = Rafael Monasterios
|nacimiento = 22 de noviembre de 1884, Barquisimeto, Edo. Lara
|fallecimiento = 2 de noviembre de 1961, Barquisimeto, Edo. Lara
|nacionalidad = Venezolano
|area = Pintor
|firma =
}}

{{
#display_points:
Barquisimeto Lara Venezuela,Venezuela~Barquisimeto, Edo. Lara~Lugar de nacimiento y Lugar de su Obra;
Caracas Venezuela,Venezuela~Caracas~Lugar de su Obra
}}

==Vida y obra==
Pintor. Hijo de Pedro Monasterios Herice, dibujante y calígrafo, y Amalia Ramos. Huérfano de padre, Juan Pablo Wohnsiedler se encarga de su educación y lo inscribe en las primeras clases de pintura de Eliécer Ugel en 1891 sin embargo, en 1901 se unió a las fuerzas de la revolución Libertadora, que se levantaron en contra del gobierno de Cipriano Castro, bajo las órdenes del coronel Eleazar Segovia. Derrotado el movimiento insurreccionista, Monasterios regresa a Barquisimeto. En 1906 participó en la "Exposición regional de Lara", donde recibió una mención honorífica por una copia de un paisaje. Dos años después, en 1908, se traslada a Caracas con una pensión del gobierno del estado y se inscribe en la Academia de Bellas Artes. Entre sus condiscípulos se encuentra Manuel Cabré, quien lo retrata en 1909 (colección GAN). A fines de 1910 llega a España para estudiar en la Escuela de Artes y Oficios de La Lonja de Barcelona. Entre 1911 y 1912 estudia dibujo del natural y perspectiva con Vicente Climent y José Calvo, y al año siguiente colorido, composición y dibujo del natural con Vicente Borrás Abello y Vicente Climent. Desde Europa envía una obra al I Salón Anual del Círculo de Bellas Artes, celebrado en 1913, que fue considerada por Leoncio Martínez como "una mancha de paisaje, ligera, confusa" (El Universal, 10 de septiembre de 1913). Se residencia en Madrid una temporada y decide viajar a París, pero los acontecimientos de la Primera Guerra Mundial lo hacen regresar a Venezuela en 1914. De Europa extrajo las imágenes y la técnica de las nuevas tendencias y el recuerdo de Zuloaga, Sorolla y Regoyos, que se traslucen en su etapa de mediados de la década de 1918.

Tras su regreso, Monasterios se residencia en Barquisimieto, donde realiza, para subsistir, decoración de interiores, adornando con estampas los muros de residencias privadas. De esta etapa es su decoración de la cúpula del templo de San Juan de Cabudare, donde representó a los cuatro evangelistas en el techo, hoy desaparecido. También realizó un mural de tema urbano en la casa de Pío Tamayo en El Tocuyo, y decoró la casa del general Jacinto Fabricio Lara en Barquisimeto. En Caracas decorará la residencia de la familia Otengo y en Capaya la capilla de la hacienda Pacheco. Para 1917 se encuentra en Caracas, donde coincide con los integrantes del desfalleciente Círculo de Bellas Artes, algunos de ellos antiguos condiscípulos de la Academia de Bellas Artes. Monasterios trabaja en el Cajón de Monos, el taller del Círculo ubicado en el barrio de Pagüita, y realizó pinturas al aire libre. En 1918 exhibió por primera vez un cuadro, Corral detrás del Teatro Caracas (colección Museo Caracas, Palacio Municipal, Caracas), en el salón de la Fotografía Manrique. La obra es adquirida por Nicolás Ferdinandov, con quien establece una fecunda amistad: viajan juntos a Margarita, donde se dedicaron a pintar paisajes margariteños, preocupándose primero por la luz y luego por el factor del tiempo. El 16 de enero de 1920 se realiza una "anticipación de vernissage" en el que se abre una singular exposición organizada por Ferdinandov con obras propias, de Reverón, Monsanto y Monasterios en el gran salón de la UCV (Actualidades, 19 de enero de 1920). Monasterios presentó en esa ocasión unas 30 telas realizadas tras un corto viaje a Margarita, donde realizó paisajes que fueron celebrados por la prensa (Actualidades, 15 de febrero de 1920). El pintor se mudó a la pensión de los Linares Carvajal, donde conoció a Isabel Teresa Linares, con quien se casa en 1920. Una hija de ambos, Violeta Monasterios Linares, llegará a ser subdirectora de la Escuela Cristóbal Rojas. Su pintura en aquella época era considerada decorativa (E.M., 1920). Por entonces Monasterios colabora en diversas publicaciones, ilustrando artículos; también pintó afiches y carteles de cine. Practicó el dibujo humorístico libre y el dibujo publicitario. En 1921 publicaba dibujos en Billiken (3 de diciembre) y en marzo de 1922 excelentes escenas taurinas en la revista Actualidades (números 12 y 13). De esta época es Paisaje de Los Caobos (1924, colección GAN). Para 1925 envía algunos cuadros a una exposición de pintura española en Suiza.

En 1927 conoce la colección de arte de John Boulton, en la cual estudió a los impresionistas y a los pintores de la escuela de París. A partir de ellos concibió un nuevo concepto de composición: el blanco en el centro del cuadro se convertiría en adelante en el punto de equilibrio entre ambos lados. Este esquema compositivo permanecerá por muchos años en la obra del artista. También en 1927 realiza su primera exposición individual con cuarenta telas de tema local. En 1928 trabaja para la Caribbean Petroleum Corporation, que le encomendó la realización de algunas maquetas de campos petroleros que iban a ser enviadas al Pabellón de Venezuela en la Gran Feria Internacional de Sevilla (España). Estando en Maracaibo, trabajando en ese proyecto, recibe la noticia de la muerte de su esposa. Monasterios se traslada a España y permanece en ese país un año. En 1930 inicia su etapa de bodegones, en la cual se deja ver la influencia de Federico Brandt. Ese año es nombrado profesor de pintura y paisaje de la Academia de Bellas Artes, cátedra que ocupará hasta 1936. En 1932 pintó tres murales en la Capilla del Santísimo Sacramento del templo de San José en Cagua (Edo. Aragua). Los motivos fueron tres escenas del Nuevo Testamento: el lateral derecho, el tema de las Bienaventuranzas; el lateral izquierdo, la entrada de Jesús en Jerusalén, y el tercer mural, el tema del Calvario. Roldán Esteva-Grillet, al comentar esta faceta del artista ha señalado: "es de advertir que resulta del todo inútil tratar de reconocer en estas imágenes algún indicio particular de la pintura monasteriana más conocida y significativa, la de caballete. Rafael Monasterios y Rafael Ramón González [partícipe también en la decoración de la iglesia] más que una obra de sello personal pusieron sus buenos oficios académicos al servicio de una decoración" (1988, p. 72). En 1938 fue designado director de la Escuela de Artes Plásticas de Barquisimeto, que hoy lleva su nombre.

En 1940 regresa a Caracas y retoma el oficio de realizador de carátulas de revistas y avisos. Al año siguiente vuelve a las actividades pedagógicas, ejerciendo el papel de director de la Escuela de Artes Plásticas del Zulia. También en 1941 recibe el Premio Oficial de Pintura en el II Salón Oficial con su obra El torreón de Caricuao, fechado en 1930 (colección GAN). En 1942 se encuentra en Caracas dictando la cátedra de dibujo aplicado en la Escuela Superior de Artes y Oficios para Mujeres (Caracas). Ocho obras suyas fueron expuestas en la "Exposición del paisaje venezolano" de 1942 en el MBA, entre ellos su Silla de Caracas de 1917. Al año siguiente viaja a los Andes y en 1948 a Valencia y Maracay. Alfredo Boulton organiza en 1945 una exposición de su obra en el MBA en la cual reunió 35 obras, la mitad de ellas paisajes andinos. Para los años cincuenta, Monasterios había expuesto en Bogotá y Nueva York, participando activamente en los salones nacionales y en muestras en el exterior. En 1954 forma parte del envío venezolano a la Bienal de Venecia; ese mismo año figura en la II Bienal de Arte Hispanoamericano en La Habana y, en 1955, en la "Exposición internacional de pintura" organizada por el Ateneo de Valencia (Edo. Carabobo). En 1956 es incluido nuevamente a la Bienal de Venecia, esta vez entre obras de artistas jóvenes que incursionaban en el abstraccionismo (Alejandro Otero, Mateo Manaure). Monasterios es jubilado por el ME en 1957 y organiza su primera retrospectiva en la cual estaba presente su amplia temática: desnudos, bodegones, paisajes, retratos y escenas costumbristas. Boulton vuelve a organizar una nueva muestra del artista con su producción paisajística. En 1960 regresa a Barquisimeto, donde realiza sus últimas obras antes de fallecer al año siguiente. Su vida como pintor tuvo grandes altibajos; sus obras comenzaron a ser valoradas a partir de los años veinte en la cual realizó retratos y cuadros de tema criollista (como La fiesta de San Juan, 1924, colección Margot de Alfonso Ravard), que esporádicamente siguieron apareciendo en su producción, además de sus primeros paisajes. Su preocupación por aquel entonces era el color, sus pinceladas buscaban una textura entre la materia pictórica y los granos del lienzo. En la etapa de los bodegones y las naturalezas muertas (1930), la pincelada se hace más liviana y comienza a trabajar tonos más claros. Al volver a su ciudad natal, sus paisajes cambian, se hacen más planos, la composición más abierta y exenta de detalles. Al final de su producción paisajísitica, el artista logró conseguir una composición sintetizada que capturaba la esencia de la luz. De su obra él expresó: "mi principal preocupación es lograr el equilibro en la luz y el color del paisaje, y estos detalles los he estudiado a fondo" (Pineda, 1950). Alfredo Planchart se refirió a Monasterios en los años treinta en los siguientes términos: "si generalmente interpreta el color descomponiéndolo, no por eso llega a un divisionismo típico; su afán de luminosidad y su modo de resolverlo lo declaran influido por la estética impresionista; en algunos de sus últimos trabajos se presenta más claramente bajo otra faz, apuntada ya en obras anteriores, tratando la composición por grandes planos de color y estudiando a fondo esos planos, para colocarlos en su propio ambiente y lugar. Como la pincelada de Monasterios es siempre breve, cuando quiere llenar espacios donde la luz tiene cambios súbitos e imprecisos, recurre al empleo de varios toques repetidos de colores cambiantes" (1979, p. 230).

===Obras de Rafael Monasterios===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:Mesetadetovar.jpg‎ | Meseta de Tovar. 1945. Óleo sobre tela. 59 x 75 cm.
Imagen:Quebradaguarico.jpg | Desde la quebrada Guárico. 1939. Óleo sobre tela. 77 x 99,5 cm.
</gallery>

==Exposiciones individuales==
*1927 Club Venezuela, Caracas
*1945 "Cuadros de Rafael Monasterios", MBA
*1948 Escuela de Artes Plásticas, Barquisimeto
*1956 Galería Lauro, Caracas / Centro Teatral de Maracay
*1958 Sala Mendoza
*1961 Escuela de Artes Plásticas Rafael Monasterios, Maracay

==Exposiciones póstumas==
*1968 "Cuarenta obras maestras de Rafael Monasterios", MBA
*1970 "Vida y obra", BN
*1971 "Homenaje al maestro Rafael Monasterios", Galería Durban, Caracas
*1981 "Obras maestras de Rafael Monasterios", MACC / "Exposición homenaje al vigésimo aniversario de la muerte de Rafael Monasterios", Galería de Arte Universitaria Rafael Monasterios, Ucla
*1984 "Regiones para la imagen", GAN
*1985 "Tres hombres; un tiempo; una ciudad", Museo de Barquisimeto

==Premios==
*1906 Mención honorífica, "Exposición regional del estado Lara", Barquisimeto
*1937 Diploma y medalla de plata, "Exposición internacional", París
*1941 Premio Oficial de Pintura, II Salón Oficial
*1948 Premio Cristóbal Rojas, II Salón Anual de Artes Plásticas, Instituto Cultural Venezolano Soviético, Caracas
*1949 Premio Arístides Rojas, X Salón Oficial / Segundo premio, Salón Planchart
*1950 Primer premio, Salón Planchart
*1951 Premio Antonio Edmundo Monsanto, IX Salón Arturo Michelena
*1955 Premio José Gil Fortoul, XVI Salón Oficial
*1956 Tercer premio, II Salón Julio T. Arze
*1957 Premio Federico Brandt, XVIII Salón Oficial / Premio Julio T. Arze, XVIII Salón Oficial
*1958 Premio Armando Reverón, XIX Salón Oficial
*1960 Premio Rotary Club, Caracas
*1961 Primer premio, VII Salón Julio T. Arze

==Colecciones==
Banco Mercantil, Caracas / BCV / BN / Centro de Historia Larense, Barquisimeto / Colección Cisneros, Caracas / Escuela de Bellas Artes, Barquisimeto / Fundación Boulton / GAN / INH / Instituto de Cultura, UCV / MBA / Museo Caracas, Palacio Municipal, Caracas / Residencia Presidencial La Casona, Caracas

==Fuentes==
*Boulton, Alfredo. Historia de la pintura en Venezuela, II. Caracas: Editorial Arte, 1968. Segunda edición en Caracas: Armitano, 1975.
*Boulton, Alfredo. La obra de Rafael Monasterios. Caracas: Gráficas Edición de Arte, 1969.
*Calzadilla, Juan. Pintores venezolanos. Caracas: ME, 1963.
*Calzadilla, Juan. Pintura venezolana de los siglos XIX y XX. Caracas: Litografía Tecnocolor, 1975.
*Calzadilla, Juan. Rafael Monasterios. Caracas: ME-Sociedad de Amigos del MBA, 1962.
*E.M. "El pintor Monasterios". Citado en: Planchart, Alfredo. La pintura en Venezuela. Buenos Aires: Imprenta López, 1956. Segunda edición en Caracas: Editorial Equinoccio, 1979. Publicado originalmente en: Actualidades. Caracas, febrero de 1920.
*Erminy, Perán y Juan Calzadilla. El paisaje como tema en la pintura venezolana. Caracas: Shell de Venezuela, 1975.
*Esteva-Grillet, Roldán. Rafael Monasterios. Un artista de su tiempo. Caracas: Tropykos, 1988.
*Palenzuela, Juan Carlos (compilador). Leoncio Martínez, crítico de arte 1912-1918. Caracas: Academia Nacional de la Historia, 1983.
*Paz Castillo, Fernando. Entre pintores y escritores. Caracas: Editorial Arte, 1970.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve

==Comentarios==
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[[Category:BARQUISIMETO]]
[[Category:CARACAS]]
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Navarro, Pascual

2013-02-11T18:18:37Z

Carlos Eduardo Morillo:

{{Ficha de artista
|titulo = Pascual Navarro
|imagen = [[Imagen:GAN_P_Navarro.jpg‎|250px]]
|nombrecompleto = Pascual Navarro
|nacimiento = 17 de mayo de 1923, Caracas, Distrito Capital - Venezuela
|fallecimiento = 15 de marzo de 1985, Caracas, Distrito Capital - Venezuela
|nacionalidad = Venezolano
|area = Pintor
|firma =
}}

{{
#display_points:
Caracas Venezuela,Venezuela~Caracas~Lugar de nacimiento
}}

==Vida y obra==
Pintor. Hijo de Enrique Navarro y Cruz Velásquez. Estudia en la escuela familiar de las hermanas Ollarves y en la Escuela J.M. Echandía. En 1934 figura inscrito en la Academia de Bellas Artes, la cual dirige el escultor Lorenzo González. En 1939 conoce a Armando Reverón, quien tendrá gran influencia en su vida y obra. Navarro recibe una beca de la reformada Academia, ahora Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas (1940), bajo la dirección de Antonio Edmundo Monsanto. Para 1941 envía sus primeras obras al II Salón Oficial, en donde se ha creado una sección especial para los alumnos de la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas, y, en el salón siguiente, expone cinco pinturas y dos grabados en la sección de alumnos. Navarro recibe su primer reconocimiento en el V Salón Oficial (1944) por sus obras Quebrada, Árboles y Boceto (este último, reproducido en la Revista Nacional de Cultura, 42). En 1945, después de concluir sus estudios académicos, vive en Macuto junto con Reverón, donde realiza una serie de dibujos y pasteles e inicia su serie de Nocturnos. Ese año trascendió en la prensa una crisis nerviosa del pintor que fue reseñada por Guillermo Meneses en dos artículos (El Nacional, 4 de abril y 18 de abril de 1945). De 1946 es su célebre Muchacha con abanico (guache sobre papel, colección GAN). Ha comentado Francisco Da Antonio que "en sus obras enviadas al Salón Oficial de 1946 se confirmaba la presencia de un pintor excepcionalmente lúcido, para quien el tema significaba tan sólo el pretexto para ordenar el espacio. Su pintura abordaba, fundamentalmente, la ordenación del color como estructura básica más allá de la forma a la cual, no obstante, se sometía" (1982, p. 265). En 1947 expone con Mateo Manaure en el MBA; por su Muchacha con abanico recibe el Premio Federico Brandt y una beca para estudiar en París, a donde llega en compañía de Manaure el 18 de junio.

En 1948 conoce al pintor Hans Hartung, quien influirá notablemente en su obra, y participa por primera vez en el Salón de Mayo. Al año siguiente envía obras a la "Primera exposición de artistas latinoamericanos en París" (Casa de América Latina, París); recibe el premio Antonio Esteban Frías del X Salón Oficial, con su obra Desnudo, y publica una carpeta con siete litografías en una edición de 15 ejemplares. Algunas de estas piezas tienen una naturaleza serial que Navarro explorará más adelante, como en Imagen serial de 1955 (colección Paulina Villanueva). Cruz Barceló Cedeño ha comentado que la influencia de Hartung, Soulages y Schneider en el período 1948-1949 "se evidencia en la pincelada amplia y ágil, sin esquema previo y sin degradación de tonalidades; en la carga expresiva del trazo, donde se nota, sin embargo, cierta disciplina" (1994, p. 11). Una obra representativa de ese período es Figura masculina (100 x 80 cm, colección Residencia Presidencial La Casona), firmada en París en 1949. En 1950 recibe el segundo premio de pintura en el XI Salón Oficial con una obra figurativa; este año también participa en el Salón de Otoño (París) y, junto con Alejandro Otero y Mateo Manaure, promueve la creación del grupo Los Disidentes, de cuya revista es uno de los principales colaboradores. En 1951 asiste al Taller de Arte Abstracto de Jean Dewasne y Édgar Pillet, rompe con preceptos de Los Disidentes. A partir de este año y hasta 1954 participa en el Salon des Réalités Nouvelles (París). En esa época, Navarro "buscaba la armonía con una gama restringida de colores y con formas dinámicas planas y de contornos regulares e irregulares, intercalando unas a otras y yuxtaponiéndolas para lograr efectos de acción y vivacidad", sin explorar el campo de la línea en sí (Barceló Cedeño, op. cit., p. 7). En 1952 es incluido en la I Muestra Internacional de Arte Abstracto (Galería Cuatro Muros, Caracas) y concurre al Salón de Mayo en París. En 1953 realiza tres murales abstracto-geométricos para la plaza cubierta de la Ciudad Universitaria de Caracas. Ese año, tras exponer en colectivas en las galerías Denise René, Suzanne Michel y Cimaise (París), abandona el abstraccionismo y regresa a la figuración. En 1955 participa en la "Exposición internacional de pintura" en el Ateneo de Valencia (Edo. Carabobo), con dos obras: Composición y Otoño (1955, colección Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo), que marcaban un cambio de estilo que fue censurado por Otero. En 1957 es incluido por Michel Seuphor en el Dictionnaire de la peinture abstraite (París: Fernand Hazan). Entre 1958 y 1961 trabaja con experiencias de orientación artística, dirigiendo cursos para estudiantes y obreros en España y Francia.

En 1963 es nombrado consejero artístico de la Fundación Fina Gómez y, en 1968, tras una severa crisis nerviosa en Madrid, regresa definitivamente a Venezuela, dedicándose a la enseñanza del dibujo y la pintura en la Torre de la Prensa (Caracas, 1969-1976). Navarro fue un crítico de arte destacado, inició sus colaboraciones en El Nacional, donde publicó el 26 de enero de 1947 un brillante artículo sobre Reverón bajo preceptos plásticos. Gran parte de la obra de este artista fue realizada con guache sobre papel, como la mencionada Muchacha del abanico o Macuto (1946, colección GAN), donde el artista dejaba zonas sin pintar para aprovechar el color del soporte; en los años cincuenta realiza algunas obras abstractas de pincelada libre, como Composición abstracta sobre perpendicular (1950, colección Museo Arturo Michelena); posteriormente utilizó el óleo en superficies impecablemente acabadas y delineadas (Negro, blanco y amarillo, 1952, colección Paulina Villanueva). La GAN posee de Navarro tres pasteles de su primera etapa, un autorretrato sin fecha, una niña de 1946 y un desnudo de 1948. Alfredo Boulton ha señalado sobre Navarro: "en toda relación que se haga de la pintura en Venezuela durante los años cuarenta a cincuenta, es imprescindible tener en cuenta la obra de juventud de Pascual Navarro. Su producción, limitada en cantidad, se destacó, dentro de su grupo generacional, por una personalidad muy definida […]. Dentro de la generación de los primeros estudiantes del Cuño fue posiblemente Navarro uno de los que sintió y asimiló de manera más profunda el llamado de las nuevas tendencias. Su fogosidad de carácter, su viva comprensión, su agudizada y fina percepción de los problemas, habían hecho de él una de nuestras mayores esperanzas pictóricas […]. Cuando se llevó a cabo la 'Exposición retrospectiva' de Reverón, en el CVA, en 1943, Navarro conoció entonces dos importantes lienzos sobre temas nocturnos, Procesión de la Virgen en el Valle y Patio con luna. En estas obras estaba planteado, con una tremenda fuerza de sugestión, el sentido misterioso de la imagen que Reverón se empeñó siempre en transmitir y que tuvo uno de sus más claros exponentes en La cueva. Acaso el primero entre los muchachos del Cuño en comprender esa actitud de Reverón fue Navarro, quien a partir de ese momento quedó subyugado por la obra del gran artista. El muy fino concepto analítico que poseía le permitió entonces ejecutar en 1945 una serie de Nocturnos, que son la mejor prueba de la alta sensibilidad de su espíritu […]. En 1948, Navarro vivía ya en París, donde entró en contacto con un nuevo horizonte cultural y descubrió el mensaje abstractogeométrico de los que estaban a la vanguardia de aquel movimiento. Cayó bajo la influencia de Dewasne, Herbin y Pillet y fue de los más apasionados defensores de aquella nueva modalidad. De su inicial formación guardaba algunos conceptos figurativos y le fue inevitable, a él también, probar ciertas estructuras picassianas de las que paso a paso, se fue liberando más y más hasta lograr una expresión, en cuanto al carácter, a la concepción del tema y al mensaje, que era propia a cabalidad. En los años subsiguientes, Navarro emprendió otros caminos que le apartaron de la práctica de las artes plásticas. Se volvió un estudioso de las teorías cromáticas, que habrían de llevarlo por otros rumbos, razón por la cual abandonó aquel ejercicio que había comenzado tan esperanzadamente" (1972, p. 154).

===Obras de Pascual Navarro===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:Dama_en_azul.jpg‎ | Dama de Azul. 1948. Guache sobre papel . 63x48 cm.
Imagen:Paisaje.jpg | Paisaje. 1943. Óleo sobre coleto. 54,5 x 69,8 cm.
Imagen:Copia_de_arboleda.JPG | Arboleda. 1945. Óleo sobre Cartón Piedra. 61 x 49,8 cm.CONAC.
Imagen:Copia_de_autoretrato.JPG | Autorretrato. 1949. Guache sobre papel. 64,7 x 49,3 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_composicion_de_verde_y_azul.JPG | Composición verde y azul. 1949. Óleo sobre tela. 34,1 x 42 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_composicion233445.JPG | Composición. 1949. Litografía sobre papel 3/15. 24,8 x 34,8 cm. CONAC:
Imagen:Copia_de_cuatro_rostros.JPG‎ | Cuatro Rostros. 1957. Carboncillo sobre papel. 54x 44,1 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_desnudo2.JPG | Desnudo. 1948. Carboncillo sobre papel. 51,5 x 39 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_desnudo_3.JPG‎ | Desnudo. 1953. Sanguina sobre papel. 52 x 39 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_el_viejo.JPG | El Viejo. 1949. Litografía sobre Papel. 33 x 25 cm. CONAC
Imagen:Copia_de_estructura_vertical.JPG | Estructura Vertical. 1950. Óleo sobre tela. 47,5 x 56 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_figura_sentada_1949.JPG | Figura sentada. 1949. Guache sobre papel. 74,5 x 55,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_la_muchacha_del_abanico.JPG |La Muchacha de Abanico. 1947. Guache sobre papel encolado en cartón. 160 x 115,5 cm.CONAC
Imagen:Copia_de_Naturaleza_muerta.JPG | Naturaleza muerta. 1945. Grafito sobre papel. 21,3 x 23, 5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_pacientes_del_sanatorio.JPG | Paciente del sanatorio. 1945. Pastel sobre papel. 31,7 x 21,6 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_primavera.JPG‎ | Primavera. 1954. Óleo sobre cartón piedra. 24 x 19 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_rostro_azul.JPG | Rostro Azul. 1949. Litografía sobre papel. 40,2 x 32 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_rostro_negro.JPG‎ | Rostro Negro. 1949. Litografía sobre papel. 41,7 x 32,2 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1955.JPG | Sin titulo. 1955. Guache sobre cartulina. 50,2 x 33 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1957.JPG | Sin titulo. 1957. Guache sobre papel. 20,9 x 26,9 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo-_concurso_para_mural_en_lozas_primera_parte,_lille,_francia_1952.JPG | Sin titulo- concurso para mural en lozas primera parte, Lille, Francia. 1952. Guache sobre papel. 25 x 38,8 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo-_concurso_para_mural_en_lozas_segunda_parte_,_lille,_francia_1952.JPG | Sin titulo- concurso para mural en lozas segunda parte , lille, Francia. 1952. Guache sobre papel. 24,9 x 37,9 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo-niña.JPG | Sin titulo (Niña). 1946. Pastel sobre cartulina. 66,4 x 49,8 cm. CONAC.
Imagen:Caboblanco.jpg | Cabo Blanco. 1946. Gauche sobre carton. 56,5 x 82,5 cm.

</gallery>

==Exposiciones individuales==
*1946 Librería La France, Caracas
*1952 Galería Arnaud, París
*1956 Galería Clan, Madrid
*1968 "Dibujos y pasteles", Galería XX2, Caracas
*1970 "Rostros de mujer a la sombra de muchachas en flor", Galería Banap, Caracas
*1973 Sala de Exposiciones, Plaza Bolívar, Caracas / Galería Michelena, Caracas
*1978 Galería André, Caracas

==Exposiciones póstumas==
*1994 "Pascual Navarro: imágenes y percepciones de un tiempo", Museo Arturo Michelena, Caracas
*1998 "Entre galas neoclásicas", Teatro Municipal, Valencia, Edo. Carabobo

==Premios==
*1944 Premio para trabajos de mérito especial, V Salón Oficial
*1946 Premio Andrés Pérez Mujica, IV Salón Arturo Michelena
*1947 Premio Federico Brandt, VIII Salón Oficial
*1949 Premio Antonio Esteban Frías, X Salón Oficial
*1950 Segundo premio de pintura, XI Salón Oficial
*1953 Premio Emilio Boggio, XI Salón Arturo Michelena
*1955 Gran premio para pintores venezolanos, "Exposición internacional de pintura", Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo
*1957 Segundo premio, IX Salón Planchart
*1984 Premio Armando Reverón, AVAP

==Colecciones==
Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo / Banco Mercantil, Caracas / Colección Cisneros, Caracas / GAN / Mamja / MBA / Museo Arturo Michelena, Caracas / Museo de Anzoátegui, Barcelona, Edo. Anzoátegui / Museo Soto / Residencia Presidencial La Casona, Caracas / UCV

==Fuentes==
*Barceló Cedeño, Cruz. "Pascual Navarro: de la figuración a la abstracción". En: Pascual Navarro, imágenes y percepciones de un tiempo (catálogo de exposición). Caracas: Museo Arturo Michelena, 1994.
*Boulton, Alfredo. Historia de la pintura en Venezuela, III. Caracas: Armitano, 1972. Segunda edición en Caracas: Armitano, 1975.
*Cinap, N 5.
*Da Antonio, Francisco. Textos sobre arte (Venezuela 1682-1982). Caracas: Monte Ávila-GAN, 1982.
*Granados Valdés, A. Guía de obras de arte de la Ciudad Universitaria de Caracas. Caracas: Comisión de Conservación de las Obras de Arte de la Ciudad Universitaria de Caracas, 1974.
*Pascual Navarro, imágenes y percepciones de un tiempo (catálogo de exposición). Caracas: Museo Arturo Michelena, 1994.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve

==Comentarios==
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[[Category:PINTURA]]
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Niño, Carmelo

2013-02-11T18:18:03Z

Carlos Eduardo Morillo:

{{Ficha de artista
|titulo = Carmelo Niño
|imagen = [[Imagen:Copia_de_Carmelo-Niño-Horizontal_670x375.jpg‎|250px]]
|nombrecompleto = Carmelo Niño
|nacimiento = 30 de agosto de 1951, Maracaibo, Zulia - Venezuela
|fallecimiento =
|nacionalidad = Venezolano
|area = Pintor
|firma =
}}

{{
#display_points:
Maracaibo Venezuela,Venezuela~Maracaibo~Lugar de nacimiento
}}

==Vida y obra==
Pintor. Hijo del músico José Niño. A los 15 años inició sus estudios en la Escuela de Artes Plásticas Neptalí Rincón de Maracaibo, los cuales continuó tres años después con una beca estatal en la Academia San Fernando. Durante ese tiempo participó en talleres libres y entró en contacto con obras clásicas que han marcado su producción. Hasta el momento ha sido uno de los más singulares exponentes de la pintura figurativa venezolana. "Comencé dibujando, con plumilla después, por necesidad fui agregando el color. Al principio, pinté con tinta china hasta que pasé por los acrílicos" (Niño, 1999). En 1970 realizó su primera exposición individual en el Centro de Bellas Artes de Maracaibo. En 1971 obtuvo un premio beca en el I Salón Nacional de Jóvenes Artistas (Maracay). Al año siguiente recibió el segundo premio en el I Salón Regional del Zulia (Maracaibo) y en 1973 participó en el XXXI Salón Arturo Michelena. En 1975 obtuvo tres premios: el primer premio en el Salón Nacional de Jóvenes Artistas Zulianos (Maracaibo), el Premio Marco Aurelio Rodríguez en el III Salón Ernesto Avellán (Caracas) y el primer premio del Salón de Jóvenes Artistas Zulianos (Maracaibo). En 1975 fue reseñado en la "Historia de la pintura en Venezuela", exposición realizada en la Casa de las Américas (La Habana). En 1977 expuso individualmente en la GAN. Al año siguiente representó a Venezuela en la Trienal Internacional de Dibujo (Wroclaw, Polonia) y, en 1979, participó en la colectiva "El nuevo dibujo en Venezuela", organizada por Fundarte. Un año después obtuvo el primer premio de pintura en la I Bienal Nacional de Jóvenes Artistas (Caracas). Ha participado en diferentes colectivas, entre ellas el Salón de Otoño (París, 1978), la XXVI Bienal de São Paulo (1981), la XII Bienal de París (1982), XLII Bienal de Venecia (1986) y la VI Bienal de México (Ciudad de México, 1988). En 1991 formó parte de la exposición itinerante "Artistas venezolanos de la región del lago de Maracaibo" (Francia, Italia, Checoslovaquia, Polonia, Hungría, Portugal, Mónaco, Estados Unidos y Venezuela). En este mismo año y por tres consecutivos estuvo en "Art Miami" (Miami Beach Convention Center, Miami, Florida, Estados Unidos). En 1998 y 1999 presentó dos individuales en la Galería Freites (Caracas). Con respecto a su obra, Juan Calzadilla acotó que su "composición está sometida a las leyes de la arquitectura interior, cuya presencia enmarca como un escenario a los personajes, descargando sobre éstos el peso de las relaciones espaciales, no sólo para enfatizar la autonomía de esa arquitectura que gobierna a los seres, sino para integrar esas relaciones de espacio al juego de las tensiones psicológicas de un drama invisible. Se hace elocuente así, de la interacción entre personaje y arquitectura, una composición permanente entre lo grávido y lo volátil, entre lo arraigado en las estructuras y la levitación" (1990). De Niño, la GAN posee en su colección La mesa está servida (acrílico sobre tela, 1977) y El pájaro azul (óleo sobre tela, 1977).

===Obras de Carmelo Niño===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:La_mesa_esta_servida.JPG‎ | La mesa está servida. 1977. Acrílico sobre tela. 60 x 80 cm.
Imagen:Copia_de_dama_con_chirimoya.JPG | Dama con Chirimoya. 1986. Litografía 10/100. 90 x 79 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_el_pajaro_azul.JPG | El pájaro azul. 1977. Óleo sobre tela. 80,1 x 59,9 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_las_doncellas.JPG | Las doncellas. 1983. Óleo sobre tela. 139,5 x 109 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_2_1993.JPG | Sin título. 1993. Grafito. 60 x 50 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1993.JPG | Sin título. 1993. Grafito. 60 x 50 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_4_1993.JPG | Sin título. 1993. Grafito sobre papel. 71,5 x 55,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_5_1993.JPG | Sin título. 1993. Grafito sobre papel. 56 x 40,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_6_b1993.JPG‎ | Sin título. 1993. Grafito sobre papel. 56 x 41 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_7.JPG‎ |Sin título. 1993. Grafito. 56 x 40,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_8_1993.JPG | Sin título. 1993. Grafito.56 x 40,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_9_1993.JPG | Sin título. 1993. Grafito. 56 x 40,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1975.JPG | Sin título. 1975. Acrílico sobre tela. 203 x 133 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1987.JPG | Sin título. 1987. Litografía sobre papel. 76,9 x 57,4 cm. Instituto Nacional de Hipódromos, en comodato. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1990.JPG‎ | Sin título. 1990. Litografía sobre papel. 49,9 x 37,8 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo23445566.JPG‎ | Sin título. sin fecha. Grafito. 45,5 x 35,5 cm. CONAC.
</gallery>

==Videos==
{{#ev:youtube|RBq4E6wyC5E|500}}

==Exposiciones individuales==
*1970 Centro de Bellas Artes, Maracaibo
*1972 Galería Gaudí, Maracaibo
*1973 Galería Zeta, Maracaibo / Sala de Exposiciones, Plaza Bolívar, Caracas
*1976 Galería Toulouse-Lautrec, Maracaibo / Galería Gaudí, Maracaibo
*1977 GAN
*1979 Galería Toulouse-Lautrec, Maracaibo
*1980 Galería L'Indicatore, Roma / Centro de Arte Euroamericano, Caracas
*1981 Centro Venezolano de Cultura, Embajada de Venezuela, Bogotá / Centro de Bellas Artes, Maracaibo / Centro de Arte Euroamericano, Caracas
*1982 Centro de Arte Euroamericano, Caracas
*1985 Centro de Arte Euroamericano, Caracas
*1987 Centro de Arte Euroamericano, Caracas
*1989 Galería El Taller, Lima
*1990 Museo Francisco Narváez / Museo de Barquisimeto
*1991 Centro de Arte Euroamericano, Caracas
*1992 Galería Ambrosino, Coral Gables, Florida, Estados Unidos
*1998 Galería Freites, Caracas
*2000 "Atmósferas", Galería de Arte Ascaso, Valencia, Edo. Carabobo
*2004 "Allegories", Espace Meyer Zafra, París

==Premios==
*1971 Bolsa de trabajo, I Salón Nacional de Jóvenes Artistas, Maracay
*1972 Segundo premio, I Salón Regional del Zulia, Maracaibo
*1975 Primer premio, IV Salón Nacional de Jóvenes Artistas Zulianos, Maracaibo / Premio Marco Aurelio Rodríguez, III Salón Ernesto Avellán, Caracas / Primer premio, Salón de Jóvenes Artistas Zulianos, Maracaibo
*1981 Primer premio de pintura, I Bienal Nacional de Jóvenes Artistas, Caracas

==Colecciones==
Casa de las Américas, La Habana / Fundación Noa Noa, Caracas / GAN / MACCSI / MRE / Museo de Arte Contemporáneo Fundación Ralli, Punta del Este, Uruguay / Museo de Arte Latinoamericano, Washington / Palacio de Gobierno, Bogotá / Palacio de Gobierno, Santo Domingo

==Fuentes==
*Archivo del artista.
*Calzadilla, Juan. "Carmelo Niño". En: El Universal. Caracas, 17 de junio de 1990.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve

==Comentarios==
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[[Category:MARACAIBO]]
[[Category:SIGLO XX]]
[[Category:PINTURA]]
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[[Category:Completar texto]]

Morera, Gabriel

2013-02-11T18:17:32Z

Carlos Eduardo Morillo:

{{Ficha de artista
|titulo = Gabriel Morera
|imagen = [[Imagen:Foto_gabriel_morera.JPG|250px]]
|nombrecompleto = Gabriel Morera
|nacimiento = 26 de enero de 1933, Madrid, España
|fallecimiento =
|nacionalidad = Español
|area = Pintor, escultor, fotógrafo y ceramista
|firma =
}}

{{
#display_points:
Madrid España,España~Madrid~Lugar de nacimiento
}}

==Vida y obra==
Pintor, escultor, fotógrafo y ceramista. Hijo del abogado español Gabriel Alberto Morera y la venezolana Josefina Morales. Entre 1951 y 1954 realiza cursos libres de dibujo y pintura en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. El 29 de enero de 1955 llega a Venezuela y conoce a Alberto Brandt y, con quien experimenta utilizando materiales texturales. En 1956 viaja a París, donde conoce a la cineasta danesa Lene Rosenkilde; juntos recorren diferentes países, mientras ella realiza un documental sobre los tranvías en extinción en toda Europa. Morera decora la tienda por departamentos Crome & Goldschmidt de Copenhague y realiza sus primeras muestras individuales en la Galería La Roue de París y en la Galería Laurine de Copenhague. Hacia 1957 regresa a Venezuela y contrae matrimonio con Lene Rosenkilde (de quien se divorciará en 1964). Participa en las exposiciones informalistas "Espacios vivientes" (Palacio Municipal, Maracaibo, 1960) y el Salón Experimental (Sala Mendoza, 1960). En 1960 expone "Cabezas filosóficas" en la Galería Arne Juel en Copenhague.

En 1961 se incorpora al grupo vanguardista El Techo de la Ballena. Una segunda exposición de "Cabezas filosóficas" fue presentada en septiembre de 1961 en la Galería-librería Ulises (Caracas) y al año siguiente en la Galería 40 Grados a la Sombra (Maracaibo), 20 obras que combinaban texturas, grafismos y telas adheridas. Rodolfo Izaguirre escribió en el catálogo: "con una sutil disposición para la ironía y dueño de una singular capacidad poética que revela su personal concepción del mundo y los fundamentos mismos de su propia pintura, Gabriel Morera reanuda en estas Cabezas filosóficas […] el espíritu anticonformista e insurgente de El Techo de la Ballena, más allá, en efecto, de una realidad pictórica no siempre dada de manera exclusiva por la materia y convertida ésta en una posibilidad expresiva para alcanzar la formulación ya elaborada de las vivencias y plena intimidad de los sentimientos personales de su creador" (1961).

Según Juan Calzadilla entre los artistas que integraron la vanguardia informalista de los años sesenta, Morera era uno de los que ofrecía en su obra una imagen más poética. En esta época estaba interesado en crear un tipo de obra dotada de intimismo en la que pudiera encontrar expresión en los sueños. En 1962 participa en el XXIII Salón Oficial con tres pinturas al óleo sobre tela y en junio de este mismo año el MBA organizó "Pinturas blancas", realizadas sobre tablas de madera desgastada pintadas de blanco con gruesas texturas. Hacia esta época decae el aspecto figurativo y gestual de su obra para dar paso a los texturales y matéricos, con formas plásticas formalmente organizadas. En 1963 forma parte de las colectivas "Sujetos plásticos de la Ballena", en la Galería-librería Ulises (Caracas); "Adquisiciones y donaciones", organizada por la Sociedad de Amigos del MBA; el Boston Arts Festival (Galería Swetzoff, Boston, Massachusetts, Estados Unidos), además de presentar sus individuales "Relieves-pintura" (Galería G, Caracas) y "Gabriel Morera Paintings" (Galería Swetzoff, Boston, Massachusetts, Estados Unidos).

Este mismo año gana una beca de trabajo otorgada por la McDowell Foundation y se establece en una colonia de artistas en New Hampshire por cuatro meses. En este momento comienza sus ensamblajes en cajas, entre ellas Life Is Better than Death, Familia americana y Pequeña bandera de Venezuela (colección GAN). Realizados mediante la recolección de fotos, emblemas y objetos comerciales, sus cajas tienen una clara influencia de las cajas filosóficas de Duchamp y las cajas poéticas de Joseph Cornell. Asimismo, aparece por primera vez el elemento sideral en su creación, al elaborar algunas pruebas con fuertes manchas circulares de pintura, ordenadas perfectamente en un espacio encapsulado. Estos trabajos, en los que el color cobra primacía como materia, fueron mostrados en la exposición "The Eclipses", realizada en diciembre de 1963 en la Galería Bianchini en Nueva York; la serie usaba el color casi como materia y como objeto. En 1964 viaja a México, donde permanece por seis meses. Participa en una colectiva en la Galería Swetzoff (Boston, Massachusetts, Estados Unidos) y en la exposición "Donación Miguel Otero Silva" en el MBA. En 1965 obtiene una nueva beca de trabajo en la McDowell Colony (Boston, Massachusetts, Estados Unidos). Se muda a Nueva York y trabaja como profesor asistente de arte en la Escuela Hispana Montessori (Lower East Side, hasta 1973). Viaja a Caracas y participa en la III Bienal Armando Reverón. En 1966 contrae matrimonio con la bailarina venezolana Norah Parisi. En 1968 instala "Orthos" en la Galería Estudio Actual de Caracas. "Orthos", etimológicamente 'orden', 'organización', estaba conformada por piezas visuales que apelaban a los juegos de ilusión óptica y de trompe-l'oeil. Para el artista es la sistematización de uno o varios elementos sin relación entre sí, que comienzan a tener sentido a partir del elemento organizado. La muestra consistía en diez "cajas ilusión", a través de las cuales creaba imágenes ópticas. Los Orthos consisten en cajas de madera con un espejo interior y el "ortho" que contiene la imagen, con una serie de lentes y prismas. Las imágenes que se producen son la visión de un instante, como una imagen congelada. En una caja se da el caso de producir como cinco diferentes imágenes, dependiendo del ángulo de observación. Para su realización empleó acrílico, acero inoxidable, aluminio, vidrios, espejos cóncavos, fotografías y elementos cinematográficos. "Orthos" se expuso por primera vez en la Galería Kips Bay de Nueva York en 1967. El entonces director del MBA, Miguel Arroyo, vio su obra y le pidió dos cajas para exhibirlas en Venezuela, una de ellas, Mother Always Told Me, ganó el Premio Armando Reverón en el XXIX Salón Oficial (1968). Morera ganó el primer premio y el Premio Arterama en el Certamen Latinoamericano de Pintura, Premio Codex en Buenos Aires. En 1969 participó en el XXX Salón Oficial, en el Festival Internacional de Arte de Cali (Colombia) con tres Orthos, y junto a Gego, Juan Downey y Agustín Fernández en el "Latin America: New Paintings and Sculpture" en el Centro de Relaciones Interamericanas de Nueva York. En 1970 expone en la II Bienal de Arte Coltejer en Medellín (Colombia) y en el Instituto de Arte Contemporáneo de Lima. En 1973 inicia su serie de "pinturas negras". En julio de este año viaja a Caracas e instala, en la Galería Estudio Actual, Mitad carne, mitad sueño. Roberto Guevara señaló: "un reinicio sorprendente, pues significa la vuelta a la pintura bidimensional y a problemas de la especialidad únicamente pictórica o gráfica. Son obras que se inscriben en dos secciones definidas con claridad. En una encontramos los óleos, grandes bloques subdivididos, que contienen la misma materia pictórica: una densidad variable de trazos aglomerados con una libertad donde la forma no tiene ya nada que decir, a no ser su flujo y renuencia. Se podría hablar de espacio que se hunde que se nos muestra como evaluación […]. La otra sección está dominada por el dibujo y lo gráfico: perfiles de cosas, sugerencias de naturaleza, una dimensión todavía más literaria" (1973).

En 1975, invitado por el Consulado de Venezuela en Nueva York, exhibe "Paisajes, pájaros y símbolos", realiza un mural para la entrada de la residencia del embajador de Venezuela ante la ONU (entonces Simón Alberto Consalvi) y a mediados de año regresa a Venezuela. En 1976, con "Saltos de agua", se presenta en la Galería Sótano de Arte en Caracas. En 1977 comienza a trabajar con espejos intervenidos y con trozos de madera envejecida de playa; una obra representativa de esta tendencia es Neptune Av. (1979, colección GAN). Entre 1977 y 1980 dicta clases en la Escuela Cristóbal Rojas. En 1980, en la Galería G, exhibe "Espejismos", serie de obras que inició en 1976 y entre las cuales estaba Neptune Av., retablo poblado de imágenes, no sólo las integradas por el artista sino las reflejadas por el espejo. En esta obra, la imagen femenina se reproduce, desde las procedentes de la historia de la pintura hasta las de la historia del cine y de la literatura: un grueso tablón gastado por las olas y sostenido en dos ramas de árbol sirven de soporte a este imponente retablo. A partir de 1981 entra en contacto con un grupo de artistas de performances (Pedro Terán, Alfred Wenemoser, Diego Barboza y Yeni y Nan) y hace una compilación fotográfica de sus eventos. Expone "Cultivo de cera" en la Galería El Arca de Noé (Mérida, 1981), conformada por siete pinturas de la serie Astralia y 30 objetos de la serie Espejismos, piezas de desecho y cristalería que forman sus ensamblajes. Participa en IV Bienal Internacional de Arte en Medellín (Colombia) con un tríptico de Cultivo de cera, y, en la I Bienal Nacional de Artes Visuales en el MBA instaló Torre de corazones (colección MBA).

En 1983, en Los Espacios Cálidos inaugura "Zapatos celestes / Cultivo de cera", 40 obras dispuestas por series: la serie de la Puerta hermética, inspirada en la puerta hermética de Roma, donde estaba escrita la fórmula alquímica para convertir el plomo en oro; la serie de los Pájaros amazónicos, con lenguaje de los petroglifos y la magia de las nubes de Guayana; la serie de los Zapatos celestes, ensamblajes de zapatos recogidos todos en la playa; la serie de las Heroínas literarias, como Teresa de la Parra, Sylvia Plath y Virginia Woolf; la serie de Cajas cósmicas, y los Retratos. Elementos tales como cajas, espejos, transparencias, fotos, maderas, gemas de fantasía, se entremezclan constantemente en función de lo que el artista quiere comunicar. En una de las piezas el caballete del pintor, pierde su función de sostener la tela para convertirse en un altar sobre el que está crucificado un libro de historia de magia, alumbrado por dos velones blancos; los guantes de Virginia Woolf y su efigie fotográfica, impresa y fotocopiada. Como evento de clausura, Morera presentó junto a Ana Isabel Villanueva el performance Luna express, título que en 1985 usará para su segunda individual presentada en la misma galería. En 1984 integra las muestras "Jóvenes creadores" (Los Espacios Cálidos) y "Mundo de madera" (Galería Arte Hoy). En 1985 obtiene el primer premio, compartido con Julio Vengoechea, en el I Concurso de Fotografía Estée Lauder "El eterno arte del maquillaje" (Los Espacios Cálidos). En 1986, influenciado por su actual esposa Renate Pozo, comienza a trabajar el vidrio fundido. Participa en "De la talla al ensamblaje" (MBA) y en "Materia" (GAN). En 1987 expone por primera vez sus trabajos en vidrio en el XV Salón Artes del Fuego en la Sala Mendoza y presenta su serie Enigma (tarjetas postales intervenidas) en la Galería Vía (Caracas). Para Morera, la carta postal se hace un medio ideal para acceder a una gran cantidad de público; por medio de la técnica del fotomontaje recicla viejas imágenes dándole una nueva vida, envolviéndolas en sutiles connotaciones. Durante 1988 formó parte de las colectivas "Arte de América. Selección de obras de la colección" (MBA), "Mundo de Pandora" (Galería Arte Hoy, Caracas), "La imaginación de la transparencia" (MBA) y "Lo mágico y lo religioso" (GAN; itinerante por Argentina, Uruguay y Brasil). La Galería Agora en Caracas inauguró en 1988 la individual "Copas celestiales, unos vidrios…". En láminas de vidrio que parecen trozos de cielo transparente inserta copas de vidrios que se alzan como una ofrenda. En este trabajo el aliado de Morera es el horno, que con su calor le permite transformar al vidrio y convertirlo en una pieza artística con una nueva textura y forma. En 1989 participa en "La seducción de la transparencia" y "Artefactos", ambas en la Galería Vía (Caracas).

En 1990 su obra es incluida en "Los 80. Panorama de las artes visuales en Venezuela" (GAN), en "Ensamblajes" (Galería Propuesta Tres, Caracas) e instala la individual "Los desiertos de cristal: vidrios de Gabriel Morera" (Galería Felix, Caracas), con los que busca concretar con transparencia y luz la esencia de todos sus universos previos a partir del uso del vidrio. Durante los noventa ha participado en diferentes muestras expositivas, entre ellas "De Venezuela: treinta años de arte contemporáneo 1960-1990" (Pabellón de las Artes, Sevilla, España, 1992), "Confluencias" (Museo de Petare y Galería Tito Salas, 1993), FIA 94 (1994), "De espejos y espejismos" (Espacios Unión, Caracas, 1994), "El azul del cielo. Pintura y objetos atmosféricos" (Galería D'Museo, Caracas, 1994), "Una visión del arte contemporáneo. Colección Ignacio y Valentina Oberto" (MACCSI, 1995) y "La década prodigiosa. El arte venezolano de los sesenta" (MBA, 1995). Además del uso del vidrio, Morera continúa produciendo cajas, ahora de metal y con dimensión de armario, un mueble confesional en el que se atesora una arqueología personal. En 1996, Iris Peruga organiza "Contenidos imposibles de Gabriel Morera. Breve antología 1960-1996" (MBA), que compila un significativo número de obras con las que Morera ha desarrollado su lenguaje. Para Morera, la creación plástica es un acto poético renovado que se refleja en una gran variedad de soportes: los espejos cóncavos, la pintura de caballete, los desechos marinos y urbanos, la inclusión de la fotografía, el collage y el vidrio.

===Obras de Gabriel Morera===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:Copia_de_cabeza_azul.JPG | Cabeza Azul. 1968. Guache y tinta sobre papel. 36,7 x 25,7 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_caja_unthya.JPG | Caja Unthya. 1968. Acero Inoxidable y espejo cóncavo con base de plástico. 25,2 x 25 x 24,7 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_familia_americana.JPG | Familia Americana. 1963. Ensamblaje de madera, fotografía, resina y pintura. 24,5 x 18,5 x 5,5 cm. CONAC
Imagen:Copia_de_gran_caja_chamanica_con_palimpsesto.JPG | Caja Chamánica con Palimpsesto. 1983. Ensamblaje de Plexiglás, figura de madera tallada, caja de madera, espejo, plumas, tacos de madera con relieve, pabilo, fibra vegeta, mimbre y papel sobre cartón piedra . 78,5 x 60 x 14 cm.CONAC
Imagen:Copia_de_la_vida_es_mejor_que_la_muerte.JPG‎ | La vida es mejor que la muerte. 1963. Ensamblaje litografía, madera, vidrio y pintura. 18 x 18 x 9,4 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_material_con_impresion_negra.JPG‎ | Materia con imprimación negra. 1962. Vinavil y caseína sobre madera. 27 x 29 x 2 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_mother_always_told_me.JPG | Mother always told me. 1967. Emsamblaje con Plexiglás, espejo y metal . 19,9 x 20,4 x 20,4 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_neptuno_AV.JPG‎ | Neptuno AV. 1979. Ensamblaje de madera, espejo, metal y pintura litografía. 178 x 176 x 38 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_pequeña_bandera_de_venezuela.JPG | Pequeña bandera de Venezuela. 1963. Ensamblaje en témpera, vinyl, metal, madera y ferrotipo . 28,3 x 31 x 3 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_relieve_en_negro.JPG | Relieve negro. 1962. Base de vinyl, óleo y caseína sobre conglomerado de madera. 100 x 100 cm. CONAC
Imagen:Copia_de_sin_titulo.JPG | Sin titulo. 1962. Óleo sobre madera. 31,5 x 28,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_torre_de_corazones.JPG | Ensamblaje con diversos materiales. 1981. Ensamblaje con diversos materiales. 194 x 175 x 20 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_YO.JPG | YO. 1967. Tinta y guache sobre papel. 30,3 x 45,5 cm. CONAC.
Imagen:To_N.Y_1967.JPG | To N.Y. 1967. Tinta marcado sobre papel. 62.1 x 44.5 cm.
Imagen:Copia_de_789_words.JPG | 789 Words. 1967. Tinta y guache sobre papel. 45,7 x 30,5 cm. CONAC.
</gallery>

==Exposiciones individuales==
*1956 Galería La Roue, París / Galería Laurine, Copenhague
*1957 Librería Española, París
*1960 "Pinturas", Galería Silo, Madrid / "Cabezas filosóficas" ("Filosofiske hoveder"), Galería Arne Juel, Copenhague
*1961 "Cabezas filosóficas", Galería-librería Ulises, Caracas
*1962 "Pinturas blancas", MBA / "Cabezas filosóficas", Galería 40 Grados a la Sombra, Maracaibo
*1963 "Relieves-pinturas", Galería G, Caracas / "Paintings", Galería Swetzoff, Boston, Massachusetts, Estados Unidos / "The Eclipses", Galería Bianchini, Nueva York
*1968 "Orthos", Galería Estudio Actual, Caracas
*1973 "Pinturas negras", Galería Estudio Actual, Caracas
*1975 "Paisajes, pájaros y símbolos", Consulado de Venezuela, Nueva York
*1976 "Saltos de agua", Galería Sótano de Arte, Caracas
*1980 "Espejismos", Galería G, Caracas
*1981 "Cultivo de cera", Galería El Arca de Noé, Mérida
*1983 "Zapatos celestes / Cultivos de cera", Los Espacios Cálidos
*1985 "Luna express II", Los Espacios Cálidos
*1987 "Enigmas", Galería Vía, Caracas
*1988 "Copas celestiales, unos vidrios…", Galería Ágora, Caracas
*1990 "Los desiertos de cristal. Vidrios de Gabriel Morera", Galería Félix, Caracas
*1994 "El azul del cielo. Pinturas y objetos atmosféricos", Galería D'Museo, Caracas
*1996 "Contenidos imposibles de Gabriel Morera. Breve antología 1960-1996", MBA
*1998 "Diosas arcaicas y puntos de fuga", Galería D'Museo, Caracas

==Premios==
*1968 Premio Armando Reverón, XXIX Salón Oficial / Primer premio y Premio Arterama, Certamen Latinoamericano de Pintura, Premio Codex, Buenos Aires
*1983 Mención de honor, III Bienal Nacional de Artes Visuales, MACC
*1985 Primer premio, I Concurso de Fotografía Estée Lauder "El eterno arte del maquillaje", Los Espacios Cálidos

==Colecciones==
Banco Mercantil, Caracas / Fundación Noa Noa, Caracas / Fundación Polar, Caracas / GAN / MACCSI / MBA

==Fuentes==
*Guevara, Roberto. "Gabriel Morera: el difícil retorno". En: El Nacional. Caracas, 31 de julio de 1973.
*Izaguirre, Rodolfo. "Presentación". En: Cabezas filosóficas (catálogo de exposición). Caracas: El Techo de la Ballena, 1961.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve

==Comentarios==
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Narváez, Francisco

2013-02-11T18:16:54Z

Carlos Eduardo Morillo:

{{Ficha de artista
|titulo = Francisco Narvaéz
|imagen = [[Imagen:FFN_F_Narvaez.jpg‎|250px]]
|nombrecompleto = [José] Francisco Narvaéz
|nacimiento = 4 de octubre de 1905, Porlamar, Nueva Esparta - Venezuela
|fallecimiento = 7 de julio de 1982, Caracas, Distrito Capital - Venezuela
|nacionalidad = Venezolano
|area = Escultor y pintor
|firma =
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Porlamar Venezuela,Venezuela~Porlamar~Lugar de nacimiento
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==Vida y obra==
Escultor y pintor. Hijo del ebanista y alarife José Lorenzo Narváez y Vicenta Emilia Rivera. Su padre era conocido por sus tallas decorativas realizadas en la Iglesia del Valle del Espíritu Santo de La Asunción y por la construcción del faro de navegación de Porlamar (Edo. Nueva Esparta). Narváez asiste a la escuela de Carúpano, donde su familia se residencia hacia 1908, tras la caída de Cipriano Castro, y empieza a realizar tallas de muebles en miniatura con materiales como tiza o madera y una navaja como herramienta. Cuarto en una familia de 11 hijos, su aprendizaje inicial se basó en las prácticas del taller de su padre (1912-1921). Se interesó por la figura humana y copió en tiza los santos restaurados por su padre, realizó retratos de sus familiares y probó materiales como la greda para modelar figuras. Ayudó a su padre en los trabajos de reconstrucción y restauración de la Iglesia de San José de Orocual (Edo. Monagas), para la cual repintó las figuras y talló las partes faltantes de algunas imágenes religiosas. En 1916 participó en una exposición de artesanía en Cumaná con una talla de muebles en miniatura y recibió un diploma de reconocimiento. Posteriormente se le encargó un San Rafael para la Iglesia de Carúpano, a partir de un solo bloque de cedro; esta figura, según el artista, se conservaba en la iglesia aún en 1968. En 1918, la familia vuelve a Porlamar (Edo. Nueva Esparta), donde Narváez es atraído por escenas del mercado de Punta de Arenas, con sus pescadores, vendedoras y cargadoras de bultos, figuras recurrentes en su obra posterior; en el mercado observó al pintor rumano Samys Mützner pintando motivos locales. Narváez inicia clases de teoría y solfeo, que no puede continuar al enfermar de escrófula y permanecer un año en cama. Al recuperarse se dedica a tallar figuras de nacimientos y, hacia 1920, talla en madera una imagen del Niño Jesús para las hermanas carmelitas del hospital, que llama la atención de monseñor Sixto Sosa, obispo de Guayana, quien le sugiere que estudie en Caracas, le consigue el permiso de su padre, le paga el pasaje y gestiona una beca para que estudie en la Academia de Bellas Artes.

Narváez viaja a la capital y se instala en casa de los capuchinos de las Mercedes, donde permanece interno hasta iniciar los estudios de sexto grado en la Escuela Normal Villa Zoila y en la Academia hacia 1922. La talla del Niño Jesús de las hermanas carmelitas del hospital de Porlamar (Edo. Nueva Esparta) fue expuesta en 1922 en la Fotografía Manrique, junto con una pintura suya del mismo tema; la prensa señaló que la figura había sido tallada a navaja sin la intervención de maestro alguno. En la Academia recibió clases de dibujo, pintura, escultura, paisajes, anatomía y composición; sus profesores de escultura fueron Ángel Cabré i Magrinyà, Cruz Álvarez García y Pedro Basalo, y entre sus condiscípulos estaban Gregorio García, Eduardo Francis, Rafael Rosales y Tomás Golding, entre otros. Por entonces, los estudios artísticos seguían los patrones clásicos. Las clases de escultura se limitaban al modelado en arcilla y al trabajo en yeso, aunque el artista se interesó en la talla directa: le regalan un cincel y un bloque de mármol de Carrara, con el que talló un rostro que creó controversias entre los profesores, debido a sus "formas redondas", según Basalo, alejadas de los criterios clásicos propugnados por la Academia. Para esa época tiene la oportunidad de observar pinturas de Sorolla expuestas en la Academia. En 1924 obtiene diplomas de honor en la Academia en pintura y escultura. Para esa fecha conoce a Arturo Uslar Pietri, Alfredo Boulton y Andrés Eloy Blanco, quien le dedicó versos de Poda cuando el artista realizaba la maqueta para la tumba de su padre, que no se llevó a cabo. En septiembre de 1925, las esculturas del artista aparecen en un reportaje gráfico en la prensa. Narváez finaliza sus estudios en 1928, viaja a Margarita para pintar motivos marinos y obtiene algunas lajas de piedra, de las usadas para pavimentar patios, en las que esculpe relieves. Realiza su primera muestra individual ese año en el Club Venezuela (Caracas), en donde expone 60 pinturas y 12 relieves.

Viaja a París en 1928 con la ayuda de monseñor Sixto Sosa, quien gestiona el costo del pasaje ante los ministros de exterior y de fomento. Años después realiza dos retratos al óleo de monseñor Sosa, uno para la Iglesia del Valle y otro para las carmelitas de Caracas. En París se inscribe en la Academia Julian, donde fue discípulo de Pierre Landowsky y Bernard; y asiste al taller del escultor François Pompon. Estudia los trabajos de Jean Arp, Pablo Gargallo y la obra de Arístides Maillol, que ejerció influencia en sus trabajos posteriores. Algunos autores señalan la importancia del grupo Pont-Aven en su producción pictórica aunque, para Alfredo Boulton, la única asociación del artista con este grupo fue una temática común (paisajes marinos, mujeres nativas o vegetación tropical). Su producción coincidió con el interés por parte del arte europeo por las formas primitivas; de esta manera realizó algunos retratos al óleo de amigos venezolanos, en los que se aprecia una gran síntesis y un tratamiento plano del color. Instala un taller en las afueras de París y, entre otros trabajos, esculpe Vendedora de pescado (Pescadora, según Boulton, 1981) en piedra de París, con la que participa en 1930 en el Salón del Grand Palais en los Campos Elíseos; la pieza fue comentada por el periódico L'Art Vivent. Inicia un período en el que las figuras indígenas, las frutas tropicales, los colores intensos y los temas exóticos predominan de manera notoria. Envía algunas obras a Caracas que son exhibidas en el Club Venezuela (Caracas, 1930), que la prensa calificó de "nativistas". Al año siguiente participa en el Salón de los Independientes en París. Los motivos criollos de su época parisina, cultivada y enriquecida después en Venezuela en 1931, permitieron al artista experimentar con los volúmenes así como con materiales locales como la piedra o la madera.

A su regreso instaló su taller en el Barrio Obrero de Catia, que funcionó hasta 1943, y que con el tiempo se transformó en centro de reunión de artistas e intelectuales. En 1934 expuso esculturas, óleos y acuarelas en el Ateneo de Caracas. Sobre la producción pictórica del artista en este período comenta Juan Carlos Palenzuela: "la pintura de Narváez de estos años, digamos por ejemplo, sus paisajes de Ocumare, recuerdan ciertos paisajes y bodegones de su amigo Marcos Castillo y la de éste, algunas piezas de Elisa Elvira Zuloaga. Quizás el hilo conductor entre los tres artistas haya sido el notable maestro francés André Lhote". Hacia 1932 y 1933 realiza el grupo escultórico de la fuente del Parque Carabobo (fechado por Boulton y Rafael Pineda en 1934), antigua Plaza La Misericordia; este grupo, vaciado en piedra artificial, fue su primera obra integrada al urbanismo y, para Boulton, es la máxima expresión del trabajo nativista del artista, además de ser un hito pues marca una nueva forma de tratar el desnudo en la escultura venezolana. Señala Bélgica Rodríguez que, ya en la fuente del Parque Carabobo, se aprecia la estructuración casi geométrica de la figura como forma única que caracteriza la obra de este artista. En 1934, Arturo Uslar Pietri lo insta a realizar cuatro trípticos murales de temas populares para el haras de los hermanos Gómez; estos frescos se perdieron luego de la muerte del general Juan Vicente Gómez (1935), y reaparecieron en 1987, cuando fueron restaurados y exhibidos en el MACC en una exposición en homenaje a Boulton. En 1936 ingresa como profesor de escultura y modelado a la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas; ese año realiza relieves para las tumbas del poeta Luis Castro y de la familia Guruceaga, en el Cementerio General del Sur (Caracas). Entre 1935 y 1938, Carlos Raúl Villanueva le encarga relieves en piedra artificial para las fachadas del MBA y el Museo de Ciencias; en el primero, inaugurado en 1936, realiza tres relieves en los que representa figuras femeninas alegóricas a la pintura, la escultura y la arquitectura; y para el segundo, inaugurado en 1938, realiza motivos ornamentales y tres relieves, uno en la fachada principal, que representa un grupo de mujeres con frutos de la tierra, y dos en las fachadas laterales (llamados por Boulton El hombre y La mujer). En 1939 realiza un grupo escultórico en piedra artificial para el CIV (fechado por Pineda entre 1936 y 1937). Ese año participa en la Feria Mundial de Nueva York, con cinco esculturas en caoba africana, junto a pinturas de Luis Alfredo López Méndez; cinco piezas de las que sólo se conservan cuatro, Cacao, Perlas, Frutas y Café. Cacao y Perlas fueron ubicadas posteriormente en el Liceo Fermín Toro y Frutas y Café en el Liceo Andrés Bello. En 1940 participa en una exposición colectiva de artistas latinoamericanos en el Museo Riverside de Nueva York y recibe el Premio Oficial de Escultura en el I Salón Oficial por su obra Figura decorativa (colección GAN). En 1941 realiza La educación, relieve en piedra artificial para la Escuela Francisco Pimentel y, en 1942, un relieve alegórico para la fachada del antiguo Museo Bolivariano, ubicado en la esquina de Pajaritos (fechado por Pineda entre 1936 y 1937). Ese año obtiene el Premio John Boulton en el III Salón Oficial con Negra (Barlovento) (colección GAN). Entre 1943 y 1944 realiza La patria, elaborada en piedra artificial para el patio de la Escuela Militar de Venezuela y un altorrelieve para el auditorio. En La patria, con una muy personal resolución del motivo, consiguió que la valoración de formas y volúmenes imperara sobre el tema.

En 1943, Villanueva, encargado de la remodelación de la Urbanización El Silencio, lo comisiona a realizar dos grupos escultóricos para adornar la plaza principal; Narváez se basa en una antigua leyenda margariteña y realiza Las toninas, dos fuentes en piedra artificial ubicadas en la Plaza O'Leary (entonces Plaza Urdaneta). Años después, Villanueva lo llama a colaborar nuevamente en el proyecto de la integración de las artes de la Ciudad Universitaria, para la cual realiza cartones para varios murales en cerámica, entre otras obras: Retrato de María Luisa Tovar (Instituto de Medicina Experimental e Instituto Anatómico José Izquierdo, 1949-1950), La ciencia (piedra de Cumarebo, Instituto Anatómico José Izquierdo, 1950), La educación (piedra de Cumarebo, Instituto de Medicina Experimental, 1950), Ascención (pintura mural, capilla del Hospital Universitario, 1950), la fachada en cerámica esmaltada y el techo del comedor universitario (1951; mutilada la primera y cubierto el segundo en los trabajos de remodelación de 1982), el Retrato de José Gregorio Hernández (bronce, Instituto de Medicina Experimental, 1953), un mural en madera para la biblioteca Henry Pittier del Instituto Botánico (1956), Torso (madera, Facultad de Arquitectura y Urbanismo, 1956), Forma (madera, Hospital Universitario) y El atleta (piedra de Cumarebo, Estadio Olímpico, 1951). El atleta marca un punto culminante en su proceso de depuración; la figura, muy estilizada, está resuelta con grandes planos geometrizados y esquematizados, y se aleja del realismo figurativo de sus piezas anteriores. En 1948 obtiene el Premio Oficial de Pintura del IX Salón Oficial.

En 1953 viaja a Italia, se residencia durante seis meses en Pistoia, donde funde la estatua ecuestre del general Rafael Urdaneta, originalmente destinada a la Plaza de El Silencio, hoy en la Plaza Candelaria. El diario La Nazione de Florencia, Italia (2 de febrero de 1952) comentó que el monumento tenía "solidez de formas, redondez y plenitud de caracteres". Regresa al país también con otra obra, la Estatua en bronce, inicialmente ubicada en la terraza de la Biblioteca de la UCV, actualmente en la Plaza del Rectorado. Esta pieza es un ejemplo de las llamadas "formas nuevas" que empieza a trabajar ese año, en las que la figura humana estilizada, lograda con economía, se modificaba debido a tensiones internas de la masa, de manera que la anatomía se transformaba en referencia visual; Calzadilla insiste que estas formas no son abstractas y que toda la obra del escultor se asocia a una concepción humanística de la forma. En 1953 asumió la dirección de la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas (cargo que desempeñó hasta 1956). En 1954 realiza una exposición en la Sala Mendoza, donde presenta las llamadas "formas nuevas"; representa a Venezuela en la XVII y XVIII Bienal de Venecia (1954 y 1956), en la primera con 14 esculturas y en la segunda con tres. En 1955 participa en la Bienal de São Paulo y, en 1958, en la Feria Internacional de Bruselas junto a Jesús Soto. En 1962 participa en la exposición itinerante "Venezuela y su paisaje", organizada por la Fundación Fina Gómez en El Havre (Francia), Ginebra (Suiza), Barcelona (España), Madrid y París. Los trabajos de los años sesenta adquieren la rigidez, textura y oquedades del material, elementos que pasan a ser primordiales en sus trabajos posteriores; es notoria la investigación de las concavidades que ofrece el material trabajado, que destaca en la exposición de 1966 en la Sala Mendoza, año en que participa en el XXVII Salón Oficial, en el cual es reconocida su obra pictórica; asimismo talla Figura acéfala en samán blanco, destinada al BCV, cuya versión en bronce de 1981 forma parte de la colección GAN. Ejemplo de la investigación de los cóncavos es La ronda (1967), fuente realizada para la Avenida Santiago Mariño de Porlamar (Edo. Nueva Esparta), llevada luego al estacionamiento del Hotel Bellavista de esa ciudad, y posteriormente a la Plaza Bolívar. En 1969 talla una Virgen de Coromoto que el gobierno venezolano regaló al Estado de Israel, hoy en la Basílica de Nazaret, en Jerusalén.

En 1970 empieza a trabajar los Ochavados, en los que se aprecian las marcas y señales premeditadas de la acción del tallar (ochavar); estas piezas son, para Ariel Jiménez, un momento de ruptura poco comprendido, debido a lo tosco y abigarrado de las piezas, y representan una batalla entre el artista y la forma: "en la acumulación de planos, cortes, de fragmentos toscamente reunidos unos con otros, surgen las figuras grotescas que parecen dibujarlo, más bien desdibujarse, pues de eso se trata, de romper definitivamente en lo más íntimo de la obra con todo posible recuerdo de la figura humana" (1988, p. 1). En 1972 fue invitado de honor de la I Exposición Nacional de Artes Plásticas en el MBA y, en 1973, participó en la II Bienal Internacional de Pequeña Escultura en Budapest con 20 piezas. Para 1976 realiza serigrafías, técnica que le permitió obtener colores planos. El artista se encontraba entonces en una transición en su producción bidimensional. Ese año fueron restauradas Café y Frutas para la exposición antológica "Trayectoria de Francisco Narváez", realizada en el MACC. En 1978 representa a Venezuela en la "Exposición internacional" en el Grand Palais de París, junto a Héctor Poleo y Armando Reverón. En 1980 Roger Morffe dirige un cortometraje documental de tres minutos sobre la obra de este artista, titulado Narváez. Ese año dona 35 esculturas, 11 pinturas y 4 serigrafías al Museo Francisco Narváez, inaugurado el año anterior. En 1981 fueron restauradas Cacao y Perlas; su deterioro y mal estado de conservación produjo una polémica en la prensa en la que se cuestionó el valor que las instituciones educativas daban al arte. Ese año instala una pieza de dimensiones monumentales en Amuay (Judibana, Edo. Falcón), llamada Energía — El gran volumen por Alfredo Boulton—, hoy El gran volumen/energía (400 x 390 x 90 cm), obra concebida como un volumen dinámico, en el que se buscaba crear la sensación de giro de unas aspas de piedra con el contraste de la línea inclinada frente a la recta. En 1982 realizó otra escultura de grandes dimensiones para la Estación La Hoyada del Metro de Caracas, llamada Armonía de volúmenes y espacio. Luego del fallecimiento del artista en 1982, sus familiares crearon la Fundación Francisco Narváez.

En 1988, Juan Carlos Palenzuela y Axel Stein publicaron artículos de prensa en los que se cuestionaba la labor de la Fundación Narváez, debido a la producción de piezas en bronce, sacadas al mercado como ediciones y pruebas de artista no legitimadas. Ambos comentaron que sólo debía considerarse como auténtico aquello que el artista produjo en vida; también censuraron la producción de hasta dos series de una misma pieza. Ante los artículos, la Fundación contestó que Narváez siempre había deseado pasar muchas de sus piezas a materiales más duraderos y también señaló que, en el caso de las dos series, unas eran pruebas de artista proyectadas y no fundidas en vida del artista, y las otras, versiones definitivas de la misma obra. En 1995 fueron restauradas Las toninas por la Fundación, pero se deterioraron y debieron ser intervenidas nuevamente en 1998. Narváez aparece reseñado en el Diccionario de la escultura moderna (París: Hazan, 1960), en donde se señala que es un "inventor de formas líricas, teniendo el sentido de la plenitud y el equilibrio". Boulton insiste en que el trabajo pictórico y escultórico de este artista no se puede dividir en entidades separadas, aunque en diferentes períodos se haya dedicado más a una actividad que a otra, agregando que entre ambas disciplinas se estableció una simbiosis de elementos plásticos, que permitieron un enriquecimiento tanto en el tratamiento del contenido como en el de la materia. Sin embargo, es notoria la prevalencia que la actividad escultórica cobra sobre la pictórica. Como escultor, utilizó una amplia gama de técnicas y materiales que abarcaron el tallado en madera (caoba, vera, apamate, pardillo, ébano, carao, guayacán, cartán, samán, cují, amaranto, roble, cedro y vera), piedra (de Araya y de Cumarebo), mármol de Puerto Cabello, piedra artificial y el vaciado en bronce. En la talla directa y, en casos excepcionales como la figura-torso del BCV, utilizó añadidos para obtener una policromía de tonos distintos de los diversos bloques de material. Boulton realizó una periodización para el estudio de la obra del artista que se basa en las variaciones de su producción: un período inicial, criollista, denominado "primeras formas" (1928-1951); un segundo período en el cual priva la estilización de la esencia figurativa, el de las "formas nuevas" (1951-1966), y un último período de volúmenes geometrizados, llamado "volúmenes" (1970-1981). Pedro Briceño la divide en dos etapas: el período americano de los años treinta y la experiencia semiabstracta de los cincuenta. Sobre su obra, comenta Juan Calzadilla: "Narváez es un escultor de volúmenes rotundos y sólidos. Pocas veces se ha interesado por la espacialidad interna de la obra y por vaciar la forma, a la cual presenta siempre en piezas extensas formando bloques macizos de una o dos secciones, generalmente de apariencia monumental. La monumentalidad es una de sus características, por cuanto los volúmenes llenos y compactos requieren a menudo ser vistos a gran distancia, incorporados casi siempre al paisaje" (1981). Para este crítico, la importancia de la obra de Narváez va más allá de su trabajo escultórico, pues señala que fue precursor de nuevos lenguajes en la pintura, que desempeñó una actividad docente renovadora y que, además, se perfiló como el primer escultor que integró su obra al urbanismo. De Narváez, la GAN posee en su colección esculturas, pinturas y una maqueta escultórica.

===Obras de Francisco Narvaéz===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:Copia_de_boceto_para_la_fuente_de_las_tonitas_circa.JPG‎ | Boceto para la "Fuente de las toninas". Circa. 1944. Arcilla roja modelada inciso. 15,5 x 19,3 x 7,8 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_cabeza_de_muchacha.JPG‎ | Cabeza de muchacha. 1955. Mixta sobre masonite. 49,5 x 40,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_cabeza.JPG‎ | Cabeza. 1962. Talla en piedra de araya. 18 x 26 x 18,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_composi34345353534cion.JPG | Composición. Sin fecha. Relieve en madera de caoba laqueada. 111,7 x 152 x 4,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_criolla.JPG | Criolla. 1936. Talla en madera laqueada. 170 x 39 x 40 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_dos_volumenes_verticales_y_uno_horizontal.JPG‎ | Dos volúmenes verticales y uno horizontal. Década de los 70. Vaciado en bronce. 125 x 273 x 125 cm. Alcaldía mayor, en comodato. CONAC.
Imagen:Copia_de_dos_volumenes.JPG | Dos Volúmenes. 1976. Tallado en piedra. 105 x 130 x 88 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_eduardo_salomon_lahoud.JPG | Eduardo Salomón Lahoud. 1931. Óleo sobre tela. 41,5 x 33 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_figura_acefala.JPG‎ | Figura Acéfala. 1981. Fundición de bronce patinado. 190 x 88 x 50 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_figura_de_mujer_acefala.JPG‎ | Figura de mujer acéfala. 1966. Bronce patinado.180 x 84 x 45 cm. Instituto nacional de Hipódromos. CONAC.
Imagen:Copia_de_figura_decorativa.JPG‎ | Figura decorativa. Sin fecha. Talla en madera laqueada. 80 x 40 x 30 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_formas_sin_fecha.JPG | Forma. Sin fecha. Talla en madera. 100 x 145 x 99 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_girasoles,_circa.JPG‎ | Girasoles. 1930. Óleo sobre tela. 71 x 56 cm. Instituto Nacional de Hipódromos. CONAC.
Imagen:Copia_de_india.JPG‎ | India. 1937. Óleo sobre tela. 53,4 43,7 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_negra_de_barlovento_circa.JPG‎ | Negra de Barlovento. 1942. Óleo sobre tela. 63,1 x 54,3 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_serie_formar_horizontales_y_verticales.JPG | Serie Formas Horizontales y verticales. 1974. Serigrafía. 102 x 81,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_serie_formas_horizontales_y_verticales.JPG‎ | Serie Formas Horizontales y verticales. 1974. Serigrafía. 102 x 81,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_serie_formas_horizone4554545tales_y_verticaless.JPG‎ | Serie Formas Horizontales y verticales. 1974. Serigrafía. 79 x 90 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1945.JPG | Sin título. 1945. Grafito sobre papel encolado en cartón. 33 x 21,7 cm. CONAC.
Imagen:Copi3434343434a_de_sin_titulo.JPG | Sin título. Sin fecha. Serigrafía P/A 1/7. 79 x 90 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_torso.JPG | Torso. 1959. Fundición en bronce patinado. 51 x 38 x 35 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_tres_volumenes.JPG | Tres Volúmenes. 1981. Bronce dorado. 135 x 81 x 72 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_volumen.JPG | Volumen. Sin fecha. Bronce pulido sobre base de mármol. 38,5 x 20,5 x 16 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_volumenes.JPG‎ | Volúmenes. 1972. Fundición en bronce pulido y patinado. 92 x 45 x 38 cm. CONAC.
Imagen:Paisaje54353453.jpg | Paisaje. 1962. Óleo sobre tela. 90 x 85 cm. CONAC.
Imagen:Formas.jpg | Formas. 1966. Talla en Madera. 180 x 107 x 55 cm. CONAC.
</gallery>

==Exposiciones individuales==
*1928 Club Venezuela, Caracas
*1930 Club Venezuela, Caracas
*1934 Ateneo de Caracas
*1953 MBA
*1956 "Formas nuevas", Sala Mendoza
*1957 "Raíces", Sala Mendoza / "Formas nuevas", Centro de Bellas Artes, Maracaibo
*1959 Sala Mendoza
*1961 Sala Mendoza
*1964 Sala Mendoza
*1966 "Esculturas, pinturas", Sala Mendoza
*1968 Inciba, Porlamar, Edo. Nueva Esparta / Galería de Arte Moderno, Caracas
*1970 "Maderas y piedras ochavadas de Francisco Narváez", Sala Mendoza
*1971 Galería Framauro, Caracas
*1972 "Bronce cromado", Galería Antañona, Caracas / Galería Framauro, Caracas / Galería Gaudí, Maracaibo
*1973 "Gráficas", Galería Arte/Contacto, Caracas
*1974 "La trilogía", Galería Arte/Contacto, Caracas
*1976 "Trayectoria de Francisco Narváez", MACC / "Esculturas en bronce", Galería Marlborough, Nueva York / "Bronces bruñidos", Galería Arte/Contacto, Caracas / Galería Gaudí, Maracaibo
*1977 Capilla de San Ponziano, Palacio Comunal, Spoleto, Italia / Instituto de Cultura Italo Latinoamericano, Roma
*1978 Galería Sen, Madrid / Galería Arte/Contacto, Caracas / CIV, Puerto Ordaz
*1979 Dade Public Library System, Miami, Florida, Estados Unidos / Instituto Zuliano de la Cultura, Maracaibo / Galería Rafael Monasterios, Maracay
*1980 "La colección Narváez", Sala Cadafe / "El volumen y su huella", Museo Francisco Narváez / "Esculturas, pinturas, dibujos", Galería Alirio Rodríguez, Caracas / "Francisco Narváez en la colección GAN", GAN
*1981 "Varias etapas", Galería Siete Siete, Caracas / "Visión de Narváez", Casa del Rectorado, USB

==Exposiciones póstumas==
*1982 "Homenaje a Francisco Narváez", GAN
*1988 Galería Freites, Caracas / "Todos los tiempos de Narváez", Galería Municipal de Arte, Maracay
*1992 "Figuras, formas y volúmenes", Galería de Arte Ascaso, Valencia, Edo. Carabobo
*1993 "Hitos de una trayectoria", MAVAO / "Hitos de una trayectoria", Museo Francisco Narváez / "Hitos de una trayectoria", Sala Sidor
*1995 "Narváez o la aventura de las formas", MRE
*1997 "Gabinete Narváez", Fundación Francisco Narváez, Caracas
*1998 "Narváez, una colección", Fundación Daniela Chappard, Caracas
*2000 "Narváez", Los Espacios Cálidos

==Premios==
*1940 Premio Oficial de Escultura, I Salón Oficial
*1942 Premio John Boulton, III Salón Oficial
*1948 Premio Oficial de Pintura, IX Salón Oficial
*1963 Primer premio, IX Salón Julio T. Arze
*1964 Premio de escultura, X Salón Julio T. Arze

==Monumentos públicos==
Armonía de volúmenes y espacio, Estación La Hoyada, Metro de Caracas / Cristo, Seminario San José, El Hatillo, Edo. Miranda / El atleta, Estadio Olímpico, UCV / Escultura en piedra de Cumarebo, Bulevar La Asunción, La Asunción / Estatua de Fermín Toro, Liceo Fermín Toro, Caracas / Estatua ecuestre del general Rafael Urdaneta, Plaza La Candelaria, Caracas / Estatua en bronce, Plaza del Rectorado, UCV / Gran volumen/energía, Judibana, Edo. Falcón / Homenaje a Raúl Leoni, Bulevar Raúl Leoni, El Cafetal, Caracas / La ciencia, Instituto de Medicina Experimental, UCV / La educación, Instituto Anatómico José Izquierdo, UCV / La patria, EFOFAC / La ronda, Plaza Bolívar, Porlamar, Edo. Nueva Esparta / Las toninas, Plaza O'Leary, Caracas / Virgen de Coromoto, Basílica de Nazaret, Jerusalén

==Colecciones==
Banco Mercantil, Caracas / Colección Cisneros, Caracas / Fundación Francisco Narváez, Caracas / GAN / Liceo Andrés Bello, Caracas / Liceo Fermín Toro, Caracas / MACCSI / MACMMA / Mujabo / Museo Francisco Narváez / Museo Soto / Residencia Presidencial La Casona, Caracas / UCV

==Fuentes==
*Archivo Proyecto de Postulación de la Ciudad Universitaria ante la UNESCO, Caracas.
*Boulton, Alfredo. Narváez. Caracas: Ediciones Macanao, 1981.
*Calzadilla, Juan y Pedro Briceño. Escultura/escultores. Un libro sobre escultura en Venezuela. Caracas: Maraven, 1977.
*Calzadilla, Juan. "Narváez en la USB". En: El Nacional. Caracas, 13 de abril de 1981, p. C/16.
*Cinap, N 2.
*Gasparini, Marina y otros. Obras de arte de la Ciudad Universitaria de Caracas. Caracas: Conac, 1981.
*Jiménez, Ariel. "Piedra sobre piedra". En: El Universal. Caracas, 11 de diciembre de 1988, p. 4/1.
*Pineda, Rafael. Escultura y pintura de Francisco Narváez. Caracas: Inciba, 1968.
*Pineda, Rafael. Francisco Narváez, el maestrazo. Caracas: Tamayo y Cía., 1976.
*Pineda, Rafael. La escultura hasta Narváez. Caracas: Armitano, 1980.
*Rodríguez, Bélgica. Breve historia de la escultura contemporánea en Venezuela. Caracas: Fundarte, 1979.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve

==Comentarios==
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[[Category:CARACAS]]
[[Category:PORLAMAR]]
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Pantin, Anita

2013-02-11T18:14:35Z

Carlos Eduardo Morillo:

{{Ficha de artista
|titulo = Anita Pantin
|imagen = [[Imagen:Images.jpeg‎|250px]]
|nombrecompleto = Anita Pantin
|nacimiento = 8 de abril de 1949, Caracas - Venezuela
|fallecimiento =
|nacionalidad = Venezolana
|area = Pintora, dibujante y diseñadora escénica
|firma =
}}

{{
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Caracas Venezuela,Venezuela~Caracas~Lugar de nacimiento;
Caracas Venezuela,Venezuela~Caracas~Lugar de su Obra;
Ciudad Bolívar Edo. Bolívar Venezuela,Venezuela~Ciudad Bolívar~Lugar de su Obra
}}

==Vida y obra==
Pintora, dibujante y diseñadora escénica. Realizó estudios de pintura en el Taller Episcopo de Roma (1963) y cursos libres en la Escuela Cristóbal Rojas. En 1965 estudia en el taller de Francisco San José, posteriormente, en el Instituto Neumann y el taller de Luisa Palacios (1969). En 1972 realiza una pasantía en Florencia (Italia). En 1976 viaja a Nueva York para realizar cursos de video en MERC; de escultura con Priscilla Heep en la Universidad Apple y de holografía con Sam Moree y Daniel Schweitzer. Su interés por las artes escénicas la llevan a realizar diferentes pasantías: en el Théâtre La Salamandre (Lille, Francia, 1980) y en el Atelier de Réalisation de Decors Multiscenic de París (1982), así como en La Comedia Francesa de París (1984). A partir de 1970 participa en diferentes muestras colectivas y salones: "Gráfica 2" (Sala Mendoza) y "Joven actualidad I" (Galería Estudio Actual, Caracas, 1970); "Gráfica VII. Dibujos y acuarelas" (Sala Mendoza) y Salón de Dibujo y Grabado (ULA, 1975) y "Once tipos" (Sala Mendoza, 1976). En 1977 presenta su primera individual "Dibujo, pintura y gráfica" (Sala Mendoza), pinturas de gran formato y serigrafías con fuertes contrastes. Continúa su participación en las colectivas "Dibujos y acuarelas" (Sala Mendoza, 1978), "Tendencias figurativas contemporáneas" (GAN, 1979) y "Nuevo dibujo en Venezuela" (BCV, 1979). Artista multidisciplinaria, su obra se ha vinculado a proyectos musicales y teatrales. Tres de sus cuadros inspiraron al músico Juan Carlos Núñez para la composición de una pieza musical de cámara titulada Tres cuadros de Anita Pantin (1980); en este año participa en "La naturaleza y la huella del hombre" (Sala Mendoza).

Anita Pantin manifiesta una inquietud constante por unificar los distintos lenguajes de la plástica, traducida en su destacada intervención en las artes escénicas como diseñadora de vestuario, escenografía y máscaras para teatro, ópera y danza. Su obra La doña formó parte del montaje experimental Paisajes de soles y neblina con puntos de sangre del grupo teatral Expresarte (1983). En 1985 diseña el vestuario de la ópera Madame Butterfly, cuyos bocetos, lienzos de gran formato, fueron exhibidos en la exposición "El arte de vestir a Madame Butterfly", en la Sala de Exposiciones del Complejo Cultural Teresa Carreño (Caracas). Esta experiencia como diseñadora se repetirá en 1986, cuando tiene a su cargo el diseño del vestuario y la escenografía de la ópera Tosca y de la obra teatral Acto cultural. En la década de los ochenta participa en diferentes colectivas como "Jeunes artistes vénézuéliens" (Sala Cristóbal Rojas, Embajada de Venezuela, París, 1982), la Bienal de La Habana (1986), el Gran Premio Christian Dior de Artes Visuales (Centro de Arte Euroamericano, Caracas, 1987) y el Salón Metro de Caracas (1988). En 1992 se establece en Austin (Texas, Estados Unidos), donde todavía reside, para desarrollar un proyecto de investigación acerca de personajes históricos y populares de América Latina en el Instituto de Estudios Latinoamericanos de la Universidad de Texas (Austin, Texas, Estados Unidos), donde comienza a trabajar con tecnología multimedia y digital. Con esta técnica Anita Pantin crea una serie de Imágenes de Simón Bolívar basadas en la intervención de imágenes del Libertador hasta lograr la desacralización del héroe. Eduardo Planchart reflexiona sobre esta etapa del trabajo de Pantin: "materializa su lenguaje plástico a través de las herramientas que le permite la computación: la recreación y la síntesis, creando así una nueva propuesta basada en la iconografía republicana, en las cuales la artista profundiza al Libertador, contemporaneizándola sin trasgredirla". Con un grupo de artistas participa en la publicación digital Ánima. Entre sus trabajos multimedia más destacados se encuentran Auxilio and au secours (1998), producción digital diseñada para video; Lance (1998), y Los tres yo (1998), presentación realizada en el marco de Gerencia '98, en el Complejo Cultural Teresa Carreño (Caracas).

===Obras de Anita Pantin===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:Copia_de_angel_circa.JPG | Ángel. 1979. Acrílico y grafito en polvo sobre tela. 154x 200 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_guaraira_repano.JPG | Guaraira Repano. 1976. Acrílico y creyón sobre tela. 140x 200,5 cm. CONAC.
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==Videos==
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==Exposiciones individuales==
*1977 Sala Mendoza
*1985 "El arte de vestir a Madame Butterfly", Complejo Cultural Teresa Carreño, Caracas

==Colecciones==
GAN / Museo de Ciudad Bolívar

==Fuentes==
*Cinap, P 11.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve

==Comentarios==
<comments voting="Plus" />

[[Category:ARTISTAS]]
[[Category:CARACAS]]
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[[Category:DISEÑO ESCÉNICO]]
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[[Category:Completar texto]]

Palacios, Alirio

2013-02-11T18:14:06Z

Carlos Eduardo Morillo:

{{Ficha de artista
|titulo = Alirio Palacios
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|nombrecompleto = Alirio Palacios
|nacimiento = 12 de diciembre de 1944, Tucupita, Edo. Delta Amacuro - Venezuela
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|nacionalidad = Venezolano
|area = Dibujante, grabador, pintor y diseñador gráfico
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Tucupita Edo. Delta Amacuro Venezuela,Venezuela~Tucupita~Lugar de nacimiento;
Nueva York Estados Unidos,Estados Unidos~Nueva York~Lugar de su Obra
}}

==Vida y obra==
Dibujante, grabador, pintor y diseñador gráfico. Realizó sus estudios primarios en el campo petrolero de San Tomé y en El Tigre (Edo. Anzoátegui), y de arte puro y artes gráficas en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas (1954-1960). Entre sus maestros estaban Alejandro Otero, Mateo Manaure, Gerd Leufert y Gego. En 1957 obtiene el premio de artes gráficas, sección afiches, en la Escuela Cristóbal Rojas, y en 1961 participa en el Salón Planchart y en el XXII Salón Oficial, donde recibe dos premios: el Henrique Otero Vizcarrondo y el Roma, el cual le valió un viaje a Europa. Este mismo año representa a Venezuela en el VII Festival de la Juventud en Viena. Al año siguiente expone con Francisco Bellorín en la Escuela Cristóbal Rojas. Entre 1961 y 1962 vive en Italia y estudia en la Academia de Bellas Artes de Roma. En 1962 recibe una beca del gobierno chino para estudiar escenografía; se traslada a Pekín y se inscribe en la Universidad de Bellas Artes, donde estudia xilografía en la Facultad de Grabado con Li Ko Yang y el decano Li Hua. De esa época es su Estudio de cabeza de cabra (xilografía, 1963) y Estudio para pájaros, según Pai-She (tinta china, pigmento y agua de té sobre papel de arroz, 1963). A partir de su estadía en China desarrolla el trazo caligráfico que le dará un sello particular a su trabajo y perfecciona el uso de la tinta y el color negro. En 1965 regresa a Venezuela y trabaja en el Taller de Diseño del Inciba con Alejandro Otero, quien declaraba que "Alirio es el único caso que conozco en que una sensibilidad y una experiencia de pintor en lugar de resolverse en la tela, por la pintura, o directamente sobre el papel, por el dibujo, se resuelven por el buril a través de la plancha grabada, o por otras técnicas propias de este medio gráfico" (citado en González, 1976). En 1966, junto a Manuel Espinoza y José Antonio Dávila, forma parte de una colectiva en la Sala Mendoza. Participa en el XXVII Salón Oficial con tres óleos sobre tela: Flores para el estudiante muerto, Tejedor de energía Dios I y Tejedor de energía Dios II. En 1968 se encarga del diseño de la Revista Nacional de Cultura y de la revista Imagen, y participa en el X Salón Nacional de Dibujo y Grabado (Facultad de Arquitectura y Urbanismo, UCV).

A finales de 1968 inicia sus estudios en la Universidad de Varsovia, donde se especializa en técnicas gráficas con Ruzinski y diseño con Tomasweski. En 1969 asiste al taller de grabado de la Academia de Arte de Berlín Occidental y en 1970 expone en la Galería Stara Kodergarda en Varsovia. Entre 1970 y 1972 reside en Caracas hasta que en 1973 se traslada a Ginebra (Suiza) y estudia en el Centro del Grabado Contemporáneo. En 1974 prosigue sus estudios de grabado en Cracovia (Polonia), especializándose en aguafuerte y mezzotinta, técnica con la que produce grabados ejemplares. Entre 1975 y 1984 vive y trabaja en Caracas, retoma el diseño de la Revista Nacional de Cultura, comienza a impartir clases de ilustración en el Instituto Neumann y forma parte del programa de pintura infantil en calles y clases promocionado por la Gobernación del Distrito Federal (Caracas). Después de una etapa marcada por la influencia de la nueva figuración y Francis Bacon, como se observa en obras como Anunciación (mezzotinta, 1975), y una serie de dibujos poéticos en donde las figuras se diluyen en espacios cerrados, comienza a trabajar la serie Memorias del latifundio, en la que emergen personajes provenientes del realismo mágico, que habitan espacios indefinidos, acompañados de criaturas, perros, pájaros y caballos. En esos trabajos, ejecutados con pigmentos diluibles al agua sobre tela, predominan las veladuras, los planos geométricos y los trazos libres, en los que se unen las disciplinas gráficas, el dibujo y la pintura, como en Diálogo horizontal y fauna mayor (tinta, creyón sobre papel perforado, 1981). Desde ese momento trabaja el papel como una matriz de grabado, realizando trazos con buriles, impresiones en seco de rejillas y cuadrículas, incisiones y perforaciones; por otra parte comienza a empatar las láminas de papel para elaborar obras en formatos más grandes. En 1976 funda junto a otros artistas venezolanos el TAGA. En 1977 recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas y se incorpora al equipo docente del Cegra, y con Carlos Hernández Guerra representa a Venezuela en la XIV Bienal de São Paulo. Juan Calzadilla escribe en esa época: "Palacios se plantea la elaboración pictórica como un ejercicio antiacadémico, que rechaza las transposiciones fotográficas y los efectos fijos de una imagen descriptiva. En este sentido, él es fiel a su formación dibujística, por muchas razones emparentadas a la impronta caligráfica, y no podemos perder de vista, para comprender su pintura, que Palacios es un notable grabador que no desdeña emplear ninguna de las técnicas que están al alcance de su mano" (1977). En 1979 viaja a Bulgaria como comisario de la representación venezolana en la III Trienal de la Pintura Realista. En esa época realiza numerosos dibujos con pastel, creyón y carboncillo, como Nunca la veo del mismo modo IV (colección GAN, 1979). En 1981 gana uno de los tres premios de adquisición (GAN) en la I Bienal Nacional de Artes Visuales, en el MBA.

En 1985 viaja a Nueva York e instala su taller en el Soho. Este año es nombrado asesor cultural del Consulado de Venezuela en esa ciudad. En 1987 es adscrito a la misión permanente de Venezuela ante la ONU como consejero cultural. En los años noventa inició las series de Caballos mágicos, inspirados en la pintura china y formó parte de múltiples colectivas, entre las que destacan: "Magic and Reality" (Kent Fine Art, Nueva York, 1990), "Perspective on the Present Contemporary Painting in Latin America" (Museo de Arte, Nagoya, Japón, 1991), "Los 60. La década prodigiosa" (MBA), "Plástica de América Latina y el Caribe" (UNESCO, París, 1999) y "Plástica latinoamericana" (Espacio Cultural de Colombia, Washington, 1999). En sus últimas obras, Palacios ha retomado la tradición oriental de la xilografía y las figuras emblemáticas, para desarrollar dibujos, grabados y ensamblajes en madera inspirados en el arte chino, entre ellas Sobre el caballo de Lin-Ku-Lin (tabla grabada con la cual realizó una edición intervenida). Por otra parte, en su serie de Concretografías (1998-1999), ha desarrollado impresiones de "paisajes" gestuales a partir de matrices de concreto. En la actualidad vive entre Nueva York y Caracas. La GAN tiene en su colección un significativo número de obras (serigrafías, mezzotintas, pinturas) fechadas entre 1972 y 1987, entre ellas Bautizados y herejes (carboncillo y acrílico, 1979) y Diálogo interior de la familia hereje (tinta, creyón y pastel sobre papel, 1981).

===Obras de Manuel de la Fuente===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:Copia_de_a_proposito_de_goya.JPG‎ | A propósito de Goya . 1998. Xilografía y tinta china. 239,8 x 245 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_a_proposito_de_un_autor_anonimo_sobre_la_reina_isabel.JPG‎ | A propósito de un autor anónimo sobre la Reina Isabel. 1995. Xilografía y tinta china. 165 x 312 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_amigos_1975.JPG | Amigos. 1975. Aguafuerte y Buril 3/6. 49,3 x 42,3 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_amigos.JPG | Amigos. 1974. Mezzotinta. 11,2 x 14,6 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_angel.JPG‎ | Ángel. 1994. Xilografía 1/1 y tinta china. 190 x 104,3 cm. CONAC
Imagen:Copia_de_aquella_noche_de_amor.JPG | Aquella noche de amor. Sin fecha. Óleo sobre tela. 146 x 180 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_bautizados_y_herejes.JPG | Bautizados y herejes. 1979. Carboncillo y acrílico sobre tela. 161 x 161 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_caballo.JPG | Caballo. 1990. Xilografía sobre papel de arroz. 181,5 x 173,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_depues_de_vermeer.JPG | Después de Vermeer. 1998. Xilografía. 200 x 200 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_dialogo_de_una_familia_hereje.JPG | Diálogo de una familia hereje. 1981. Carboncillo, tinta, grafito, pastel, sanguina, acrílico, creyón, repujado, perforaciones sobre papel adherido a tela. 221,7 x 154,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_dialogo_horizontal_y_la_fauna_mayor.JPG | Diálogo Horizontal y la fauna mayor. 1980-1981. Grafito, tinta, sanguina, acrílico, creyón, pastel, carboncillo, repujado sobre papel adherido a tela. 224,7 x 112,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_dialogo.JPG | Diálogo. 1975. Aguafuerte y aguatinta (1/5). 69,5 x 49,1 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_el_hombre_que_desembarco_en_ocumare.JPG |El hombre que desembarcó en Ocumare. 1981. Serigrafía sobre papel. 167,2 x 70 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_espiritus_cruzan_el_bosque_inundado.JPG‎ | Espíritus cruzan el bosque inundado. 1990. Mixta sobre tela, pigmentos naturales, y tinta negra sobre tela. 230,4 x 330,4 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_guerreros_de_tung_huang_2.JPG‎ | Guerreros de Tung-Huang 2. 1995. Xilografía y tinta china. 195,7 x 183 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_homenaje_a_la_calle_spadzispa.JPG‎ | Homenaje a la calle Spadzispa. 1975. Mezzotinta (1/20). 14,8 x 11,3 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_inmigrantes.JPG‎ | Inmigrantes. 1973. Mezzotinta y punta seca (9/10). 14,9 x 11,6 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_la_muchacha_de_la_boteita.JPG‎ | La muchacha de boleíta. 1991. Xilografía sobre papel de arroz. 174,5 x 92 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_los_perros_que_se_volvieron_duendes.JPG | Los perros que se volvieron duendes. 1985. Grabado. 102 x 81,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_nunca_veo_del_mismo_modo_4.JPG‎ | Nunca la veo del mismo modo IV. 1979. Pastel, creyón y carboncillo sobre papel. 114 x 82 cm. CONAC
Imagen:Copia_de_personaje_2.JPG‎ | Personaje 2. 1995. Xilografía y tinta china. 190,3 x 105,1 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_retrato_de_jose_gregorio_hernandez.JPG‎ | Retrato de José Gregorio Hernández. 1999. Mixta. 182,5 x 174,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_simon_bolivar.JPG‎ | Simón Bolívar. 1987.Serigrafía sobre papel. 206 x 131 cm. Instituto nacional de Hipódromos, en comodato.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1980.JPG‎ | Sin título. 1980. Serigrafía y litografía sobre papel. 52 x 37,9 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1981_serie_paisajes_de_la_memoria.JPG‎ | Sin título. Serie: paisajes de la memoria. 1981. Serigrafía. 57 x 44,9 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_19955660.JPG‎ | Sin título. 1990. Serigrafía y trece tintas. 57,5 x 76,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_2000.JPG‎ | Sin título. 2000. Aguafuerte y aguatinta. 75,7 x 54,9 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_version_de_pajaro_y_perro_para_reconstruir_a_los_herederos_del_latifundio.JPG‎ | Versión de pájaro y perro para reconstruir a los herederos del latifundio. 1982. Tinta, acuarela y lápiz sobre tela y papel. 168,5 x 153 cm. CONAC.
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==Videos==
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==Exposiciones individuales==
*1964 Asociación de Artistas de Pekín, Hotel Hilton, Hong Kong
*1967 Galería Polo & Bot, Caracas / Itinerante de carteles y grabados (organizada por el Inciba), Ciudad Bolívar, Cumaná, Mérida y Boconó
*1970 Galería Stara Kordegarda, Varsovia
*1971 Galería Diego de Rivera, Barquisimeto / Galería Arte Grabado, Caracas
*1974 Galería 2001, Lausana, Suiza
*1975 Galería CH, Rolle, Suiza / Centro del Grabado Contemporáneo, Ginebra, Suiza
*1976 IDC
*1977 "Rescate de una imagen", Galería Estudio Actual, Caracas
*1978 "Paisajes espirituales", Galería Estudio Actual, Caracas / BN
*1981 "Revelación de un rostro", Sala Mendoza
*1986 "Memorias del latifundio", Galería Freites, Caracas / Galería Littlejohn-Smith, Nueva York
*1988 Galería Littlejohn-Smith, Nueva York
*1989 "Dibujos de Alirio Palacios en la Academia de Artes de Pekín", Asociación Cultural Maraven, Caracas
*1992 "Entre lo real y sus signos", MBA / "Forma y espíritu", Galería Freites, Caracas
*1993 Universidad de Nuevo México, Albuquerque, Nuevo México, Estados Unidos / "Millenary Knowledge and Tropical Imagery", Galería Freites-Revilla, Boca Ratón, Florida, Estados Unidos
*1994 Galería Arteconsult, Panamá
*1998 "Secuencias de lo mágico-religioso: obras sobre papel", Museo José Luis Cuevas, Ciudad de México / "Apparitions", Galería Freites-Revilla, Coral Gables, Florida, Estados Unidos
*1999 "Xilografías y concretografías", MBA
*2000 "Xilografías y concretografías 1994-1999", Centro Cultural Eladio Alemán Sucre, Valencia, Edo. Carabobo
*2002 Museo Cruz-Diez

==Premios==
*1957 Premio de artes gráficas, sección de afiches, Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas
*1959 Segundo premio de dibujo, "Primera exposición nacional de dibujo y grabado", Facultad de Arquitectura y Urbanismo, UCV
*1960 Tercer premio, I Salón de las Artes Aplicadas, Casa de la Cultura, Maracay
*1961 Premio Henrique Otero Vizcarrondo, XXII Salón Oficial / Premio Roma, XXII Salón Oficial / Premio Arturo Michelena (compartido con Armando Pérez), XIX Salón Arturo Michelena
*1964 Segundo premio, III Salón Aragua, Casa de la Cultura, Maracay
*1966 Premio Roma, XXVII Salón Oficial / Medalla de oro, Bienal Gráfica de Barranquilla, Colombia
*1967 Premio Roma, XXVIII Salón Oficial / Primer premio, V Salón Aragua, Casa de la Cultura, Maracay / Primer premio, IX Salón Nacional de Dibujo y Grabado, Facultad de Arquitectura y Urbanismo, UCV
*1968 Premio Fundación Mendoza, X Salón Nacional de Dibujo y Grabado, Facultad de Arquitectura y Urbanismo, UCV / Premio Emil Friedman, XXIX Salón Oficial
*1971 Medalla de oro, I Bienal Gráfica de Cali, Colombia / Premio de adquisición para grabado, I Salón Nacional de Jóvenes Artistas, Casa de la Cultura, Maracay / Medalla de oro, III Bienal Internacional de Gráfica, Florencia, Italia
*1976 Bolsa de trabajo, Salón Las Artes Plásticas en Venezuela, MBA
*1977 Premio Nacional de Artes Plásticas, Caracas
*1980 Primer premio, II Salón del Dibujo Actual en Venezuela, Fundarte
*1981 Premio de adquisición, I Bienal Nacional de Artes Visuales, MBA / Premio Andrés Pérez Mujica, XXXIX Salón Arturo Michelena
*1984 Premio Internacional Flavio de Carvalho, I Bienal de La Habana / Primer Premio Ciudad de La Habana, I Bienal de La Habana

==Colecciones==
Asociación de Artistas Plásticos de Shangai, China / Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo / Banco Mercantil, Caracas / BN / Casa de las Américas, La Habana / Centro del Grabado Contemporáneo, Ginebra, Suiza / Galería Municipal de Arte, Puerto La Cruz / GAN / MACCSI / Museo de Bellas Artes, Ginebra, Suiza / Museo de Brooklyn, Nueva York / Museo Nacional de Varsovia / UCV / Universidad de Arte, Varsovia / Universidad de Bellas Artes, Pekín

==Fuentes==
*Arráiz, Antonio. Memorias del latifundio (catálogo de exposición). Caracas: Galería Freites, 1986.
*Calzadilla, Juan. "Alirio Palacios: vigilia, espacio y conflicto". En: Dibujos de Alirio Palacios: el hombre perdido en su aldea (catálogo de exposición). Caracas: XIV Bienal de São Paulo, 1977.
*Cinap, P 7.
*González, Olga. "Mezzotintas de Alirio Palacios". En: Revista Nacional de Cultura, 224. Caracas, abril-mayo de 1976.
*Xilografías y concretografías (catálogo de exposición). Caracas: MBA, 1999.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve

==Comentarios==
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[[Category:ARTISTAS]]
[[Category:TUCUPITA]]
[[Category:NUEVA YORK]]
[[Category:SIGLO XX]]
[[Category:GRABADO]]
[[Category:PINTURA]]
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[[Category:DISEÑO GRÁFICO]]
[[Category:MASCULINO]]
[[Category:Completar imágenes]]
[[Category:Completar texto]]

Dibujante, grabador, pintor y diseñador gráfico

Oramas, Alirio

2013-02-11T18:13:22Z

Carlos Eduardo Morillo:

{{Ficha de artista
|titulo = Alirio Oramas
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|nombrecompleto = Alirio Oramas
|nacimiento = 30 de agosto de 1924, Caracas - Venezuela
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|nacionalidad = Venezolano
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Caracas Venezuela,Venezuela~Caracas~Lugar de nacimiento y Lugar de su Obra;
Valencia Carabobo Venezuela,Venezuela~Valencia, Carabobo~Lugar de su Obra;
Maracaibo Zulia Venezuela,Venezuela~Maracaibo Zulia~Lugar de su Obra
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==Vida y obra==
Pintor. Hijo del arqueólogo Luis Ramón Oramas, quien fuera director del jardín botánico del Parque El Calvario, y Blanca Príncipe. Se interesó por la pintura desde temprano y realizó dibujos de petroglifos y piezas de cerámica para ilustrar las publicaciones de su padre. En 1944 culmina el bachillerato en el Colegio San Ignacio de Loyola y, entre 1945 y 1946, trabaja como maestro de primaria en la Escuela Vicente Salias de Los Teques, al tiempo que asiste a cursos de especialización en la Escuela Experimental Venezuela (Caracas). Conoce al escultor uruguayo Germán Cabrera, quien lo motiva a inscribirse en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas (1946), donde fue discípulo de Juan Vicente Fabbiani y Rafael Monasterios en dibujo y Pedro Ángel González en grabado. Durante un tiempo colabora en la revista Luz y realiza linóleos y dibujos. Continúa dando clases hasta que recibe una beca que le permite dedicarse a pintar en su taller. Forma parte del grupo La Barraca de Maripérez, luego de haber sido expulsado junto a otros alumnos de la Escuela; en 1948 se funda el Taller Libre de Arte, que dirige hasta 1951. En 1950 publica la revista Taller y, en mayo de ese año, aparece suscribiendo el tercer número de la revista Los Disidentes. En este período, su obra pictórica sigue una tendencia expresionista constructiva, que caracteriza las series de Las sillas, Los mandingas, Los puertos y Los papagayos. Asiste a su padre en proyectos de arqueología y visita en varias ocasiones a Armando Reverón en Macuto. En 1951 recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas en el XII Salón Oficial por su obra Papagayos (llamada también Cometas y papagayos, colección GAN), en la que se percibe un estudio de las formas geométricas.

En 1952 viaja a Nueva York para luego trasladarse a París, donde asiste a la academia de La Grande Chaumière y al Taller de Arte Abstracto de Jean Dewasne y Edgar Pillet. Visita a Georges Braque y a André Breton; por un tiempo comparte habitación con Sam Francis y Gonzalo Fonseca, para luego mudarse a un estudio en la 22 rue du Seine. En 1952 expone "Las progresiones" (Galería Arnaud, París), de tendencia geométrica. En la Escuela del Louvre estudia historia del arte, arqueología y museología, áreas que también perfecciona en el Museo del Hombre y en el Museo de Monumentos y Tradiciones Populares en París. Entre 1953 y 1955 viaja por Europa, en 1954 realiza cerámicas en el taller de Savigni en Montparnasse (París), junto a Fonseca; ese año participa en el Salón de Mayo de París y conoce a Lucila Maza Zavala, estudiante de arte con quien contrae matrimonio al año siguiente. Finalmente se radica en Barcelona (España), donde trabaja en restauración en el Museo de la Ciudad. Conoce a Joan Miró, y pinta y expone junto a artistas como Antoni Tàpies, Modest Cuixart, Rafael Canogar y Josep Guinovart.

En 1956 regresa a Venezuela y realiza cuatro murales para la Ciudad Universitaria de Caracas, tres para la Biblioteca Central y uno para la Facultad de Arquitectura y Urbanismo, con motivos surgidos de Las progresiones trabajadas en París. En 1958 realiza policromías para el Banco Obrero. En 1959 viaja a Roma, donde rompe con la pintura geométrica e incursiona en el informalismo, dándole preponderancia al gesto sobre las formas; en ese período trabaja con ensamblajes y collages de gran formato. En 1961 participa en la Bienal de Venecia con obras informalistas como Teddy Boy y L'operatio. Viaja a París y realiza trabajos con action painting. En 1962 regresa a Italia, donde es contratado por la Galería El Cavalino (Venecia) y toma un curso de restauración en el Istituto Nazionale per il Restauro (Roma). Vuelve a Venezuela en 1963 y, al año siguiente, comienza a dar clases en la Escuela Cristóbal Rojas. En 1965 funda los Talleres Periféricos de Arte del Inciba, el Taller El León de Oro (con otros artistas) y, posteriormente, el movimiento expansionista junto a Omar Carreño. A partir de 1966 empieza a utilizar la manzana en su obra como leitmotiv, con el uso de plantillas y pintura spray con transparencias. En 1974 funda, junto a Lucila de Oramas, el Museo Armando Reverón (Macuto, Edo. Vargas), que dirigió hasta 1977. En este museo intenta recuperar el ambiente del Castillete y los objetos del artista que, para ese entonces, aún no eran una colección formal. En 1977 organiza una importante exposición de objetos de Reverón en el Museo Emilio Boggio. En 1980 ocupa temporalmente el cargo de director del Museo Emilio Boggio como suplente. A partir de 1981 realiza performaces, como El coito de Adán y Eva (MBA, 1981), La creación de Adán (Parque Central, Caracas, 1982), El paso de Mercurio y El asesinato de la paleta (ambos en la GAN, 1985). En 1983 viaja a París y concibe un proyecto en performance llamado El camino de las estrellas, inspirado en el camino de Santiago, una peregrinación por los hoteles que se encuentran en la rue Saint-Jacques, con fotos y diarios. En un estudio en Vincennes (Francia) comienza a trabajar un personaje imaginario llamado Peter Müller, soldado alemán, alter ego del artista; pinta en gran formato, realiza tapices y objetos sobre la historia de este personaje. En 1985 regresa a Venezuela e, inspirado por la Melancolía de Alberto Durero, trabaja una serie de pinturas. En 1988 realiza serigrafías de su obra anterior con el impresor Simón Guerrero. En 1991 es jubilado de la Escuela Cristóbal Rojas y, en la Galería Espiral de dicha institución se le organiza una exposición homenaje. En 1993, luego de un reposo de un año debido a una intervención quirúrgica, retorna a su trabajo y crea el grupo de talleres Crea 10 junto a artistas jóvenes, en la antigua sede de la Escuela Cristóbal Rojas. Al año siguiente indaga aspectos esotéricos y mitológicos en su serie Mitos y talismanes. En 1996 viaja a La Habana para donar una obra gran formato a la Casa Simón Bolívar.

Oramas ha participado en el Salón Oficial (desde 1944 hasta 1964), en las ediciones XXIV y XXV del Salón Arturo Michelena (1966 y 1967) y en exposiciones colectivas, entre las que se cuentan "22 pintores venezolanos hoy" (itinerante por Chile, Uruguay y Perú, 1963), "Visión de la pintura en Venezuela" (Palacio de Bellas Artes, La Habana, 1975), "Arte constructivo venezolano. 1945-1965: génesis y desarrollo" (GAN, 1979), "Indagación de la imagen (la figura, el ámbito, el objeto). Venezuela, 1680-1980. Exposición temática. Primera parte" (GAN, 1980), "Tiempo de Gallegos" (GAN, 1985) y "Arte de América" (MBA, 1988). Bélgica Rodríguez ha comentado sobre su obra: "Alirio Oramas es un artista marcado por una tendencia permanente hacia la investigación, hacia las actividades irreverentes ante lo tradicional y lo establecido y por una posición casi mística ante el hecho creador. Una actitud que se ha nutrido siempre de conceptos y teorías que han trascendido el mundo cotidiano del hombre para ubicarse en el nivel de lo esencial y de lo espiritual" (1983). De este artista, la GAN posee en su colección Cometas y papagayos (grafito, tinta china y óleo sobre tela, 1951) y Composición nº 2 (collage sobre madera, 1961).

===Obras de Alirio Oramas===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:Cometas_y_Papagayos.jpeg | Cometas y Papagayos. 1951. Serigrafía Sobre Papel. 74x108cm.
Imagen:Composicion_nº2.JPG | Composición nº2. 1961. Collage. 18,8x37,7 cm.
Imagen:El_cuadro_magico_de_durero_(melancolia_I).JPG‎ | El Cuadro Mágico de Durero "Melancolía I". 1984. Fotocopia ampliada sobre papel. 41,8x29,5 cm.
Imagen:El_cuadro_magico_de_durero_(melancolia_I)_1984_.JPG‎ | El Cuadro Mágico de Durero. 1984. Fotocopia ampliada, intervenida con marcador sobre papel. 111x109 cm.
Imagen:Simultaneidad_cromatica.JPG‎ | Simultaneidad Cromática. 1953. Acrílico sobre tela. 160,3x130,5 cm.
Imagen:Urbe_lunar.JPG | Urbe Lunar. 1980. Acrílico Sobre tela. 115x147,5 cm.

</gallery>

==Exposiciones individuales==
*1951 Embajada de Estados Unidos, Caracas
*1952 "Las progresiones", Galería Arnaud, París
*1961 Galería Jardín de las Artes, Roma
*1962 Galería La Salita, Roma / Facultad de Arquitectura y Urbanismo, UCV
*1966 "El Edén de Adán", Galería XX2, Caracas
*1967 Galería Garuma, Caracas / "Círculos cosmos: transparencias", Galería de Arte Moderno, Caracas
*1968 "Una trayectoria visual: retrospectiva 1948-1968", Galería Banap, Caracas
*1972 "Obras recientes", Galería Humboldt, Caracas
*1977 Galería Carmelo Fernández, Caracas
*1979 Galería Carmelo Fernández, Caracas
*1983 "Adiós a Caracas", Galería Durban, Caracas
*1985 "Del taller de Alirio Oramas hoy", GAN
*1991 "Homenaje a Alirio Oramas", Galería Espiral, Escuela Cristóbal Rojas / "Obras 1948-1988", Galería D'Museo, Caracas

==Premios==
*1951 Premio Nacional de Artes Plásticas, XII Salón Oficial
*1966 Premio Creole, XI Salón D'Empaire / Premio Andrés Pérez Mujica, XXIV Salón Arturo Michelena
*1967 Premio Arturo Michelena, XXV Salón Arturo Michelena
*1998 Premio Nacional de Artes Plásticas, Caracas

==Colecciones==
Ateneo de Caracas / Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo / Banco Mercantil, Caracas / BCV / BN / Conac / GAN / Gobernación del Estado Zulia, Maracaibo / MACCSI / Mamja / Maraven, Caracas / MBA / UCV / UNA / UNEFM

==Fuentes==
*Archivo del artista.
*Cinap, O 10.
*Rodríguez, Bélgica. Adiós a Caracas (catálogo de exposición). Caracas: Galería Durban, 1983.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve

==Comentarios==
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[[Category:ARTISTAS]]
[[Category:CARACAS]]
[[Category:ZULIA]]
[[Category:MARACAIBO]]
[[Category:CARABOBO]]
[[Category:VALENCIA]]
[[Category:SIGLO XX]]
[[Category:PINTURA]]
[[Category:MASCULINO]]
[[Category:Completar imágenes]]
[[Category:Completar texto]]

Archivo:GAN A Oramas.jpg

2013-02-11T18:12:39Z

Carlos Eduardo Morillo: Fotografía Oramas.

Fotografía Oramas.

Monsanto, Antonio Edmundo

2013-02-11T18:08:17Z

Carlos Eduardo Morillo:

{{Ficha de artista
|titulo = Antonio Edmundo Monsanto
|imagen = [[Imagen:5728245032_c3488e5f13_z.jpg|250px]]
|nombrecompleto = Antonio Edmundo Monsanto
|nacimiento = 10 de septiembre de 1890, Caracas - Venezuela
|fallecimiento = 16 de abril de 1948, Caracas - Venezuela
|nacionalidad = Venezolano
|area = Pintor, docente y promotor del arte moderno en Venezuela
|firma =
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Caracas Venezuela,Venezuela~Caracas~Lugar de nacimiento y Lugar de su Obra
}}

==Vida y obra==
Pintor, docente y promotor del arte moderno en Venezuela. Hijo de Juan Monsanto y de Dolores Cocking de Monsanto. Inicia estudios regulares en el Colegio San Nicolás y posteriormente en el Colegio Teresa Eduardo, en donde asiste a las clases de pintura que impartía su tía materna Amelia Cocking. Más tarde estudia en el Colegio Sucre (Caracas), a cargo entonces del doctor José Manuel Núñez Ponte y, posteriormente, en la Escuela Politécnica dirigida por el doctor Luis Ezpelosín. En 1904 ingresó a la Academia de Bellas Artes que dirige entonces Emilio J. Mauri; además de recibir clases de dibujo y pintura, comienza a demostrar gran interés por el estudio de la historia del arte. Hacia 1906, junto con Manuel Cabré, comienza a pintar paisajes y vistas urbanas caraqueñas. Monsanto tomará varias veces como motivo El Calvario y sus alrededores. En 1907 se le otorga uno de los premios en el concurso anual de la Academia por su obra titulada Paisaje; José Semprúm publica un artículo resaltando la relevancia de esta obra y las de otros dos artistas que también fueron premiados al recrear el paisaje nacional (El Cojo Ilustrado, 1 de septiembre de 1907). De esta fecha también es Sabana del Blanco (colección Cecilia Monsanto, Caracas), en donde está presente la influencia académica, aunque "se manifiestan en ella las líneas directrices que en lo adelante regirán el pensamiento plástico de Monsanto: observación profunda de la naturaleza, ritmo y equilibrio en la estructura compositiva, armonía cromática del conjunto" (1990, p. 37). Es evidente que por sus investigaciones plásticas del paisaje, Monsanto y otros pintores no estaban conformes con las viejas enseñanzas de la Academia que básicamente consistían en un afinado realismo y en la utilización de tonos grises y oscuros.

En agosto de 1909, un grupo de estudiantes, entre ellos Monsanto, introducen un documento en el Ministerio de Instrucción Pública en el cual proponen reformas a la vez que hacen una huelga contra el director de la misma, Antonio Herrera Toro. La insurrección no prosperó y el grupo decidió no regresar al plantel. A partir de entonces Monsanto y Cabré utilizan técnicas acordes con sus ideas sobre la manera de representar el paisaje local. De esta época es su óleo Marina (1910, colección Museo Caracas, Palacio Municipal, Caracas), en donde los colores son mucho más luminosos que en sus anteriores obras. Monsanto figura entre el grupo de pintores, poetas y músicos que fundaron el Círculo de Bellas Artes el 28 de agosto de 1912; en esta agrupación él y Cabré guiarán los cambios en la pintura, siendo uno de los más importantes el salir a pintar al aire libre; de aquí la relevancia de Monsanto en la historia de la plástica venezolana. Monsanto participa en la primera exposición del Círculo, organizada en el foyer del Teatro Calcaño (Caracas) en enero de 1913. Posteriormente envía obras al I Salón Anual del Círculo de Bellas Artes (Teatro Calcaño, Caracas), en septiembre. En esa ocasión, Leoncio Martínez comentó su "facilidad asombrosa" (El Universal, 10 de septiembre de 1913). Entre las obras enviadas se encontraban paisajes de El Calvario, el jardín del los Uslar en La Vega, retratos de mujer y un estudio de un Cristo de madera. De 1913 es su Iglesia de La Candelaria, reproducida en El Cojo Ilustrado (15 de octubre de 1913). Monsanto participa posteriormente, con paisajes y estudios, en el II Salón Aniversario en septiembre de 1914, pero su ausencia es subrayada en el III Salón, de 1915.

Entre 1918 y 1920 va a recibir la influencia del arte impresionista de dos pintores que llegan a Venezuela: el rumano Samys Müztner y el venezolano, radicado en Francia, Emilio Boggio; la obra de Monsanto titulada Figura bajo una trinitaria (1919, colección privada), recoge esta influencia con sus tonos pasteles aplicados con la técnica puntillista. Monsanto también reconoce que su estructura plástica es absolutamente cézanniana, al organizar con un sentido lógico la visión que tiene el ojo de la naturaleza. Cabe destacar que el artista, desde 1906, realizó retratos como ejercicio plástico, entre los que se encuentran el de su tía Amelia Cocking (colección Isabel Cecilia Monsanto de Giordano) y dos autorretratos. En mayo de 1920 participa junto a Armando Reverón, Federico Brandt y Nicolás Ferdinandov en una exposición realizada en el Gran Salón de la UCV. En los años veinte, Monsanto se vuelve muy autocrítico con su obra, y destruye muchos de sus trabajos que considera sin valor; de esta época se conservan las obras Calle de La Guaira con figuras (1921), Retrato de Dolores Cocking de Monsanto (1922, colección Isabel Cecilia Monsanto de Giordano) y Naturaleza muerta (1928), entre otras. No se han encontrado obras posteriores a 1929; Monsanto se dedica a la restauración, crítica y estudio de obras de arte. El año 1936 marca su etapa más importante en la enseñanza artística venezolana; ese año el ministro de instrucción pública lo nombra director de la Academia de Bellas Artes, cargo que desempeñó hasta su muerte. Con este nombramiento se le cambia el nombre a la Academia por el de Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas. Entre las innovaciones promovidas por él en la escuela se cuentan la coordinación de la sección de arte aplicado dividida en los talleres de grabado, cerámica, vitral, esmalte, artes textiles y escenografía; también instaura en la sección de arte puro las asignaturas de teorías artísticas, pintura mural, psicología artística y dibujo ornamental; el mismo Monsanto impartirá las cátedras de composición y análisis plásticos y hará secciones de crítica. Fue en esta época cuando se conocieron abiertamente en el país las tendencias modernas como el cubismo, el futurismo y el fauvismo. Por otra parte, se promovió la formación de profesores de dibujo y artes manuales y la sección superior de profesores de artes plásticas. Todas estas renovaciones le dieron a la escuela un gran valor e importancia sin igual. A Antonio Edmundo Monsanto también se debe la instauración de los Salones Oficiales (1940) y los premios de estímulo para pintores nacionales. En 1942, el MBA incluyó diez obras datadas entre 1913 y 1928 en la "Exposición del paisaje venezolano". A la colección GAN pertenecen: Paisaje —alrededores del cementerio de los Hijos de Dios— (1908), Camino (1918), Iglesia del Carmen (1920), Calle de La Guaira (1920) y Marina (sin fecha). Alejandro Otero comentó sobre Monsanto que cada obra suya "prácticamente no se repitió jamás, es un ejemplo de rigor, de unidad sin debilidades, como una demostración científica de lo que puede ser el desarrollo, hasta sus últimas consecuencias, de una idea estética sostenida por una visión coherente de la realidad" (El Nacional, 13 de mayo de 1990).

===Obras de Antonio Edmundo Monsanto===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:Iglesia_del_Carmen_-_Antonio_Edmundo_Monsanto.jpg | Iglesia Del Carmen. 1920. Óleo sobre madera. Colección Galería de Arte Nacional. 36,6x 44,4cm.
Imagen:Marina_-_Antonio_Edmundo_Monsanto.jpg‎ | Marina. Sin fecha. Óleo sobre tela.Colección Galería de Arte Nacional. 25x33,8 cm.
Imagen:Copia_de_alrededores_del_cementerio_de_los_hijos_de_dios.JPG | Alrededores del cementerio de los Hijos de dios. 1908. Óleo sobre tela. 28,5 x 43 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_calle_de_la_guaira.JPG‎ | Calle de la Guaira. 1920. Óleo sobre tela. 46 x 37,6 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_Caracas-_camino.JPG | Caracas- Camino. 1918. Óleo sobre tela. 41 x 33 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_Paisaje_del_avila.JPG‎ | Paisaje del Ávila. 1913. Óleo sobre tela. 30 x 45 cm. CONAC.
</gallery>

==Exposiciones póstumas==
*1958 Sala Mendoza

==Premios==
*1907 Premio de pintura, Academia de Bellas Artes

==Colecciones==
Fundación Polar, Caracas / GAN / Museo Caracas, Palacio Municipal, Caracas

==Fuentes==
*Cabré y Monsanto. Hacia la reinvención del paisaje (catálogo de exposición). Caracas: GAN, 1990.
*Madriz Nava, Argenis. La enseñanza de la educación artística en Venezuela. Caracas: GAN, 1986.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve

==Comentarios==
<comments voting="Plus" />

[[Category:ARTISTAS]]
[[Category:CARACAS]]
[[Category:SIGLO XX]]
[[Category:PINTURA]]
[[Category:DOCENCIA]]
[[Category:PROMOCIÓN CULTURAL]]
[[Category:ARTE MODERNO]]
[[Category:MASCULINO]]
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Archivo:5728245032 c3488e5f13 z.jpg

2013-02-11T18:07:39Z

Carlos Eduardo Morillo: Fotografía monsanto

Fotografía monsanto

Monsanto, Antonio Edmundo

2013-02-11T18:03:46Z

Carlos Eduardo Morillo: /* Obras de Antonio Edmundo Monsanto */

{{Faltan archivos}}

{{Ficha de artista
|titulo = Antonio Edmundo Monsanto
|imagen =
|nombrecompleto = Antonio Edmundo Monsanto
|nacimiento = 10 de septiembre de 1890, Caracas - Venezuela
|fallecimiento = 16 de abril de 1948, Caracas - Venezuela
|nacionalidad = Venezolano
|area = Pintor, docente y promotor del arte moderno en Venezuela
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}}

{{
#display_points:
Caracas Venezuela,Venezuela~Caracas~Lugar de nacimiento y Lugar de su Obra
}}

==Vida y obra==
Pintor, docente y promotor del arte moderno en Venezuela. Hijo de Juan Monsanto y de Dolores Cocking de Monsanto. Inicia estudios regulares en el Colegio San Nicolás y posteriormente en el Colegio Teresa Eduardo, en donde asiste a las clases de pintura que impartía su tía materna Amelia Cocking. Más tarde estudia en el Colegio Sucre (Caracas), a cargo entonces del doctor José Manuel Núñez Ponte y, posteriormente, en la Escuela Politécnica dirigida por el doctor Luis Ezpelosín. En 1904 ingresó a la Academia de Bellas Artes que dirige entonces Emilio J. Mauri; además de recibir clases de dibujo y pintura, comienza a demostrar gran interés por el estudio de la historia del arte. Hacia 1906, junto con Manuel Cabré, comienza a pintar paisajes y vistas urbanas caraqueñas. Monsanto tomará varias veces como motivo El Calvario y sus alrededores. En 1907 se le otorga uno de los premios en el concurso anual de la Academia por su obra titulada Paisaje; José Semprúm publica un artículo resaltando la relevancia de esta obra y las de otros dos artistas que también fueron premiados al recrear el paisaje nacional (El Cojo Ilustrado, 1 de septiembre de 1907). De esta fecha también es Sabana del Blanco (colección Cecilia Monsanto, Caracas), en donde está presente la influencia académica, aunque "se manifiestan en ella las líneas directrices que en lo adelante regirán el pensamiento plástico de Monsanto: observación profunda de la naturaleza, ritmo y equilibrio en la estructura compositiva, armonía cromática del conjunto" (1990, p. 37). Es evidente que por sus investigaciones plásticas del paisaje, Monsanto y otros pintores no estaban conformes con las viejas enseñanzas de la Academia que básicamente consistían en un afinado realismo y en la utilización de tonos grises y oscuros.

En agosto de 1909, un grupo de estudiantes, entre ellos Monsanto, introducen un documento en el Ministerio de Instrucción Pública en el cual proponen reformas a la vez que hacen una huelga contra el director de la misma, Antonio Herrera Toro. La insurrección no prosperó y el grupo decidió no regresar al plantel. A partir de entonces Monsanto y Cabré utilizan técnicas acordes con sus ideas sobre la manera de representar el paisaje local. De esta época es su óleo Marina (1910, colección Museo Caracas, Palacio Municipal, Caracas), en donde los colores son mucho más luminosos que en sus anteriores obras. Monsanto figura entre el grupo de pintores, poetas y músicos que fundaron el Círculo de Bellas Artes el 28 de agosto de 1912; en esta agrupación él y Cabré guiarán los cambios en la pintura, siendo uno de los más importantes el salir a pintar al aire libre; de aquí la relevancia de Monsanto en la historia de la plástica venezolana. Monsanto participa en la primera exposición del Círculo, organizada en el foyer del Teatro Calcaño (Caracas) en enero de 1913. Posteriormente envía obras al I Salón Anual del Círculo de Bellas Artes (Teatro Calcaño, Caracas), en septiembre. En esa ocasión, Leoncio Martínez comentó su "facilidad asombrosa" (El Universal, 10 de septiembre de 1913). Entre las obras enviadas se encontraban paisajes de El Calvario, el jardín del los Uslar en La Vega, retratos de mujer y un estudio de un Cristo de madera. De 1913 es su Iglesia de La Candelaria, reproducida en El Cojo Ilustrado (15 de octubre de 1913). Monsanto participa posteriormente, con paisajes y estudios, en el II Salón Aniversario en septiembre de 1914, pero su ausencia es subrayada en el III Salón, de 1915.

Entre 1918 y 1920 va a recibir la influencia del arte impresionista de dos pintores que llegan a Venezuela: el rumano Samys Müztner y el venezolano, radicado en Francia, Emilio Boggio; la obra de Monsanto titulada Figura bajo una trinitaria (1919, colección privada), recoge esta influencia con sus tonos pasteles aplicados con la técnica puntillista. Monsanto también reconoce que su estructura plástica es absolutamente cézanniana, al organizar con un sentido lógico la visión que tiene el ojo de la naturaleza. Cabe destacar que el artista, desde 1906, realizó retratos como ejercicio plástico, entre los que se encuentran el de su tía Amelia Cocking (colección Isabel Cecilia Monsanto de Giordano) y dos autorretratos. En mayo de 1920 participa junto a Armando Reverón, Federico Brandt y Nicolás Ferdinandov en una exposición realizada en el Gran Salón de la UCV. En los años veinte, Monsanto se vuelve muy autocrítico con su obra, y destruye muchos de sus trabajos que considera sin valor; de esta época se conservan las obras Calle de La Guaira con figuras (1921), Retrato de Dolores Cocking de Monsanto (1922, colección Isabel Cecilia Monsanto de Giordano) y Naturaleza muerta (1928), entre otras. No se han encontrado obras posteriores a 1929; Monsanto se dedica a la restauración, crítica y estudio de obras de arte. El año 1936 marca su etapa más importante en la enseñanza artística venezolana; ese año el ministro de instrucción pública lo nombra director de la Academia de Bellas Artes, cargo que desempeñó hasta su muerte. Con este nombramiento se le cambia el nombre a la Academia por el de Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas. Entre las innovaciones promovidas por él en la escuela se cuentan la coordinación de la sección de arte aplicado dividida en los talleres de grabado, cerámica, vitral, esmalte, artes textiles y escenografía; también instaura en la sección de arte puro las asignaturas de teorías artísticas, pintura mural, psicología artística y dibujo ornamental; el mismo Monsanto impartirá las cátedras de composición y análisis plásticos y hará secciones de crítica. Fue en esta época cuando se conocieron abiertamente en el país las tendencias modernas como el cubismo, el futurismo y el fauvismo. Por otra parte, se promovió la formación de profesores de dibujo y artes manuales y la sección superior de profesores de artes plásticas. Todas estas renovaciones le dieron a la escuela un gran valor e importancia sin igual. A Antonio Edmundo Monsanto también se debe la instauración de los Salones Oficiales (1940) y los premios de estímulo para pintores nacionales. En 1942, el MBA incluyó diez obras datadas entre 1913 y 1928 en la "Exposición del paisaje venezolano". A la colección GAN pertenecen: Paisaje —alrededores del cementerio de los Hijos de Dios— (1908), Camino (1918), Iglesia del Carmen (1920), Calle de La Guaira (1920) y Marina (sin fecha). Alejandro Otero comentó sobre Monsanto que cada obra suya "prácticamente no se repitió jamás, es un ejemplo de rigor, de unidad sin debilidades, como una demostración científica de lo que puede ser el desarrollo, hasta sus últimas consecuencias, de una idea estética sostenida por una visión coherente de la realidad" (El Nacional, 13 de mayo de 1990).

===Obras de Antonio Edmundo Monsanto===
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Imagen:Iglesia_del_Carmen_-_Antonio_Edmundo_Monsanto.jpg | Iglesia Del Carmen. 1920. Óleo sobre madera. Colección Galería de Arte Nacional. 36,6x 44,4cm.
Imagen:Marina_-_Antonio_Edmundo_Monsanto.jpg‎ | Marina. Sin fecha. Óleo sobre tela.Colección Galería de Arte Nacional. 25x33,8 cm.
Imagen:Copia_de_alrededores_del_cementerio_de_los_hijos_de_dios.JPG | Alrededores del cementerio de los Hijos de dios. 1908. Óleo sobre tela. 28,5 x 43 cm. CONAC.
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Imagen:Copia_de_Paisaje_del_avila.JPG‎ | Paisaje del Ávila. 1913. Óleo sobre tela. 30 x 45 cm. CONAC.
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==Exposiciones póstumas==
*1958 Sala Mendoza

==Premios==
*1907 Premio de pintura, Academia de Bellas Artes

==Colecciones==
Fundación Polar, Caracas / GAN / Museo Caracas, Palacio Municipal, Caracas

==Fuentes==
*Cabré y Monsanto. Hacia la reinvención del paisaje (catálogo de exposición). Caracas: GAN, 1990.
*Madriz Nava, Argenis. La enseñanza de la educación artística en Venezuela. Caracas: GAN, 1986.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve

==Comentarios==
<comments voting="Plus" />

[[Category:ARTISTAS]]
[[Category:CARACAS]]
[[Category:SIGLO XX]]
[[Category:PINTURA]]
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Archivo:Copia de Paisaje del avila.JPG

2013-02-11T18:03:25Z

Carlos Eduardo Morillo: Paisaje del Ávila. 1913. Óleo sobre tela. 30 x 45 cm

Paisaje del Ávila. 1913.
Óleo sobre tela.
30 x 45 cm

Archivo:Copia de Caracas- camino.JPG

2013-02-11T18:02:06Z

Carlos Eduardo Morillo: Caracas- Camino. 1918. Óleo sobre tela. 41 x 33 cm

Caracas- Camino. 1918.
Óleo sobre tela.
41 x 33 cm

Archivo:Copia de calle de la guaira.JPG

2013-02-11T18:01:04Z

Carlos Eduardo Morillo: Calle de la Guaira. 1920. Óleo sobre tela. 46 x 37,6 cm

Calle de la Guaira. 1920.
Óleo sobre tela.
46 x 37,6 cm

Archivo:Copia de alrededores del cementerio de los hijos de dios.JPG

2013-02-11T17:59:59Z

Carlos Eduardo Morillo: Alrededores del cementerio de los Hijos de dios. 1908. Óleo sobre tela. 28,5 x 43 cm

Alrededores del cementerio de los Hijos de dios. 1908.
Óleo sobre tela.
28,5 x 43 cm

Otero, Alejandro

2013-02-11T00:48:22Z

Carlos Eduardo Morillo: /* Obras de Alejandro Otero */

{{Ficha de artista
|titulo = Alejandro Otero
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|nombrecompleto = Alejandro Otero
|nacimiento = 7 de marzo de 1921, El Manteco, Edo. Bolívar - Venezuela
|fallecimiento = 13 de agosto de 1990, Caracas - Venezuela
|nacionalidad = Venezolano
|area = Pintor y escultor
|firma =
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El Manteco Bolívar Venezuela,Venezuela~El Manteco, Edo. Bolívar~Lugar de nacimiento;
Tanaguarena Vargas Venezuela,Venezuela~Tanaguarena, Edo. Vargas~Lugar de su Obra;
Valencia Carabobo Venezuela,Venezuela~Valencia, Edo. Carabobo~Lugar de su Obra;
Caracas Venezuela,Venezuela~Caracas~Lugar de su Obra;
Maracaibo Zulia Venezuela,Venezuela~Maracaibo, Edo. Zulia~Lugar de su Obra
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==Vida y obra==
Pintor y escultor. Hijo de José María Otero Fernández e Isabel Luisa Rodríguez. En 1939 inició sus estudios en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas bajo la tutela de Antonio Edmundo Monsanto, de quien se reconoció como discípulo. Otero "fue el pintor de su generación más capacitado para comprender y sentir a Cézanne, cuya obra lo sedujo al tiempo que, mientras estudiaba […], ponía el método analítico del pintor francés, partiendo del objeto tradicional de la naturaleza, la figura, el paisaje" (Calzadilla, 1975, p. 86). Siendo aún estudiante, es nombrado profesor del curso de experimentación plástica para niños (1942) y, dos años después, profesor de la cátedra de vitrales en esta institución. En sus primeras obras pertenecientes al período escolar se encuentran retratos, desnudos y paisajes. En ellos se evidencian las búsquedas iniciales de síntesis de elementos, característicos de toda su producción plástica. Paisaje de Los Flores (1941) y Autorretrato (1943, colección sucesión Alfredo Boulton) registran, por otra parte, su paso de la construcción de los planos a las calidades matéricas del color. En 1944 realiza su primera exposición, junto a César Enríquez, en el Ateneo de Valencia (Edo. Carabobo).

El Gobierno francés y posteriormente el ME le otorgaron en 1945 una beca para cursar estudios en París, hecho que representó su primer viaje al exterior. En 1946 inició la serie de trabajos conocidos como Cafeteras. La influencia de Pablo Picasso y las tendencias gestualistas son evidentes en estas obras que, gradualmente, se despojaron de toda representación hasta transformarse en líneas y estructuras de enorme fuerza expresiva. Otero trabajó las formas básicas para asir la esencia plástica de los objetos; la serie se inició en un principio con cacerolas (1946), cafeteras (1946-1947), cráneos (1947) y potes (1947). En 1948 realizó el grupo más numeroso, cafeteras rosas; asimismo trabajó candelabros, botellas y lámparas. Sin duda las calaveras fueron una especie de memento mori de la figuración, como en Calavera, de 1947 (colección Banco Mercantil, Caracas). En 1948, Otero es incluido en la muestra "Les mains éblouies" de la célebre Galería Maeght en París. A mediados de enero de 1949 regresó a Caracas. Las obras producidas en Francia se expusieron en el MBA, en el Taller Libre de Arte y en el IUPC, provocando polémicas. En una reseña de la época, Guillermo Meneses comentaba: "la pintura de Otero ha de asombrar, necesariamente. Es distinta a todo lo que habíamos visto en nuestro país. Y, además, ofrece una sensación de quien está seguro de sí mismo […]. Podríamos decir que las líneas, las formas, los objetos han sido profundizados, llevados hasta la honda atmósfera enmarcada que no existe jamás en la realidad: el propio espíritu, la propia pasión, el fino cerebro del artista" (1982, p. 36).

Regresó a París y, junto a Pascual Navarro, Mateo Manaure, Carlos González Bogen, Perán Erminy, Rubén Núñez, Narciso Debourg, Dora Hersen, Aimée Battistini y J.R. Guillent Pérez editaron, en marzo de 1950, la revista Los Disidentes, alrededor de la cual se articuló un grupo del mismo nombre. Desde esta publica¬ción propugnaron las tendencias del abstraccionismo y la puesta al día de los artistas venezolanos en París; atacaron los lineamientos académicos de sus viejos maestros y las ideas convencionales que guiaban las artes plásticas, los salones y los museos en Venezuela. Una nueva serie de su producción artística se inició en 1959, Líneas coloreadas sobre fondo blanco. En estas obras Otero se aleja del objeto y la representación para aislar la expresión pura de las líneas que ya estaban presentes en las Cafeteras. Este mismo año viaja a Holanda con Perán Erminy y Rubén Núñez, y al año siguiente, participa en el VI Salon des Réalités Nouvelles (París), y bajo los preceptos de Mondrian inicia sus Collages ortogonales, barras horizontales y verticales que se entrecruzan sobre un fondo de color en una relación cromática serial. La primera obra de este período se presentó en el Espacio Lumière de la Galería Suzanne Michel (París, 1952).

En 1952 regresa a Venezuela y participa en la "Primera muestra internacional de arte abstracto" (Galería Cuatro Muros, Caracas), así como en la experiencia colectiva de integración de las artes promovida por el arquitecto Carlos Raúl Villanueva en la Ciudad Universitaria de Caracas, proyecto que constituyó "el primer gran conjunto de arquitectura y arte que se erige en América Latina" (Traba, 1994, p. 83). Sus indagaciones en la abstracción encontraron en el hecho arquitectónico una significativa posibilidad de desarrollo que se aprecia en la Ciudad Universitaria, para la cual realizó tres murales y un vitral para la Facultad de Arquitectura y Urbanismo (1956) y Policromía para la Facultad de Farmacia (1959). Antes de su participación en el proyecto de Villanueva, Otero había realizado cinco paneles en mosaico y aluminio para el Anfiteatro José Ángel Lamas (Caracas, 1953), en dos de los cuales ya se aprecian los principios de los Coloritmos; Mástil reflejante (torre corrugada de aluminio y concreto) para la Estación de Servicio Las Mercedes (Caracas, 1954), y Panel en mosaico y aluminio para el Banco Mercantil y Agrícola (Caracas, 1954). Otero realizó sucesivamente el plafón para el Teatro del Este (Caracas, 1956); el Vitral para la casa de Alfredo Boulton (Caracas, 1956); Policromía para la Unidad Residencial El Paraíso (Caracas, 1957); Policromía para el Edificio Easo (Caracas, 1959); Panel en relieve monocromo para el Acuario Colinas de Carrizal (Carrizal, Edo. Miranda, 1959); Color cenital para la capilla del ancianato Fundación Anala y Armando Planchart (Tanaguarena, Edo. Vargas, 1974). En la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas se desempeñó como profesor de composición y análisis (1954-1955) y vitrales (1956). Dictó clases de apreciación artística en el Taller Libre de Arte. En 1954 desarrolló la serie Horizontales activas, en la que replanteó problemas ópticos, así como sobre el movimiento y el desarrollo de las posibilidades del color.

Entre 1955 y 1960 trabajó en los Coloritmos, serie de tablones rectangulares realizados con pintura industrial aplicada con compresor y plantillas sobre láminas de madera contrachapada alejándose de esta manera de las calidades pictóricas para insistir en las puramente compositivas. En 1956, el MOMA adquiere el Coloritmo 1. Este año, Otero es incluido en la representación venezolana para la XXXVIII Bienal de Venecia, con cinco obras. Los Coloritmos tendrán repercusión latinoamericana y le merecerán a Otero reconocimientos en São Paulo (1959) y Barranquilla (Colombia, 1960). Con motivo del desacuerdo con los criterios manejados en la entrega de premios del XVIII Salón Oficial, en 1957, sostuvo, a través del diario El Nacional, una célebre polémica con Miguel Otero Silva defendiendo el abstraccionismo. Hasta ese momento, Alejandro Otero había publicado artículos combativos que habían despertado polémicas, como la que sostuvo con Mario Briceño Iragorry en 1952, pero en esta ocasión, Otero rebatió que a los abstraccionistas se les reprochara una tendencia cuyo "signo es la evasión" y el "frío invernadero de una fórmula repetida" (citado en Otero, 1993, p. 145). Interesado en el teatro, Otero realizó la escenografía para El dios invisible, de Arturo Uslar Pietri (Teatro Nacional, 1957), experiencia que repitirá con las escenografías de Calígula, de Albert Camus (Teatro Municipal, 1958) y Fuenteovejuna, de Lope de Vega (Ateneo de Caracas, 1966). En esta última el artista no dudó en crear un escenario de estructuras puras en contraste con los vestuarios de época. En 1958 obtuvo el Premio Nacional de Pintura en el XIX Salón Oficial con su Coloritmo 35. "En ese instante la pintura abstracta, la pintura no objetiva, queda no solamente reconocida oficialmente, lo cual ya había tenido lugar al participar en salones anteriores, sino que resultaba premiada como expresión de una de las principales corrientes de nuestro lenguaje plástico. Este hecho hubo de revolucionar el concepto estético del mensaje pictórico, dentro del pronunciamiento genérico de las diferentes tendencias que venían revisándose desde años atrás en Venezuela" (Boulton, 1972, p. 178). Participó, ese mismo año, en la reformulación conceptual de la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas que, a partir de ese momento, se llamó Escuela Cristóbal Rojas, institución en la que reinició actividades docentes. Se desempeñó como coordinador del MBA entre 1959 y 1960. Otero participa en 1959 en la V Bienal de São Paulo con su serie Coloritmos.

A finales de 1960 viaja nuevamente a París. En este período su obra sufrió profundos cambios al abandonar el riguroso y colorido abstraccionismo geométrico de los Coloritmos con la serie Telas blancas, desarrollada a partir de los postulados de la monocromía. En estas obras el color prácticamente desaparece. Lo único que subsiste es la aproximación a la gestualidad plástica en superficies monocromáticas de naturaleza informalista y factura pastosa. Movimientos como el informalismo, el arte pop y el nuevo realismo europeo, muy en boga en los primeros años de la década de los sesenta, fueron determinantes en el surgimiento de una nueva serie dentro de su producción. Es así como en 1962 desarrolló los Ensamblajes y Encolados, que retoman los postulados de Duchamp y variantes de artistas como Louise Nevelson, en collages de cartas manuscritas sobre puertas carcomidas por el tiempo, como en Bonjour Mr. Braque (1961), o ensamblajes monocromos como El alicate azul (1961) o Serrucho horizontal (1963). Ese año participa con tres obras en la VII Bienal de São Paulo. Regresó a Caracas en 1964. Fue nombrado vicepresidente del Inciba, cargo que desempeñó hasta 1966. Comenzó a trabajar los Papeles coloreados, serie que constituyó una verdadera síntesis de sus búsquedas: el rigor geométrico y la expresión informal expresados a través de recortes de periódicos teñidos en diversos colores y pegados a manera de líneas y planos puros. En estas obras, "testimonio del tiempo al igual que las cartas, sitúa Otero el color hecho forma en el espacio" (Palacios, 1969. p. XX). Un año después, junto a Jesús Soto y Víctor Valera, representó a Venezuela en la XXXIII Bienal de Venecia, con 49 obras de diferentes períodos.

En 1967 inició una nueva etapa dentro de sus búsquedas al iniciar obras tridimensionales. Hasta ese momento, las obras de Otero habían mantenido en su participación urbana una discreta fórmula bidimensional. "El estallido se produjo cuando el soporte plano se volvió insuficiente para contener ese espacio y expresarlo" (Otero, 1990, p. 49). A partir de ese momento, el interés que Otero confiere a la ciencia y la tecnología perfiló el nuevo rumbo de su obra. Frente a un equipo multidisciplinario inició, ese mismo año, el proyecto de la Zona Feérica de El Conde, concebido como un gran espectáculo en homenaje al cuatricentenario de la fundación de Caracas, coordinado por Inocente Palacios. En este proyecto, las estructuras ideadas por los artistas participantes eran el centro de las actividades recreativas. Dentro de este contexto desarrolló las esculturas Rotor, Vertical vibrante oro y plata, Estructura sonovibrátil, Noria, Torre acuática e Integral vibrante, inauguradas en 1968, año en el que se instaló Vertical vibrante en Maracay. En este año desarrolló un especial interés por las artes gráficas realizando aguafuertes. Junto a Humberto Jaimes Sánchez y Luisa Palacios produjo monotipos para el libro Humilis herba con textos de Aníbal Nazoa en una edición de 50 ejemplares numerados. La Gobernación del Estado Bolívar (Ciudad Bolívar) creó, en 1971, el Salón Anual de Pintura Alejandro Otero.

Ese mismo año obtuvo la beca de la Fundación John Simon Guggenheim. Gracias a ella se incorporó al Centro de Estudios Visuales Avanzados del MIT, donde continuó sus investigaciones sobre las esculturas cívicas y sus nexos con la realidad natural (luz, viento, clima) para crear "enormes volúmenes en acero inoxidable, de aparente fragilidad, transparentes, con aspas en direcciones opuestas, cuerpos con movimientos internos y externos, torres astrales para una comunicación aún no codificada. Esculturas que son ecos de luces y vientos" (Palenzuela, 1990, p. 7). Durante su permanencia en el MIT participó en equipos multidisciplinarios que estudiaron y practicaron la relación entre arte y ciencia en el mundo contemporáneo. Las obras realizadas en este período (maquetas para obra a escala cívica y doméstica) se expusieron en la Galería Conkright en 1972. En 1973, Otero comenzó a trabajar en la serie de pintura Tablones, "una variante de las 'líneas de color sobre fondo blanco' de 1951, o como las obras preparatorias de los Coloritmos. Pero más 'espaciales' que éstos y en 'puro color' (Balza, op. cit., p. 122). En los Coloritmos, Otero había incluido el blanco como color, pero en los Tablones éste se vuelve elemento organizador. En 1975 asistió como invitado especial a la XIII Bienal de São Paulo, donde presentó un audiovisual con películas, 1.000 diapositivas y 11 pantallas sobre sus investigaciones artísticas. El Estado venezolano donó, en 1976, la escultura Ala solar al Gobierno colombiano. Esta fue instalada frente al Centro de Administración Distrital en la Avenida Jorge Eliécer Gaitán de Bogotá. Junto con Miguel Otero Silva y Manuel Espinoza, introdujo el proyecto de creación de la GAN, que inició sus actividades en 1976. En este mismo año realizó, en México, dos exposiciones individuales, oportunidad para la cual donó la obra Casa solar para ser colocada en la entrada del futuro Museo de Arte Contemporáneo Rufino Tamayo (Oaxaca de Juárez, México), artista que, al referirse a Otero, expresó: "hay en él una especial inquietud en descubrir nuevas posibilidades plásticas […] pero lo más importante es que, en cada experimento que ha realizado, ha resuelto cosas, las ha convertido en hechos definitivos. Creo que es un precursor, alguien que se adelanta a los movimientos que vendrán" (El Nacional, 31 de enero de 1976). En la sede del Centro de Información y Turismo del Gobierno de Venezuela en Nueva York, se presentó el audiovisual Presentation and scale models of sculptures by Alejandro Otero. Fue nombrado presidente de la Comisión Especial de Artes Plásticas del Conac. Con motivo del bicentenario de la Independencia de Estados Unidos, el Gobierno venezolano ofreció a este país la escultura Delta solar. La donación fue aceptada por el Congreso de Estados Unidos. La obra se instaló, un año después, en el jardín oeste del Museo del Aire y del Espacio, en Washington, lo que significó un alto reconocimiento a la trayectoria del artista. Otero participó, en 1976, en el proyecto concebido por la Corporación Olivetti para rendir homenaje a Leonardo da Vinci y a un artista contemporáneo que resumiera algunas claves de la filosofía de la empresa, como la relación entre el espacio y los sueños de los hombres, la integración de la técnica con los elementos de la naturaleza. Esto le permitió presentar su Estructura solar, un paralelepípedo conformado por 54 aspas y más de 10 metros de altura. La obra fue instalada en el patio de honor del Castello Sforzesco en Milán, lugar donde Leonardo proyectó realizar un monumento ecuestre a Ludovico Sforza. En 1980 la obra fue colocada permanentemente en el Palacio Olivetti en Ivrea (Italia). En 1979 ilustró el libro de Orlando Araujo, Alejandro Otero, el niño que llegó hasta el sol (Caracas: Ediciones María di Masse, 1979).

Representó a Venezuela en la XL Bienal de Venecia, celebrada en 1982. Allí se presentó con 13 obras de mediano tamaño, maquetas, 50 dibujos, diapositivas y dos estructuras: Abra solar y Aguja solar, las cuales fueron instaladas a la entrada de la sede de la Bienal y en el Lido de Venecia. También en 1982, el cineasta Ángel Hurtado realizó los videos Alejandro Otero en Venecia y Abra solar y las cuatro estaciones. Al año siguiente, las estructuras que participaron en la Bienal de Venecia fueron instaladas en la Plaza Venezuela y frente a la sede de Interalúmina (Puerto Ordaz), respectivamente. Con la serie de Émbolos vibratorios, lleva a mediano formato las proposiciones ya formuladas y cumplidas con sus esculturas a escala monumental. En los espacios del MACC se realizó, en 1985, la más grande exposición retrospectiva de su obra. La muestra incluyó 763 piezas que abarcaban todas las etapas de su producción plástica. En 1986 instaló en la Plaza La Democracia en el Complejo Hidroeléctrico Raúl Leoni (Guri, Edo. Bolívar), la Torre solar, obra que, a juicio del artista, fue su obra más importante hasta ese momento (Blanco, 1986, p. 28). Se incorporó, en 1987, al Centro de Investigaciones IBM de Venezuela como investigador visitante. Con la asistencia de Ana Margarita Blanco experimentó con las posibilidades del diseño con computadora cuyos resultados fueron publicados, dos años más tarde en Alejandro Otero: Saludo al siglo XXI, libro que el artista dedicó como un tributo a los hombres de ciencia. La I Bienal de Guayana, celebrada en 1987, sirvió de marco para rendirle homenaje. Al Museo Soto, sede de la bienal, donó, al año siguiente, 33 obras para su colección. En 1990, la Galería Propuesta Tres mostró, por primera vez al público, los Monocromos. Con el artículo "Sólo quisiera ser puntual", publicado en El Nacional, obtuvo el Premio Henrique Otero Vizcarrondo al mejor artículo de opinión. Fallece a los 69 años de edad. Por decreto presidencial y como homenaje póstumo, el 14 de agosto el Museo de Arte La Rinconada asumió el nombre de Museo de Artes Visuales Alejandro Otero. La Gobernación del Estado Bolívar (Ciudad Bolívar) creó el Premio de Artes Plásticas Alejandro Otero. Representó en 1991 a Venezuela en la XXI Bienal de São Paulo con 75 obras, en la cual le fue otorgada una mención honorífica post-mortem. Se presentó en ese evento el video Alejandro Otero. Arte para el siglo XX, realizado por Xavier Sarabia. En conmemoración del primer aniversario de su fallecimiento, el MAVAO organizó una exposición que incluyó la versión definitiva de los Collages ortogonales realizados por medio de la computado¬ra y el primer ensayo de escultura para la intemperie en color Una flor para Nora. Su obra Estructura espacio-cromática, también conocida como Los Cerritos, realizada con Mercedes Pardo, fue restaurada e instalada en la autopista Caracas-La Guaira.

===Obras de Alejandro Otero===
<gallery caption="" widths="200px" heights="200px" perrow="7" >
Imagen:Copia_de_15.JPG | 15. 1965. Papel periódico y tinta sobre cartón pidra. 61,5 x 53,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_abra_solar.JPG‎ | Abra Solar (Serie Saludo al siglo XXI). 1989. Duratrams en caja de luz. 100,5 x 100,5 x 17,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_abstraccion_1950.JPG‎ | Abstracción. 1950. Óleo sobre tela. 99,5 x 81 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_aurea.JPG | Áurea. 1989. Duratrams en caja de luz. 100,5 x 100,5 x 17,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_austral.JPG‎ | Austral. 1972. Serigrafía sobre papel. 74,6 x 56,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_autoretrato234344.JPG | Autorretrato. 1945. Óleo sobre cartón. 51 x 34,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_blanc_blanc.JPG | Blanc/Blanc. 1962. Objeto de madera y metal sobre madera. 60 x 72 cm. CONAC
Imagen:Copia_de_Bloody_mary.JPG‎ | Bloody Mary (Tela VI). 1961. Óleo sobre tela. 73,5 x 60 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_boceto_para_colortimo.JPG | Boceto para Coloritmo. 1958. Guache sobre papel sobre madera. 26,5 x 18 x 5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_boceto_para_colortmo_nº_42.JPG | Boceto para Coloritmo nº 42. 1959. Tinta sobre papel y cartulina. 22 x 9 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_bromeliacea.JPG | Bromeliácea. Sin fecha. Duratrams. 125 x 125 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_cafetera_azul_1987.JPG‎ | Cafetera Azul. 1987. Serigrafía sobre papel 260/300. 100,8 x 74 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_Cafetera_rosa.JPG‎ | Cafetera Rosa. 1947. Óleo sobre tela. 79,6 x 64,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_cerros_de_agua_azul.JPG‎ | Cerros de agua azul. 1945. Óleo sobre cartón piedra. 43 x 60,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_collage_nº_67.JPG | Collage nº 67. 1965. Papel periódico coloreado y cartón sobre madera. 52 x 44,3 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_composicion_A.JPG‎ | Composición A. 1951. Esmalte sobre masonite. 124,5 x 123,9 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_desnudo_1945.JPG | Desnudo. 1945. Carboncillo sobre papel encolado en cartón. 65,3 x 48 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_desnudo_de_espalda_azul.JPG‎ | Desnudo de la Espalda azul. 1944. Sanguina y pastel sobre papel. 45,8 x 31,8 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_desnudo_de_espalda_roja.JPG‎ | Desnudo de la Espalda rosa. 1944. Sanguina y pastel sobre papel 36 x 32,2 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_desnudo.JPG‎ | Desnudo. 1946. Tinta china sobre papel. 20 x 17 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_desnudoo_1945.JPG‎ | Desnudo. 1945. Carboncillo sobre papel. 65,5 x 45,2 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_en_manuscrito_y_plata.JPG | En Manuscrito y Plata. 1963. Papel y metal sobre madera. 53 x 49 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_en_vertical_rojo_y_oro_1985.JPG‎ | En vertical Rojo y oro. 1985. Serigrafía a color sobre papel. 56,5 x 56,4 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_estructura_solar.JPG | Estructura Solar. 1990-1995. Aluminio y Acero. 600 x º700 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_hje.JPG‎ | Huella y Contrahuella. 1969. Intaglio sobre papel. 45,3 x 32,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_josefina_salgado.JPG‎ | Josefìna Salgado. 1948. Óleo sobre papel encolado en masonite. 60,3 x 41,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_juan_jose_arreola.JPG | Juan José Arreola. 1946. Carboncillo y pastel sobre papel. 36,9 x 28,6 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_la_borella_y_la_lampara_II.JPG | La Botella y la lámpara II. 1947. Óleo sobre tela. 72,9 x 60,2 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_la_botella_y_la_lampara_IV.JPG | La botella y la lámpara IV. 1948. Óleo sobre tela. 72,9 x 60,2 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_la_cadena.JPG‎ | La cadena. 1962. Ensamblaje en cadena de hierro y madera. 123,5 x 24,9 x 12 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_Lineas_coloreadas_sobre_fondo_blanco.JPG‎ | Lineas Coloreadas sobre fondo blanco. 1951. Óleo sobre tela. 130 x 96,7 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_maternidad.JPG | Maternidad. Sin fecha. Modelado en yeso. 21 x 20,5 x 20,7 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_monocromo_amarillo.JPG‎ | Monocromo Amarillo. 1961. Óleo sobre tela. 75,2 x 60 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_orion.JPG‎ | Orión. Sin fecha. Duratrams. 122 x 135 x 12 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_oxido.JPG | Óxido. 1962. Ensamblaje en metal sobre madera. 63 x 82,5 x 11 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_paisaje.JPG‎ | Paisaje. 1959. Óleo sobre tela. 38,3 x 54,9 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_parabolica.JPG | Parabólica (Serie Saludo al siglo XXI). 1989. Duratrams en caja de luz. 100,5 x 100,5 x 17,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_Pincel_y_cuadro_blanco.JPG‎ | Pincel y Cuadro Blanco. 1963. Esmalte y brocha sobre madera. 90,2 x 66,3 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_pisa_1821.JPG | Pisa 1821. 1963. Papel sobre madera. 60 x 57 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_rotor.JPG | Rotor. 1968. Ensamblaje y aluminio anodizado. 550 x 100 x 100 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1960.JPG‎ | Sin título. 1960. Acrílico y objeto de metal sobre madera. 50 x 47 x 5,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_454433titulo_1964.JPG‎ | Sin título. 1964. Grabado P/A. 36,5 x 24 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1970.JPG | Sin título. 1970. Grabado P/A. 22 x 10 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1972.JPG‎ | Sin título. 1972. Serigrafía sobre papel. 75,9 x 56,4 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_19803445667.JPG‎ | Sin título. 1980. Serigrafía sobre papel. 76 x 56,4 cm. Instituto Nacional de Hipódromos. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_1985454545.JPG‎ | Sin tìtulo. 1985. Serigrafía sobre papel. 65,5 x 50 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_sin_titulo_album_humilis_herba_1968.JPG‎ | Sin título ( Álbum Himilis herba). 1968. Monotipo sobre papel. 45 x 32,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_tablon_(anteriormente_colorritmo)_1985.JPG | Tablón. 1985. Serigrafía sobre papel P/A. 37 x 21,8 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_tea.JPG‎ | Tea ( Serie Saludo al siglo XXI). 1989. Duratrams en caja de luz. 100,5 x 100,5 x 17,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_tela_I.JPG | Tela I. 1961. Óleo sobre tela. 72,9 x 60 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_tension_granate.JPG | Tensión Granate. 1966. Acrílico y objeto de madera sobre madera. 73,4 x 63,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_tension_oblicua.JPG | Tensión Oblícua. 1966. Objeto de metal, madera y acrílico sobre madera. 73,4 x 63,5 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_tokyo.JPG | Tokio. 1965. Papel coloreado sobre madera. 50,6 x 43,3 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_torre_de_viento_sobre_virtual_vibrante.JPG | Torre de viento sobre virtual vibrante. 1968. Construcción móvil. 2400 x 200 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_torre_solar.JPG | Torre Solar. Sin fecha. Duratrams. 125 x 125 cm. CONAC.
Imagen:Copia_de_una_flor_para_el_desierto.JPG | Una Flor en el desierto. 1985. Ensamblaje en aluminio y acero. 502 x 566 cm. CONAC.
</gallery>

==Exposiciones individuales==
*1945 Librería La France, Caracas
*1948 "Still-life. Themes and variations", Unión Panamericana, Washington
*1949 "Cafeteras", MBA / Taller Libre de Arte, Caracas / IUPC
*1957 "Coloritmos", Galería de Arte Contemporáneo, Caracas
*1960 "Coloritmos de Alejandro Otero", MBA
*1962 "Coloritmos y relieves de París", MBA / "Líneas sobre blanco", Galería El Muro, Caracas / "Obras de Alejandro Otero", Sala Mendoza
*1963 Galería Wulfengasse, Klagenfurt, Austria
*1964 "Ensamblajes y encolados", Sala Mendoza
*1965 "Papeles encolados", Sala Mendoza
*1966 "A Quarter of a Century of the Beautiful Art of Alejandro Otero: 1940-1965", Galería Signals, Londres
*1971 "Coloritmos 1960-1971", Galería Conkright, Caracas
*1972 "Obra serigráfica 1", Galería Conkright, Caracas
*1973 "Maquetas de esculturas", Galería Conkright, Caracas
*1974 "Tablones", Galería Conkright, Caracas
*1975 "Retrospectiva", Galería Adler/Castillo, Caracas / "A retrospective", Museo de Arte, Universidad de Texas, Austin, Texas, Estados Unidos
*1976 "Retrospectiva", Museo de Arte Moderno, Ciudad de México / "Otero. Obra serigráfica", Galería Pecanins, Ciudad de México
*1978 Centro de Arte El Parque, Valencia, Edo. Carabobo
*1980 "Obra serigráfica", Galería Rafael Monasterios, Maracay
*1985 MACC / Galería Allen/Wincor, Nueva York / "4 x Otero para el 86", Galería Miguel & Fuenmayor, Caracas
*1987 "15 tablones", Galería Óscar Ascanio, Caracas
*1990 "Saludo al siglo XXI", Museo de Arte, Coro / "Saludo al siglo XXI", MACCSI / "Saludo al siglo XXI", Sala Ipostel / "Monocromos", Galería Propuesta Tres, Caracas / "La búsqueda de las estructuras de la realidad", Museo Soto

==Exposiciones póstumas==
*1990 "Tributo al maestro Alejandro Otero 1921-1990", GAN / "Las estructuras de la realidad", Museo Soto
*1991 "Las estructuras de la realidad", MBA / "Las estructuras de la realidad", Museo Soto / "Últimos trabajos", MAVAO
*1993 "Memorabilia", Sala Sidor / "Alejandro Otero: 1921-1990", Centro de las Artes, Ciudad Bolívar
*1994 "Líneas de luz, esculturas virtuales de Alejandro Otero", MAO
*1995 "Exploraciones inéditas. Joyas de Alejandro Otero", MAO
*1997 "Coloritmos de Alejandro Otero", MAO

==Premios==
*1941 Primer premio y mención honorífica, Concurso de Carteles, II Exposición del Libro Venezolano, Caracas
*1942 Premio al mérito especial para los estudiantes de artes plásticas, III Salón Oficial
*1945 Premio Andrés Pérez Mujica y Premio Emilio Boggio, III Salón Arturo Michelena
*1957 Premio Compañía Anónima Venezolana de Cementos, IV Salón D'Empaire / Premio John Boulton, XVIII Salón Oficial
*1958 Premio Nacional de Pintura, XIX Salón Oficial
*1959 Mención honorífica, V Bienal de São Paulo
*1960 Primer premio, II Salón Interamericano de Pintura, Barranquilla, Colombia
*1964 Premio Nacional de Artes Aplicadas (compartido con Mercedes Pardo), XXV Salón Oficial
*1966 Premio de esmalte (compartido con Mercedes Pardo), Muestra Internacional de Artesanía Artística, Stuttgart, Alemania
*1991 Mención honorífica post-mortem, XXI Bienal de São Paulo

==Colecciones==
Air and Space Museum, Washington / Ancianato Fundación Anala y Armando Planchart, Tanaguarena, Edo. Vargas / Anfiteatro José Ángel Lamas, Caracas / Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo / Banco del Libro, Caracas / Banco Mercantil, Caracas / Base Naval Contralmirante Agustín Armario, Puerto Cabello / BN / Cadafe, Caracas / CANTV / Centro Artístico de Barranquilla, Colombia / Centro de Administración Distrital, Bogotá / Colección Cisneros, Caracas / Edificio Easo, Caracas / Estación de Servicio Las Mercedes, Caracas / Fundación Noa Noa, Caracas / Galería Municipal de Arte, Puerto La Cruz / GAN / Hospital Clínico, Maracaibo / Interalúmina, Puerto Ordaz / IVIC / MACCSI / Mamja / MAO / MBA / Metro de Caracas / MOMA / Mujabo / Museo Arturo Michelena, Caracas / Museo de Anzoátegui, Barcelona, Edo. Anzoátegui / Museo de Arte Contemporáneo Rufino Tamayo, Oaxaca de Juárez, México / Museo de Arte Moderno de América Latina, OEA, Washington / Museo de Arte Moderno, Bogotá / Museo de Bellas Artes, Dallas, Texas, Estados Unidos / Museo de la Universidad de Arizona, Tucson, Arizona, Estados Unidos / Museo Francisco Narváez / Museo Nacional de Bellas Artes, Houston, Texas, Estados Unidos / Museo Soto / Palacio Olivetti, Ivrea, Italia / Residencia Presidencial La Casona, Caracas / Sidor / Teatro del Este, Caracas / UCV / Unidad Residencial El Paraíso, Caracas / USB

==Fuentes==
*[Salazar, Élida]. Artistas visuales: hombres de teatro. Caracas: Conac, 1996.
*Archivo MAO.
*Archivo MBA.
*Balza, José. Alejandro Otero. Milán: Olivetti, 1977.
*Balza, José. Un color demasiado secreto. Caracas: Ediciones Maeca, 1985.
*Bayón, Damián. La transición a la modernidad. Bogotá: Tercer Mundo, 1989.
*Blanco, Anne de. "Un monumento a la democracia". En: Diagnóstico, II, 7. Caracas, 1 de noviembre de 1986.
*Boulton, Alfredo. Alejandro Otero. Caracas: OCI, 1966.
*Boulton, Alfredo. Alejandro Otero. Milán: Ascanio Editores, 1984.
*Boulton, Alfredo. Historia de la pintura en Venezuela, III. Caracas: Armitano, 1972. Segunda edición en Caracas: Armitano, 1975.
*Calzadilla, Juan. El arte en Venezuela. Caracas: Ediciones del Círculo Musical, 1967.
*Calzadilla, Juan. El artista en su taller. Caracas: CANTV, sin fecha.
*Calzadilla, Juan. Pintura venezolana de los siglos XIX y XX. Caracas: Litografía Tecnocolor, 1975.
*Cinap, O 16.
*Guevara, Roberto. Ver todos los días. Caracas: Monte Ávila-GAN, 1981.
*La Corte, Luis Miguel. "El atrevido señor de los espacios". En: El Universal. Caracas, 15 de agosto de 1990.
*Meneses, Guillermo. "La exposición de Alejandro Otero Rodríguez". En: El Nacional. Caracas, 3 de enero de 1949. Citado en: El arte, la razón y otras menudencias. Caracas: Monte Ávila, 1982.
*Montero Castro, Roberto. "Alejandro Otero, visión del mundo a través de la luz". En: Arte de Venezuela. Caracas: Concejo Municipal del Distrito Federal, 1977.
*Otero, Alejandro. El territorio del arte es enigmático. Caracas: MACCSI, 1990.
*Otero, Alejandro. Memoria crítica. Caracas: Monte Ávila-GAN, 1993.
*Otero, Alejandro. Papeles biográficos. Upata: Predios, 1994.
*Otero, Alejandro. Saludo al siglo XXI. Caracas: Armitano Editor, 1989.
*Otero, Soto, Cruz-Diez. Tres maestros del abstraccionismo en Venezuela y su proyección internacional (catálogo de exposición). Caracas: GAN, 1994.
*Palacios, Inocente. Alejandro Otero. Caracas: Inciba, 1967.
*Palenzuela, Juan Carlos. "Alejandro Otero en el siglo XXI". En: Papel Literario de El Nacional. Caracas, 11 de febrero de 1990.
*Picón Salas, Mariano. La pintura en Venezuela. Caracas: Secretaría General de la Décima Conferencia Interamericana, 1954.
*Presencia de Alejandro Otero en la Bienal de Venecia 1982. Venecia: Faesta Squatriti Editore, 1984.
*Rodríguez, Bélgica. La pintura abstracta en Venezuela 1945-1965. Caracas: Maraven, 1980.
*Sego, François. Alejandro Otero y la crisis de la pintura moderna. París: sin editorial, 1948.
*Traba, Marta. Arte de América Latina 1900-1980. Bogotá: Banco Interamericano de Desarrollo, 1994.

==Créditos==
*Galería de Arte Nacional (GAN) http://www.gan.gob.ve

==Comentarios==
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Archivo:Copia de una flor para el desierto.JPG

2013-02-11T00:47:57Z

Carlos Eduardo Morillo: Una Flor en el desierto. 1985. Ensamblaje en aluminio y acero. 502 x 566 cm

Una Flor en el desierto. 1985.
Ensamblaje en aluminio y acero.
502 x 566 cm

Archivo:Copia de torre solar.JPG

2013-02-11T00:46:51Z

Carlos Eduardo Morillo: Torre Solar. Sin fecha. Duratrams. 125 x 125 cm

Torre Solar. Sin fecha.
Duratrams.
125 x 125 cm

Archivo:Copia de torre de viento sobre virtual vibrante.JPG

2013-02-11T00:45:36Z

Carlos Eduardo Morillo: Torre de viento sobre virtual vibrante. 1968. Construcción móvil. 2400 x 200 cm

Torre de viento sobre virtual vibrante. 1968.
Construcción móvil.
2400 x 200 cm

Archivo:Copia de tokyo.JPG

2013-02-11T00:44:20Z

Carlos Eduardo Morillo: Tokio. 1965. Papel coloreado sobre madera. 50,6 x 43,3 cm

Tokio. 1965.
Papel coloreado sobre madera.
50,6 x 43,3 cm

Archivo:Copia de tension oblicua.JPG

2013-02-11T00:42:49Z

Carlos Eduardo Morillo: Tensión Oblícua. 1966. Objeto de metal, madera y acrílico sobre madera

Tensión Oblícua. 1966.
Objeto de metal, madera y acrílico sobre madera

Archivo:Copia de tension granate.JPG

2013-02-11T00:41:15Z

Carlos Eduardo Morillo: Tensión Granate. 1966. Acrílico y objeto de madera sobre madera. 73,4 x 63,5 cm

Tensión Granate. 1966.
Acrílico y objeto de madera sobre madera.
73,4 x 63,5 cm

Archivo:Copia de tela I.JPG

2013-02-11T00:39:58Z

Carlos Eduardo Morillo: Tela I. 1961. Óleo sobre tela. 72,9 x 60 cm

Tela I. 1961.
Óleo sobre tela.
72,9 x 60 cm

Archivo:Copia de tea.JPG

2013-02-11T00:38:19Z

Carlos Eduardo Morillo: Tea ( Serie Saludo al siglo XXI). 1989. Duratrams en caja de luz. 100,5 x 100,5 x 17,5 cm

Tea ( Serie Saludo al siglo XXI). 1989.
Duratrams en caja de luz.
100,5 x 100,5 x 17,5 cm