Diferencia entre revisiones de «Gramcko, Elsa»

Pintora y Escultora. De familia de origen alemán, desde muy niña estuvo en contacto con las artes; su padre, el odontólogo Enrique J. Gramcko Brandt, pertenecía a una familia de artistas y era notable pianista, y su madre, Elena Cortina, era una persona apegada a la pintura. Su niñez transcurre en Puerto Cabello junto a la poetisa Elizabeth Schön y su hermana, la escritora Ida Gramcko. Estos años serán decisivos para la comprensión de su obra plástica, ya que muchos de los escenarios y vivencias de aquella ciudad aparecerán, simbólicamente, en muchas de sus piezas. En 1939 su familia se traslada a Caracas donde trabaja por algún tiempo como secretaria. De formación mayormente autodidacta, frecuentó cursos libres en 1946, en la recién fundada Facultad de Humanidades de la UCV, y al año siguiente contrae matrimonio con el fotógrafo Carlos Puche. En 1955 asiste como oyente a las clases que dictaba Alejandro Otero en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas y participa en las tertulias de la Librería Cruz del Sur, donde había un vivo interés por la corriente abstracto-geométrica. Su pintura abstracta de inicios de los años cincuenta (los llamados Juegos de formas abstractas, 1954), tiene un marcado carácter experimental e intimista.

A partir de 1956 inicia sus trabajos de la llamada etapa geométrica. A diferencia de muchos de sus colegas, en ese entonces no dejó de utilizar el soporte tradicional de tela en vez de las superficies rígidas; además de no abandonar el contraste entre las formas sinuosas y colores cálidos, en primer plano, y la superficie monocroma e uniforme, casi a modo de telón, en segundo plano. Alejandro Otero la estimulará a participar en exposiciones colectivas y, en 1956, lo hace en "Artistas de la cuenca del Caribe" (Museo de Houston, Texas, Estados Unidos) y al año siguiente inicia sus envíos al Salón Oficial y participa en el I Salón de Arte Abstracto (Galería Don Hatch, Caracas). Representó a Venezuela en la Feria Internacional de Bruselas (1958), la V Bienal de São Paulo y el IX Festival de Cartagena de Indias (1959). Para esta fecha abandona el lirismo de lúdicas formas y colores de su obra inicial y se orienta hacia una depuración geométrica, concentrando su atención en figuras únicas en las cuales aparecerá por primera vez el elemento matérico, logrado con la mezcla de colores y aserrín. En 1960 realiza la etapa de la textura y el negro, en la cual la oscuridad y los relieves de la superficie recrearán una suerte de paisaje lunar o de "noche telúrica", como indicó el crítico Roberto Guevara. Poco a poco las texturas de sus obras serán más acérrimas, hasta la inclusión de metales oxidados —etapa de las chatarras (1961)—, sus primeras obras proclamadas informalistas, aunque la artista no participó en las muestras colectivas de esta corriente en Venezuela y rechazó durante toda su vida el apelativo de artista informal. En 1963 realiza una serie de trabajos que llamó Experimentos de abstracción lírica sobre madera y sus Acumuladores y engranajes, piezas donde un elemento industrial cautiva el primer plano de la composición, sobre un fondo matérico realizado con el empleo de acumuladores de baterías y óxidos. Carlos Sánchez ha escrito: "estas obras coinciden en mostrarnos una sublimación del objeto, una transmutación que lo conduce desde la triste condición de desecho, hasta la trascendente presencia viva del tiempo que va adquiriendo la materia al ser transformada en elemento vital para la creación […]. Un viaje en dos tiempos: desde el tiempo de lo cotidiano hasta el tiempo de lo inmortal" (1982, pp. 26-27).

En 1964, la poética abstracta y matérica cobra formas concretas en la etapa de las puertas y moradas, obras que recrean viejos y enmohecidos postigos, retablos y puertas; además de extrañas y misteriosas construcciones, realizadas, generalmente, con técnicas desarrolladas en la etapa anterior; sin duda, uno de los momentos más felices en la producción de la artista. Con estas obras, 14 piezas realizadas con materiales diversos, representó al país, junto a Jesús Soto, Luisa Palacios y otros artistas, en la XXXII Bienal de Venecia (1964). Ese año recibe el Premio John Boulton del XXV Salón Oficial con El portal (1963, colección GAN), el segundo premio del Salón D'Empaire con La puerta azul y, en 1965, el Premio Armando Reverón del XXVI Salón Oficial con La casa (colección GAN). Posteriormente, en 1966, la artista elabora una gran cantidad de piezas de pequeño y mediano formato, que podría definirse como la etapa de los ojos, animales y amuletos, y se prolongará por tres años, realizada principalmente con desechos de automóviles y piezas eléctricas sobre superficies resinosas de color verdoso. Ante estas obras, de lúgubre pero fascinante belleza, el espectador está invitado a presenciar todo ese mundo de criaturas, ojos, signos que, según la visión psicoanalítica, habitan las profundidades del inconsciente. Ese año recibe el primer premio del XI Salón D'Empaire con Manifiesto y lo oculto.

En 1967 inicia la serie de Esculturas, a partir del relieve, y participa en la exposición "La escultura y sus posibilidades" (Museo de Ciencias, Caracas, 1967). En esta serie retoma el espíritu constructivista de la década anterior y trabaja con metales cromados. En 1968 recibe el Premio Nacional de Escultura por Abraxas (hierro y cobre cromados, colección GAN). En 1970 realiza obras integradas a espacios arquitectónicos, como Toromaima (mural escultórico de 11 x 6 m, realizado en acero inoxidable), y Ganímedes (esfera cromada de más de un metro de diámetro), ambas para el Hotel Caracas Hilton. Por razones de tipo económico, la artista abandona la escultura y, en 1973, realiza sus Tótems, donde reproduce las formas indigenistas americanas de muchas de sus esculturas sobre fondos matéricos. Esta producción será superada por otras donde la reflexión hacia lo humanístico y antitecnológico va a estar presidida por el pensamiento de autores como Erich Fromm y Carl Gustav Jung, acercándose mediante las técnicas informalistas del ensamblado al expresionismo original, y alejándose de las estructuras primarias que alguna vez asomaron en su escultura. Esta etapa, última en su producción, ha sido denominada bocetos de un artesano de nuestro tiempo, título de una de sus piezas y de su última muestra individual (Galería Gamma, Caracas, 1986). Sin embargo, dentro de esta producción se diferencian tres momentos. Los primeros bocetos (1974), de una marcada influencia mondrianesca, en los cuales la artista "reproduce" ciertos esquemas compositivos del neoplasticismo, con el empleo de maderas coloreadas: ensamblajes que intentan representar estados anímicos complejos. Un segundo grupo (a partir de 1976), incorpora, junto a las maderas, objetos recogidos en las playas, y escritos alusivos a la soledad del hombre actual. Los últimos bocetos, realizados en su mayoría en 1978, son ensamblajes de maderas sin colores ni letras. De estos, Juan Carlos López Quintero nos dice: "los últimos Bocetos mantienen una vigencia impactante, son piezas que desafían cualquier contemporaneidad; la pobreza de sus materiales, sus equilibrios precarios y la aparente sencillez compositiva, proponen interrogantes imperecederas. Más que nunca se trata de una invitación silenciosa a la participación, a un encuentro con restos y fragmentos que piden, que claman por explicación. Estas maderas recogidas en la playa despiertan inevitablemente la curiosidad ontológica que todo hallazgo fortuito suscita: esa imperiosa necesidad por preguntar el dónde, por qué y cómo de la existencia" (1997, p. 25).

Elsa Gramcko abandonó el trabajo plástico, por razones de salud, en 1979. La GAN realizó la primera muestra antológica de su obra en 1997. Juan Calzadilla resume de esta forma el trabajo de la creadora: "sorteando siempre el camino que va de lo constructivo a lo instintivo, a lo poético, Elsa Gramcko continuará tercamente su obra hasta hoy, enfatizando la expresión sobre lo impersonal de la materia y su sueño" (1967, p. 212). Algunos de sus títulos apelaban a la literatura y la sugestión, como en algunas de sus obras fechadas en 1974 (Aparición natural de la tristeza 2, Fragmento de mundo interior o Buscando la manera de vivir en el mundo). La GAN posee un conjunto importante de su obra: pinturas como El muro del torreón (resina acrílica, arena, yute, mitol y pigmento sobre masonite, 1963) y El portal (resina acrílica, arena, cerámica, pigmento sobre masonite, 1963) y esculturas como La aldaba (hierro, resina, óxidos sobre conglomerado de madera, 1964), Imagen 0 (hierro, madera y pintura sobre masonite, 1974) y Relación misteriosa (madera, hierro, esmalte de óxidos y pintura sobre masonite, 1978).