«Tuve la suerte de contar con mi familia ─que era muy pobre y muy humilde, y de la que me siento orgulloso─, sobre todo porque mi mamá, ya viuda, se permitió esa aventura de crear y hacer pintura o hacer arte, era también un modo de hacer de vida, una profesión».
«Mamá nos apoyó de modo incondicional; luego mi hermano, que ya era pintor cuando yo comencé, me agarró por un brazo y me llevó a su taller, pues yo venía de hacer oficios callejeros como vender periódico y limpiar bota, lo que era una gran preocupación para ellos porque un muchacho de 13 años en la calle estaba expuesto a cosas».
«Desde 1981 a 1983 compartí con Alí Contreras, un titiritero que llega a Tovar, me toma como su pupilo y empieza a darme libros; me obligaba a leer porque luego me preguntaba. Empezamos un diálogo bonito… Y me iba con él para Valencia o Caracas y montábamos los títeres, viajábamos mucho».

La Formación: El Taller de Arte Elbano Méndez Osuna y el Cegra

«El Taller tenía una oferta que resultaba muy interesante, el estudiante se inscribía en una diversidad de áreas como títeres, teatro, música, arcilla, etc… se rotaba cada tres meses, de modo que se trataba de una visión bastante integral»
«Ya en el Elbano Méndez en Tovar, yo trabajé para ganarme el puesto para el para el Cegra. Una manera de entrar era con el portafolio, así que me hice una carpeta abultadísima, con muchos dibujos…».
«Entre mis 18 y 20 años, el Cegra fue un despertar a nuevas experiencias…También ofrecía una formación muy integral, muy completa, con profesores como Édgar Sánchez, Ida Gramcko, María Elena Ramos, Antonio Lazo, Manuel Espinoza e invitados frecuentes de altísimo nivel como Alejandro Otero, Jacobo Borges, Pedro León Zapata. Quizás nos era muy consciente de lo que estaba oyendo, pero quería conocer mucho más, estaba muy estimulado, podía dejar de comer para irme al cine».
«Me quedé con El Altillo, el espacio que hasta entonces tenían Martín y José Luis. Fue un año pintando…».
«La figura humana fue un reto para mí, pero después sentí que no tenía más que decir con la figura… nunca fui capaz de encontrar la psicología del personaje como tema».

Consolidación: premios, viajes, influencias

«Tuve dos meses agobiantes en Londres… el viaje fue el segundo encuentro con nuevas experiencias y modos de hacer y ver el arte… pero la misma ignorancia me limitó el aprendizaje… en la Royal Academy vi a los americanos ─todos los del siglo XX─ ». (Se refiere a la exposición American Art in the 20th century).
«Sobre Gerhard Richeter sí puedo decir que fue un gran descubrimiento… o aliado. Lo conocí en ese primer viaje a Europa; con esa obra se abrieron muchas posibilidades para mí. Primero, siempre creí en una obra plural sin apego a la idea única de pintura o de coherencia temática. Richter no fue una justificación, más bien un impulsor de la opción de seguir siendo un pintor que busca en múltiples posibilidades o lenguajes una coherencia».
«Las ideas que tenía sobre las obras cambiaron cuando las vi… ¿Cómo hablas de una realidad si no la ha visto?… El Guernica o Las Señoritas de Avignon… la realidad es inimitable…»
«Me gusta el billar… desde siempre hubo resonancia con el Braque… gané con los billares el Salón Aragua y la Bienal de Mérida».
«Siempre estudie la obra de Soto… incluso hice un seminario con Gloria Carnevalli en Ciudad Bolívar… Mi sueño era ir a París cuando tuviera 27 años como Soto…Muchos artistas de mi generación tomaron a Soto como referencia, querían ser Soto, pero creo que más por su reconocimiento que por su obra. Yo particularmente tuve la atracción por su obra ─jugaba mucho con la idea de volver las cosas inmateriales… extremar la pintura─, pero nunca esa referencia apareció en mi trabajo de una manera evidente. Observé su carrera y busqué más bien en los artistas que influyeron en él, por ejemplo Mondrian».
«Supe de Jasper Johns muchísimo antes y también me interesaba, aunque es ahora cuando su obra se hace presente en mi carrera… por supuesto que el interés en él en este momento supera la razón pictórica para aprovechar su herencia universal».
«Durante mucho tiempo me dediqué a revisar la historia de la pintura y me cargue mucho de influencia de toda esa herencia de los grandes maestros. Llegó un momento que me acosaba y me enfrentaba con la necesidad de ser o imponer una personalidad y entonces comenzó esa decantación que desmantela todo ─imagen, plantillas, todo artificio técnico. Hasta que me quedé con dos cosas fundamentales: una, el formato bidimensional y otra, la tela simple, pura… esto, por supuesto, no tiene que ver con la idea folclórica de buscar un estilo propio, sencillamente es una necesidad de ser, de existir como artista».

El «autoexilio», la obra actual

«El autoexilio es una manera de definir o concluir mi situación permanentemente…Quedarme en Tovar a veces queriendo y a veces no, se manifiesta como una especie de necesidad o de castigo, ir por el mundo y volver, pareciera que hay allí una necesidad de respirar, de oxigenarse fuera y de transpirar, procesar y digerir en Tovar. Ese ir y venir dinamiza mucho la razón de ser pintor, salir y regresar siempre a un punto, a un eje, a una pista de despegue y de aterrizaje. Donde creces y te desarrollas pero sabes que no todo está allí, que tienes que ir, salir y ver las cosas también afuera».
«Yo no creo en el arte frío. Lo que estoy haciendo ahora también puede ser programado, más que programado, sólo ideado y luego lo más fastidioso sería construirlo y llevarlo a la realidad. Pero me preocupa convertir eso una fórmula, por ejemplo esas obras minimal en las que construyo el bastidor, pongo la tela, unas verticales y la obra ya está lista…En algunos casos me parece fabuloso porque es la decantación o la conclusión de muchos años de trabajo, de contradicciones, de errores, de chorrear, de artificios. Uno se vuelve artificio en la medida de aprende trucos, cómo amasar los materiales y moverlos, uno se vuelve como un ilusionista, como el que hace malabares en el semáforo y la pelota no se le cae. Eso no es todo, y el arte es más que un truco, la pintura es más y por eso esa simplificación de recursos, ir a lo mínimo, es una necesidad… y luego cuando llegas a ese extremo, ¿para dónde vas? A lo mejor siempre hay una salida. Yo no voy a ir hacia atrás, volver a empatucarme de recursos técnicos para hacer una obra…lo dudo, no es la vía más convincente para mi es decir pintura».
«Nadie está inventado nada, todos estamos afincándonos en lo consolidado, en el pasado, en lo académico, para seguir viviendo. Revisando, pero hay que preocuparse por poner parte de sí, que aparezca algo que te identifique como autor de la obra, o seria un repetir de cosas que no tienen sentido, entonces las historia se quedaría estática, involucionaría».
«Los objetos son como una conclusión, la intención de redimensionar lo que he hecho con la pintura, eso sí, respetando la naturaleza del objeto como tal. Si bien es cierto que pinto las enjalmas porque me parecen obras inconclusas, no me las he puesto solas. Por esa manía siempre de cargar un pincel en la mano, echando pintura a todo lo que pasa por el frente el pincel también se vuelve un artificio aunque lo use de manera más abstracta o convencional. Ese redimensionar el objeto está muy trabajado por otros, pero es otra experiencia particular que a veces me decepciona, porque me emociono a elaborar la pieza, siento que está bien, aunque luego al verla en una exposición me desilusiono, pero eso es una experiencia auténtica».

La familia propia

«Los hijos son la gran experiencia, el gran compromiso, los hijos y la esposa, eso ha sido aleccionador, un estimulo, una razón de vivir, de trabajar, de seguir luchando y avanzando».
«Mis hijos se han criado en el taller, sobre todo estos últimos años, viéndome pintar, viéndome allí, llenándose de pintura, hasta pasando por encima de los cuadros. No sé cómo me verán ahora, siempre tuvieron ese roce con distintas áreas de las artes pero están en su adolescencia y han cambiando sus intereses, seguro luego los retomarán. Lo que quiero es que hagan bien hecho lo que quieran hacer… o ser».

El taller de Elbano Mendez Osuna
y la Escuela de TOVAR

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MUROS

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Yellow And Yellow

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UN « PINTOR »QUE PINTA

Comentarios paradójicos de un artista cinético
A la obra de un amigo « pintor » que pinta cuadros

No creo que el deseo de pintar y el placer específico que ello producen vayan a desaparecer del patrimonio de la sociedad. Como tampoco va a desaparecer la necesidad de leer un libro o escuchar la música de los clásicos, románticos o las melodiosas tonadas populares. Los cambios de la sociedad siempre dan la impresión de haber hecho tabla rasa sobre el pasado, sin embargo, el correr de los años demuestra que, en cierta manera, las conquistas del pasado han agregado a los logros del presente y en muchos casos se apoyan en éstos. Pintar ha sido un invento eficaz para tratar de detener el tiempo. Un soporte de reflexión para inventar, decir cosas y comunicarlas.

La expresión del arte pictórico va cambiando sus motivaciones a través de la historia. Unas veces las encontramos como este testimonio de las epopeyas del poder, y en otras oportunidades fue divulgadora religiosa y también ilustró los cambios políticos y sociales, los descubrimientos científicos, etc. No obstante, al momento de su aparición, cada una de estas tendencias desplazó el protagonismo de las precedentes, mas no por sus aportes y conquistas.
Hoy día las motivaciones artísticas se han alejado del mundo de « lo plástico » para volcarse en reflexiones filosóficas, referenciales, literarias, ecológicas o existenciales, creando imágenes y situaciones metafóricas sobre cada uno de estos sujetos. Son metáforas que encuentran su ascendencia en movimientos plásticos precedentes como el simbolismo, el surrealismo, la abstracción o el cinetismo. En el caso específico de este último, las obras abandonaron los muros y valiéndose del tiempo y del espacio reales, tomaron el espacio ayudadas por la tecnología.
Paralelamente, eso que siempre hemos llamado «pintura», es decir, el « Soporte lienzo colgado en el muro », sigue existiendo, a pesar de que en los años sesenta nosotros los cinéticos, decretamos su desaparición y obsolescencia. En todo el mundo nuevas generaciones de artistas como Jesús Guerrero en el pueblo de Tovar, en los andes venezolanos, continúan expresándose y encontrando recursos en esta milenaria expresión.
El lenguaje pictórico y todo su repertorio expresivo generan un placer no comparable con el oír de la música o leer un poema; ni siquiera con el placer de contemplar algunas de las últimas experiencias creativas. Las obras de Jesús Guerrero son hechas por un pintor que pinta, un pintor nato que busca y encuentra soluciones pictóricas. La contemplación de sus obras nos produce un placer específico de «la pintura».
En la actualidad, frente a la descomunal proliferación de arte, resulta muy fácil detectar un verdadero « pintor »… tan fácil como detectar a un mal músico. Desafinar o cantar fuera del tempo lo descalifican de inmediato. De la misma manera, las exposiciones que exhiben la obra hecha por un «pintor» como Jesús Guerrero emiten señales. Señales que captamos enseguida y que nos atraen. Su trabajo se diferencia del resto de aquellos que hacen pintura, pero que no son pintores.
Jesús Guerrero es un « pintor » que pinta. Tiene el gran mérito de haber sido consecuente y creer en lo que hacer. En cada una de sus obras enriquece sus recursos, al tiempo que genera una obra seria y responsable, « pictóricamente » hermosa y válida. Se lo dice un cinético que ha pasado la vida tratando de darle otras salidas a lo « estrictamente pictórico… ».

Paris, 26 de agosto, 2007

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